Mr. Mojo Slim

KANSAS JOE McCOY

2009-05-09T19:06:00.000-07:00

Ao lado do irmão mais jovem Charlie, Kansas Joe McCoy é um dos grandes ”sidemen” na História do Blues. Sua forma quase espartana de deslizar na Guitarra foram preservados nas gravações de sua esposa Memphis Minnie, de forma notável. Nascido em 11 de maio de 1905 em Jackson, Mississippi, ele era principalmente conhecido como Kansas Joseph McCoy, mas atuou com uma longa lista de pseudônimos, onde incluem-se aparições como o “Hillbilly Plowboy” , Mud Dauber Joe, Hamfoot Ham, Georgia Pine Boy and Hallelujah Joe.

Músico autodidata, ele se mudou para Memphis durante meados dos anos 1920, e uniu-se à Jed Davenport's Beale Street Jug Band e Memphis Minnie, de quem se tornou o segundo marido. Durante os seis anos que permaneceram casados, a acompanhou em muitos clássicos, aparecendo como intérprete em "WHEN THE LEVEE BREAKS" e "JOLIET BOUND".O Casal migrou para Chicago em 1930, onde, na companhia de celebridades, encontraram e se identificaram com Big Bill Broonzy e Tampa Red; daí adaptaram o seu som à forma de ambientes urbanos que era novidade para eles.

Com o trabalho de violão eloqüente que o caracterizava, assim como o efeito vocal profundo, McCoy poderia ter subido bem a estrelato pelos seus próprios esforços, mas parecia preferir o papel de sideman. Depois do divórcio dele com Memphis Minnie, ele e seu irmão Charlie McCoy formaram o Harlem Hamfats, performando gravações regulares entre 1936 e 1939, até o grupo se desfazer. Após isso, fundou o Big Joe and His Washboard Band que evoluiu em seguida para o grupo Big Joe and His Rhythm, durante meados dos anos 1940. McCoy morreu no dia 28 de janeiro de 1950.

BLIND BOY FULLER

2009-05-09T18:53:00.000-07:00

Blind Boy Fuller nasceu com o nome de Fulton Allen, no dia 10 de julho de 1907, em Wadesboro, Carolina do Norte. Ele veio de uma família pobre e religiosa, com 15 irmãos. Exposto à música desde garoto, nas igrejas ou pelas ruas, ele logo teve interesse em se tornar um músico. Porém, pouco antes dos vinte anos de idade, sua vista começou a ficar ruim e ele logo ficaria completamente cego, provavelmente por causa de alguma doença. Há quem diga que alguma namorada, ou ex-namorada apaixonada teria cegado Fuller com alguma mistura química caseira.

Quando sua família se mudou de Wadesboro para Rockingham, ainda garoto, ele começou a aprender seus primeiros acordes no violão. Além de blues ele aprendeu também o "ragtime" e outros estilos tradicionais das regiões rurais e pobres da cidade.Como na época as oportunidades para um homem negro e cego eram limitadas, ele logo se viu nas ruas, tocando para sobreviver. Em pouco tempo ele se tornou conhecido entre os outros artistas de rua locais. Entre eles estava o gaitista Sonny Terry, com quem fez várias gravações, e o guitarrista gospel Gary Davis, que também era cego. Fuller até aprender algumas técnicas com Gary através dessa parceria.

Fuller é um dos maiores ícones do Piedmont Blues, um estilo caracterizado pelo maneira de se tocar o violão, onde se usa o polegar para fazer as vezes do baixo enquanto se toca a harmonia nas cordas médias e agudas. Outros artistas consagradas nesse mesmo estilo são Brownie McGhee, Mississippi John Hurt, Loonie Johnson, Blind Blake, Josh White, entre outros.

Fuller cantava de maneira áspera e suas músicas contavam de modo explícito cada aspecto de sua vida como um homem desprivilegiado - crimes, prisão, doenças, morte. Apesar de não ser um artista sofisticado, Fuller era autêntico. Cantava com franqueza e honestidade. Ele também cantava sobre amor, desejo, frustrações e ameaças, tudo com algumas pitadas de bom humor.Blind Boy Fuller morreu de infecção severa na bexiga em 1942, com apenas 33 anos de idade. Sua popularidade era tanta que após sua morte, J. B. Long, da Columbia Records deu a Brownie McGhee, aprendiz de Fuller, o nome de Blind Boy Fuller II, que ele acabou usando por algum tempo.Seus maiores sucessos foram "Rag Mama, Rag", "Trucking My Blues Away," e "Step It Up and Go", todas elas no estilo "ragtime" e "Lost Lover Blues", "Rattlesnakin' Daddy" e "Mamie", no melhor estilo do Delta Blues, Alem de Three Ball Blues, ao melhor estilo N.Y. City Blues provando sua grande versatilidade com o instrumento nas mãos.

ARTUR BIG BOY CRUDUP

2009-05-09T18:36:00.000-07:00

Nascido em 24 de Agosto de 1905 na cidade de Forest, Mississippi, Arthur 'Big Boy' Crudup, foi, apesar do pouco reconhecimento de seu trabalho, um grande ícone do Blues, e de grande importância para o astro do Rock, Elvis Presley.Começou sua vida trabalhando nos campos rurais e começou sua vida musical num coral da igreja com seu tutor, Papa Harvey, um músico de Blues local. Mas somente aos trinta anos aprendeu a tocar violão, sozinho. Em 1940 se mudou para a elétrica Chicago com o sonho de se tornar milionário, mas rapidamente se viu sem nada e começou a tocar nas ruas. E foi nas ruas que ele conheceu o caçador de talentos Lester Melrose, da gravadora RCA.

Seu primeiro grande single, "If I Get Lucky", foi gravado junto com o baixista Joe McCoy, no dia 11 de Setembro de 1941, pela marca "Bluebird", uma subsidiária da RCA. Seguido de vários outros singles.Ele gravou cerca de 80 músicas para a RCA, até descobrir que foi enganado pela mesma, quanto aos direitos autorais de suas músicas.Até que em 1952 ele assina com a Trumpet Records com o nome de James Elmer e pela Checker Records com o nome de Percy Crudup Lee. Logo em 1954 o astro branco do Rock (ainda não era entitulado assim), Elvis Presley regrava a canção de Crudup, chamada "That's Alright Mama" (a primeira música gravada por Elvis pela Sun Records). Com o sucesso da música, Elvis ainda gravaria mais duas canções dele: "My Baby Left Me" e "So Glad You're Mine". Isso até rendeu a Crudup o título de pai do Rock 'n Roll.

Mas, mesmo entitulado dessa maneira, logo caiu no esquecimento e voltou para a vida no campo, e ficou por lá durante todo restante da década de 50. Voltando apenas em 1961 para gravar pela gravadora Fire.No final da década de 60, com a popularização do Blues, Crudup volta a ativa fazendo turnê pela Europa, e se apresentando várias vezes por todo Estados Unidos. Seu concerto no dia primeiro de Março de 1974 no Hunter College, em Nova Iorque, é o último.Em 28 de Março de 1974 ele vem a falecer na cidade de Nassawadox, Virgínia.

ETTA JAMES

2009-05-09T16:35:00.000-07:00

Etta James nasceu em Los Angeles California, filha de Dorothy Hawkins, uma afro-americana, mãe solteira aos 16 anos. Nascida de duas raças diferentes, Etta procurou saber quem era seu pai, desconhecido até então, sua mãe dizIA ser Minnesota Fats e do qual ela recebia pensão na condição de manter segredo sobre sua paternidade.Ela teve o seu primeiro contacto com a música aos 5 anos de idade, tendo aulas com James Earle Hines, director musical da escola Echoes of Eden da igreja batista de St. Paul, em Los Angeles.

Sua família mudou-se para São Francisco, Califórnia, em 1950, e em 1952 Etta e mais duas amigas formaram o trio (As Creolettes), o qual viria a chamar a atenção de Johnny Otis. Otis inverteu as sílabas do seu nome para lhe dar uma melhor sonoridade assim surgindo o seu nome artístico. A partir daí Otis investiu na garota começando a gravar os seus primeiros temas.

Sua primeira gravação, e seu primeiro êxito R&B, foi de sua própria autoria, "The Wallflowe (Dance with Me, Henry)", uma música-resposta para a músia de Hank Ballard, "Work with Me, Annie". Em 1954, Etta gravou juntamente com a banda de Otis e com Richard Berry, o qual cantava a segunda voz. A canção não estava totalmente boa, e foi re-escrita por Georgia Gibbs, ganhando o título de "Dance with Me, Henry". Também gravou momentaneamente o Etta James & the Peaches, com diversos hits e foi contratada mais tarde pela Chess Recordsem 1960.Saiu em turnê com Johnny "Guitar" Watson juntamente com Otis nos anos '50 e foi citada por Watson como a penúltima influência em seu estilo.

Ela lançou vários duetos com Harvey Fuqua (de The Moonglows), do qual surgiu o seu maior sucesso já gravado, a belissima e clássica "At Last". A canção, que apareceu juntamente com outros êxitos como "All I Could Do Was Cry" e "Trust in Me", foi incluída no seu álbum de estreia, "At Last".Etta james teve um sério problema de drogas e romances mal sucedidos, que interferiram em sua carreira. Posteriormente ela tem problemas com a obesidade (chegando a ter quase 200kg), que levaram-na a fazer uma cirurgia gástrica em 2003, fazendo-a perder quase 100kg. Em 2003 Etta James recebe uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood.Atualmente, Etta faz tours pela América junto com seus dois filhos, Douto e Sametto

RAY CHARLES

2009-05-09T16:20:00.000-07:00

Ray Charles nasceu em Albany no dia 23 de Setembro de 1930 e faleceu em Los Angeles no dia 10 de junho de 200. Foi um pianista pioneiro e cantor de música soul que ajudou a definir o seu formato ainda no fim dos anos 50, além de um inovador interpréte de R&B. Seu nome de nascimento era Ray Charles Robinson, mas ele encurtou-o quando entrou na indústria do entretenimento para evitar confusão com o famoso boxeador Sugar Ray Robinson. Considerado um dos maiores gênios da música negra americana, Ray Charles também foi um dos responsáveis pela introdução de ritmo gospel nas músicas de R&B.

Ele era o filho da Aretha Williams, que trabalhava em uma serraria de tábuas, e Bailey Robinson, um reparador de ferrovia, mecânico e biscateiro os dois nunca se casaram. A família mudou-se para Greenville, Flórida, quando Ray era um bebê. Bailey teve mais três famílias, Aretha cuidava da família sozinha.Ray Charles não era cego de nascença. Ele ficou totalmente cego aos sete anos de idade.Charles nunca soube exatamente por que ele perdeu a visãoapesar de existirem fontes sugerem que sua cegueira era devido a glaucoma, e algumas outras fontes que sugerem que Ray começou a perder o sua vista a partir de uma infecção causada por água com sabão nos olhos dele, que foi deixado sem tratamento.

Ele freqüentou a Escola para Cegos e Surdos de Santo Agostinho, em St. Augustine , Flórida. Também aprendeu a escrever música e tocar vários instrumentos musicais.Enquanto ele estava lá, a mãe dele morreu seguido por seu pai dois anos depois.Órfão na adolescência, Ray Charles iniciou sua carreira tocando piano e cantando em grupos de gospel, no final dos anos 40. A princípio influenciado por Nat King Cole, trocou o gospel por baladas profanas e, após assinar com a Atlantic Records em 1952, enveredou pelo R & B. Quando o rock & roll estourou com Elvis Presley em 1955, e cantores negros como Chuck Berry e Little Richard foram promovidos, Ray Charles aproveitou o espaço aberto na mídia e lançou sucessos como "I Got a Woman" (gravada depois por Elvis), "Talkin about You", "What I'd Say", "Litle girl of Mine", "Hit the Road Jack", entre outros, reunindo elementos de R & B e gospel nas músicas de uma forma que abriram caminho para a soul music dos anos 60, e tornando-o um astro reverenciado do pop negro.

A partir de então, embora sempre ligado ao soul, não se ateve a nenhum gênero musical negro específico: flertou com o jazz, gravou baladas românticas chorosas e standards da canção americana. Entre seus sucessos históricos desta fase estão canções como "Unchain My Heart", "Ruby", "Cry Me a River", "Georgia on My Mind" e baladas country tais como "Sweet Memories", e seu maior sucesso comercial, "I Can't Stop Loving You", de 1962. Apesar de problemas com drogas que lhe prejudicaram a carreira, as interpretações de Ray Charles sempre foram apreciadas, não importando as músicas que cantasse. Uma "aura" de genialidade reconhecida acompanhou-o até o fim da vida e mais do que nos últimos álbuns que gravou, era nas suas apresentações ao vivo que o seu talento único podia ser apreciado.

Um notório mulherengo, Ray Charles casou-se duas vezes e foi pai de doze crianças com sete diferentes mulheres. Sua primeira esposa foi Eileen Williams (casado em 1951, divorciado em 1952) deu-lhe um filho. Outros três filhos são de seu segundo casamento, em 1955, com Della Beatrice Howard (divorciaram-se em 1977).Sua namorada longo prazo e parceiro no momento da sua morte era Norma Pinella.

BROWNIE MCGHEE (BLIN BOI FULLER II)

2009-05-08T16:43:00.000-07:00

Walter "Brownie" McGhee nasceu em Kingsport, no Tennessee, no dia 30 de novembro de 1930. Quando criança contraiu poliomielite, o que incapacitou uma de suas pernas. Ele passou boa parte de sua juventude envolvido com a música, cantando no coral "Golden Voices Gospel Quartet". Aos 22 anos ele se tornou um músico viajante e nessa época conheceu Blind Boy Fuller, que influenciou profundamente sua maneira de tocar. Depois da morte de Fuller, J.B Long da Columbia Records fez com que McGhee adotasse o nome de seu tutor e ele passou a se apresentar como Blind Boy Fuller II. Porém o sucesso só viria em 1942, quando ele foi para Nove Iorque em companhia de Sonny Terry.

Brownie conheceu Terry na Carolina do Norte, em 1938, mas só viriam a gravar juntos em 1940. stava formada uma longa e duradoura parceria, que renderia muitos discos. Eles partiriam para Nova Iorque, onde a cena folk estava em ascensão. Lá eles trabalharam com Leadbelly, Josh White e Woody Guthrie. Entre 1942 e 1950, McGhee também trabalhou em sua própria escola de música, a "Home of the Blues, no Harlem. Depois do fim da Segunda Guerra, McGhee fez inúmeras gravações, com e sem Terry, para vários selo R&B como Savoy, Alert, London, Derby, Dot, e Harlem. Sonny Terry fez o mesmo, com gravações para os selos Jackson, Red Robin, RCA Victor, Groove, Harlem, Old Town, e Ember, muitas vezes com McGhee no violão.

Sonny Terry & Brownie McGhee estão entre os primeiros artistas de blues a excursionar pela Europa, durante a década de 50. Eles também viajaram com vários festivais de folk e blues, por toda América, Canadá e Europa, aparecendo em programas de tv e filmes. Eles só se separariam em 1970, para cuidarem de seus problemas pessoais. Terry continuou tocando e gravando até falecer em 1986. Brownie passou os próximos 10 anos tocando em festivais e gravando. Sua última aparição foi no Chicago Blues Festival de 1995, pouco antes de falecer, aos 80 anos, no dia 16 de janeiro de 1996.

CAREY BELL

2009-05-08T16:38:00.000-07:00

Um dos maiores representantes da gaita 'Carey Bell' Harrington, nasceu no Mississippi em 1936, e aos oito anos de idade queria um saxofone, mas a família pobre não tinha como comprar e ele ganhou de seu avô uma harmônica, que aprendeu a tocar sozinho. Com somente treze anos de idade, Carey Bell já tocava profissionalmente com seu padrinho e pai adotivo, o pianista de blues e country Lovie Lee. Foi ele que, em 1956, convenceu Carey a mudar-se para Chicago, meca do blues urbano. Em Chicago conheceu seus mestres Big Walter Horton, Little Walter Jacobs e Sonny Boy Williamson II e teve a oportunidade única de se aperfeiçoar. Com professores de estilo tão pessoal, não tardou muito para que Carey criasse também seu próprio estilo, um blues marcadamente urbano e contemporâneo, mas enraizado na tradição de seu Mississippi natal.

E tudo correu bem até o início dos anos sessenta. A guitarra elétrica começava então a tomar o lugar da harmônica em muitas bandas de blues, e Carey resolveu diversificar seus talentos e passou também a tocar baixo elétrico. Mas o chamado da harmônica foi mais forte, e Carey voltou a ela com toda força. Nos anos 70 tocou sem parar nas bandas de Muddy Waters e de Willie Dixon.Em pouco tempo, sua reputação de mestre da harmônica era indiscutível, e nos anos 80 Bell já tinha seu reconhecimento mundial como uma lenda da harmônica blues, e a quantidade de discos e shows nos EUA e na Europa atestava isto. O grande mestre da gaita blues faleceu no dia 06 de maio em sua casa em Chicago Illinois de um ataque cardíaco. Ele já vinha enfrentando problemas de saúde e havia sido internado com crises de diabetes.

RORY GALLAGHER

2009-05-07T15:13:00.000-07:00

Rory nasceu em Ballyshannon, Conty Donegal, sul da Irlanda, no dia 2 de março de 1948.Aos 9 anos ele ganhou um violão de presente de seus pais e aprendeu a tocar sozinho. Aos 12 anos ele venceu um concurso de talentos na cidade de Cork e gastou todo dinheiro do prêmio na compra de uma guitarra. Três anos mais tarde ele compraria sua Fender Stratocaster 1961, que seria sua grande companheira durante toda carreira.

Em 1963 ele foi chamado para tocar na Fontana Show Band, que mais tarde mudaria o nome para The Impact. Essa banda conseguiu algum sucesso e eles chegaram a fazer algumas turnês pela Europa. Quando passavam por Londres, Rory teve a oportunidade de ver um show dos Rolling Stones pela primeira vez.Três anos depois, Gallagher retornou a cidade de Cork e lá formou um trio, chamado The Taste. Pouco tempo depois eles se mudaram para Londres, onde assinaram com a gravadora Polydor e sairam em turnê pelo Canadá e EUA, abrindo os show do Blind Faith.Em 1971 o Taste se desfez e Gallagher formou sua própria banda: The Rory Gallagher Band. E nesse ano seu sucesso alavancou.

Ele lançou seu primeiro disco solo intitulado apenas Rory Gallagher. Logo em seguida ele lançou o segundo álbum chamado Deuce, que gravou da mesma forma como faria num show ao vivo.E no final do ano ele entrou em estúdio a convite de Muddy Waters para a gravação do disco London Sessions.Ao todo ele lançou quase vinte álbuns. Os melhores, na opinião dos fãs, são os primeiros: Rory Gallagher (1971), Deuce (1971), Live In Europe (1972) e Irish Tour (1974). Além de Muddy Waters, Rory já participou nos discos de Jerry Lee Lewis, Chris Barber, Albert King, Albert Collins, entre outros.Rory sempre foi uma pessoa humilde. Sempre se vestiu com camisas de manga comprida, jeans e tocou durante a vida toda com a mesma guitarra que comprou quando tinha 15 anos. E ele nunca foi adepto de pedais de distorção. Simplesmente plugava a guitarra direto no cubo e tocava. Seu estilo misturava uma técnica virtuosa e pegada do rock com a melodia e a simplicidade do blues.Ele faleceu dia 14 de junho de 1995, após uma cirurgia.

OUTRA APARIÇÃO

2009-04-18T05:49:00.000-07:00

Certo dia resolvi dar ouvidos aos conselhos de um amigo um tanto quanto íntimo. Tivemos uma conversa séria há cerca de aproximadamente dois meses atrás a respeito de Mr Mojo. Ele teve a absoluta convicção que se tratava-se de uma paranóia, talvez até o início de uma “muito provável” como disse ele, esquizofrenia. Poderia ser efeito do stress ou da minha fixação pelo Blues que segundo ele estava se tornando uma espécie de transtorno Obsessivo Compulsivo (TOC), como chamam os especialistas. Talvez eu estivesse estudando demasiadamente.

- Por mais que estude tanto assim, não vai conseguir chegar ao nível de um B.B King, Eric Clapton ou Jimi Hendrix! Disse ele.
Mas a verdade é que minha pretensão não é tão megalomaníaca assim. Apenas quero atingir o nível no qual acredito que posso chegar, até onde o meu “talento”, ou melhor dizendo, esforço permita. Além do mais tenho que aproveitar o máximo minhas horas vagas, uma vez que o trabalho me suga tanto tempo.

- Procure sair mais, você não tem aparecido em nenhuma das festas que organizamos, talvez seja isso que esteja faltando, passa o tempo todo trancado no quarto digitando escalas, praticando Riffs, passa mais tempo com sua guitarra que com sua mulher. Esse foi um dos argumentos apontados por ele naquele dia.

Mas não posso ser louco, desempenho minhas atividades normalmente, e não cometo nenhum ato que possa ser considerado insano, as visões que tenho de Mr Mojo ocorrem na maioria das vezes quando estou só. Mas para ter certeza da minha sanidade mental procurei um psiquiatra. Após ter marcado a consulta a uns quinze dias atrás, lá estava eu esperando a minha vez de consultar. Entrei no consultório e logo fui dizendo:

- Doutor, não sou nenhum maluco, por isso não tente me internar, estou aqui apenas para tirar algumas dúvidas.
- Calma rapaz, nem todo mundo que procura a ajuda de um psiquiatra é maluco. Além do mais existem vários tipos de neuroses e psicoses, mas se está aqui é por que alguma coisa está lhe incomodando. Vamos lá, tenha calma e me diga o que está acontecendo.

- Tenho tido visões doutor.
- Que tipo de visões?
- Vejo um negro, magro e alto, vestindo sempre a mesma roupa, calças sociais, terno e gravata, óculos escuros e um chapéu que cobre a cabeça e parte da testa.
- Você chega a falar com ele?
- Sim, às vezes ficamos dialogando por longas horas. O estranho é que ele aparece quase sempre quando estou só.
- Qual é o tema da conversa?
- Blues, sempre falamos sobre Blues.
- Você tem alguma ligação com blues?
- Sim, gosto muito de ouvir e tocar Blues.
- Você é músico.
- Sim , apenas nas horas vagas.
- E quem é esse sujeito que você afirma manter contato?
- Sei apenas que se chama Mr Mojo?
- E como sabe o nome dele?
- Ele me contou. Mas o mais estranho é que ele sabe tudo sobre mim, parece que lê meus pensamentos.
- Bom, pelo que me falou, parece uma espécie de transtorno que não deve ser ignorado. Mas diga, tem tido essas visões frequentemente?
- Não, às vezes se passam dois ou três meses sem que nada aconteça.
-Entendo. O que podemos fazer é sessões de análise, irei lhe receitar um antidepressivo que irá ajudar a aliviar os sintomas, se o caso não apresentar melhoras, aí partiremos para um tratamento mais eficaz.
- Quer dizer que estou sofrendo de esquizofrenia ou algo parecido?!
- Não, ainda é cedo para tal diagnóstico. O que você deve fazer agora é manter-se calmo, e fazer o tratamento que lhe indiquei, apenas isso. Sabe meu jovem, às vezes vivemos numa espécie de teatro, representamos ser aquilo que não sentimos ser, e o que sentirmos ser, ou o que gostaríamos de ser na verdade, passa a ficar reprimido no nosso subconsciente. Talvez Mr Mojo seja você mesmo, ou o que você gostaria de ser na verdade. Entendeu?
- Acho que sim.

Retornei para casa, fui até a farmácia comprei os medicamentos e marquei as primeiras sessões de análise. Na noite anterior a primeira sessão tive um sono perturbado por pesadelos dos mais diversos, negros escravos em meio á uma plantação de algodão tocavam gaitas de boca e banjo, depois Bluesmans se apresentavam nas ruas de uma cidade desconhecida ou em bares, negros cegos tocavam violão com grande facilidade em casas com mesas de jogos e repletas de prostitutas, onde o Wiskey rolava solto. E lá estava eu no meio de toda aquela confusão juntamente com Mr Mojo, que deslizava o gargalo de um copo sobre as cordas da sua guitarra provocando um som estratosférico. Acordei assustado e suando em bagas, quando abri os olhos eis que me deparo com a figura que me atormenta.

-Calma meu jovem, não precisa entrar em pânico.
- O que quer desta vez? Interroguei.
- Então está tentando me exorcizar!? Disse com um riso de sarcasmo.
- Você é apenas uma alucinação, que dentro em pouco desaparecerá da minha vida para sempre.
- Tanto melhor se fosse verdade. Respondeu.
- Há tempos eu vago perdido atormentando meus pupilos, mas não é essa minha intenção, estou condenado á isso, não tenho culpa. Acendeu um cigarro, deu uma profunda tragada, soltou uma nuvem de fumaça e continuou:
- Desde aquela primeira vez, quando em uma encruzilhada, afinei o violão de um jovem e ele se tornou um astro, não tenho mais paz e o pobre rapaz viveu o resto de sua vida atormentado.
- Você é o demônio?! Exclamei.
- Não meu jovem, sou a essência que aprisiona e torna alguns homens escravos do Blues.
- Comigo você não conseguirá! Afirmei
- E nem pretendo, desta vez será diferente.
- Diferente como?
- Você descobrirá com o tempo. Continuou a fumar e por alguns minutos permaneceu calado, mas logo rompeu o silencio:
- Quer que eu afine sua guitarra meu jovem?
- Não, já está afinada, além do mais, hoje possuímos afinadores elétricos.
- Melhor assim.
- Então lhe vejo novamente no Divâ do seu analista.
- Lá você desaparecerá! Afirmei com veemência.
- É o que veremos. Abriu a porta do quarto e saiu a passos largos e lentos. Mais que de pressa levantei-me e corri atrás, mas nada, já havia sumido. Restava apenas o cheiro e a fumaça do seu cigarro que vagarosamente se dissipava no ar.

BIOGRAFIA SUNNYLAND SLIM

2009-04-17T05:01:00.000-07:00

Albert "Sunnyland Slim" Luandrew nasceu em uma fazenda nas proximidades da cidade de Vance, no Mississippi no dia 5 de setembro de 1905. Ele teve suas primeiras lições de música num velho órgão e depois de animar muitas festas no Delta,resolveu se mudar para Memphis, no Tennessee.Ele adotou o nome de Sunnyland Slim por conta do título de uma de suas músicas favoritas, "Sunnyland Train". A batida dessa música imortalizou a velocidade e a periculosidade do trem que ia de St. Louis a Memphis, e que matou várias pessoas que tentaram cruzar suas linhas no momento errado.Slim se mudou para Chicago em 1939, onde tocou por algum tempo com John Lee Hooker e "Sonny Boy" Williamson. Na época o blues elétrico começava seu crescimento, com Tampa Red, Jump Jackson, Little Walter e Muddy Waters. Se não fosse pela ajuda de Slim, Muddy Waters não teria assinado com a Chess Records, a maior gravadora da época.

Foi numa sessão de Slim para a Aristocrat Records, em 1947, que os irmãos Chess conheceram e assinaram com Waters.Em 1960 Sunnyland viajou para Englewood Cliffs, em New Jersey, onde gravou o disco "Slim's Shout", que contou com a participação do saxofonista King Curtis em algumas faixas. Esse álbum conta com algumas de suas melhores músicas, como The Devil Is a Busy Man," "Shake It," "Brownskin Woman," e "It's You Baby."Sunnyland excursionou pela Europa e antiga União Soviética e também por festivais em todo território dos EUA e Canadá.

A maioria de suas turnês foram feitas ao lado de Otis Rush e Howlin' Wolf. Ele continuou tocando em diversos concertos até a sua morte, aos 88 anos, em 1995.Sunnyland Slim pode ser considerado um dos pilares do blues de Chicago, não só pelo estilo de tocar piano, mas também por influenciar muitos dos maiores bluesmen da época, como Walter Horton, Muddy Waters e B.B. King. Ele também ajudou muitos jovens bluesmens em início de carreira. Em toda sua carreira gravou mais de 40 músicas.

BIOGRAFIA JOE HILL LOUIS

2009-04-17T04:55:00.000-07:00

Leslie Hill nasceu em Raines, no Tennesse, no dia 23 de setembro de 1921. Aos 14 anos de idade ele fugiu de casa, fato que acontecia com certa freqüencia naquela época . Nas suas coisas, apenas roupas e sua gaita.Ele rumou para Memphis onde conseguiu abrigo na casa de uma família local. Garoto espirituoso, ele ganhou o apelido de "Joe Louis" depois de vencer uma briga com outro garoto. Louis foi um dos maiores pugilistas de todos os tempos manteve o título dos pesos pesados durante doze anos, entre 1937 e1948. Tocando nas ruas ele aprendeu o ofício de banda de um homem só, tocando bateria, violão e gaita.

Ele então se batizou como "Joe Hill Louis The Be-Bop Boy And His One Man Band."Até o final dos anos de 1940 ele era atração popular no Handy Park e tinha um show de 15 minutos na rádio WDIA. Suas primeiras gravações foram para a Columbia, em 1949. Ele gravou vários outros discos por pequenas gravadoras independentes. Alguns sequer foram lançados.O Be-Bop Boy não tinha uma técnica aguçada em nenhum dos intrumentos que tocava. Mas tocava de maneira bruta e se saía muito bem na sincronização dos instrumentos. Se não fosse por sua morte prematura, ele com certeza faria mais sucesso. Joe morreu com apenas 35 anos de idade, depois de contrair tétano por conta de um corte profundo em seu polegar.

BLUES É MELANCÓLICO, NÃO DEPRESSIVO.

2009-04-03T13:46:00.000-07:00

A Dor é um sentimento, não podemos ignorá-lo, você tem o direito de sentir sua própria dor e expressá-la da forma que mais lhe convêm. Seja em um poema, em um Romance, em um conto, em uma crônica, em uma música, em um BLUES. O Blues possibilita que os mais variados tipos de sentimentos, emoções, (não somente a dor) e experiências sejam exteriorizados. A combinação harmonia/Melodia do Blues nos remete a uma atmosfera misteriosa, nostálgica, mística, ao mesmo tempo em que conduz a alma para um estado de êxtase e euforia quando o ouvido capta, o cérebro reconhece e a alma sente os fluídos emanados pela a execução de um solo, seja ele de gaita ou guitarra. O Blues é sensual, visceral, vigoroso e traz consigo uma rica história sociocultural do sul dos Estados Unidos. A idéia de que o Blues é depressivo já foi há tempos descartada, melancolia não significa depressão, não é uma doença, é um estado de espírito às vezes temporário, às vezes permanente.

A dor nos faz crescer, na medida em que enfrentamos ela com a face erguida e sem medo. A dor vem do próprio desejo de não sentirmos dor, parece contraditório, mas é plenamente compreensível. A essência de todo o ser humano é composta por uma variedade de sentimentos contraditórios, são pólos negativos e positivos que interligados formam um todo harmonizado. O Blues é como um interruptor que ativa esses pólos, provocando sensações não somente exteriores, mas também e principalmente interiores. A audição é um sentido intermediário, com a função de captar, mas a alma é que decodifica os sons. O Blues tem a capacidade de despertar o sistema auditivo da alma e expandi-lo muito além de nós mesmos. Quando ouvimos um Blues, é como se conseguíssemos migrar de um estado melancólico para um estado de êxtase e euforia em questão de segundos, os solos de uma harmônica ou de uma guitarra podem nos conduzir ao abismo, e em questão de segundos transportar-nos até o paraíso.

A Beleza está na simplicidade, e é por isso que o Blues é mágico, encantador. Porque é simples, sem formalidades ou burocracias, porque não surgiu nos ambientes acadêmicos ou em conservatórios onde se formam burocratas da música. É mágico porque conseguiu captar a essência da vida na sonoridade dos campos, das ruas, dos bares, dos prostíbulos. E é nesses lugares onde existe vida, vida em movimento, fluindo como lavas de um vulcão em plena atividade. O êxtase e a euforia das grandes metrópoles, a paz e a melancolia do campo, o sofrimento causado pelos grilhões da escravidão, a marginalidade imposta pela maioria branca, tudo isso foi misturado a uma boa dose de uísque, fundiu-se e transformou-se em acordes e escalas, deu origem ao que chamamos de Blues.

O Blues conseguiu transformar a melancolia em um sentimento que preenche o vazio que reside na alma de todo o ser humano, colocou beleza na dor, despertou a libido, cantou a realidade do campo e dos guetos. O Blues materializou a alegria, a dor, a revolta transformando-as em algo tangível, nas cordas de uma guitarra, ou no sopro de uma gaita. O Blues é a casa do andarilho, o trabalho do vagabundo, o repouso da alma inquieta,o lamento dos bêbados e loucos, loucos pela vida, que ardem. São seis notas que revelam um universo de sentimentos. A música onde todos os demônios são exorcizados. No Blues se ama e se odeia, ou as duas coisas simultaneamente. Talvez seja por isso que se tornam teoricamente fáceis de tocar, mas difíceis de interpretar. Blues é euforia, alegria, dor e também MELANCOLIA.

RIO MISSISSIPPI, SIMBOLO DO BLUES.

2009-04-03T09:53:00.000-07:00

O Rio Mississippi simboliza o Blues, foi onde tudo começou. O velho Mississipi serviu e serve até hoje como fonte de inspiração para vários bluesmans, hidratou a imaginação dos poetas desse gênero. São inúmeros os Blues que mencionam o velho rio. Os sentimentos fluem junto com suas águas, suas margens abrigam a criatividade e transbordam emoções!! Olhando o rio, o bluesman navega por águas calmas e profundas, mas que hospedam uma gama de sensações. O Rio Mississippi é o segundo maior rio dos Estados Unidos da América. A origem do nome Mississippi vem da palavra derivada da língua ojibwe misi-ziibi que significa 'grande rio'. O Rio tem a terceira maior bacia hidrográfica do mundo. Ela drena 41% dos 48 estados contíguos dos Estados Unidos. Sua bacia cobre mais de 3 225 000 km², incluído todos ou parte de 31 estados e duas províncias canadenses.

Ele corta, ou margeia, dez estados americanos; Minessota, Wisconsin, Iowa, IIllinóis, Missouri, Kentucki, Arkansas, Tennessee, Mississippi e Louisiania, antes de desaguar no Golfo do México, cerca de 160 quilômetros rio abaixo de New orleans. Medições do comprimento do Mississippi do Lago Itasca até o Golfo do México variam, mas o número do EPA é de 3 733 quilômetros. Uma gota de chuva caída no Lago Itasca pode chegar ao Golfo do México em cerca de 90 dias. O rio é dividido em alto Mississippi, da sua nascente sul até no Rio Ohio, e baixo Mississippi, do Ohio até, sua foz próximo a New Orleans. O alto Mississippi é alem disto dividido em três secções: a nascente, da fonte até a Quedas Saint Anthony; uma série de lagos artificiais entre Minneapolis e St. Louis; e o médio Mississippi, um rio de curso livre da confluência do Rio Missouri até St. Louis.

Uma série de 27 comportas e represas no alto Mississippi, a maioria das quais construídas em 1930, são projetadas para manter um canal de 2,7 metros para o tráfico de barcos comerciais. Os lagos formados são também usados para navegação de recreação e pesca. As represas tornam o rio mais profundo e largo, mas nenhum controle de fluxo é pretendido. Durante os períodos de alto fluxo, as comportas, algumas das quais ficam submersas, são completamente abertas e as represas simplesmente perdem sua função. Abaixo de St. Louis o Mississippi é relativamente livre para navegação, embora isto seja garantido por numerosas barragens e dirigidos por braços de represas. As maiores cidades ao longo do rio são: Minneapolis, St. Paul, Davenport, St. Louis, Memphis, Baton Rouge e New Orleans.

Foi na região do Delta do Mississippi que se estende de Memphis, Tennessee a norte, Vicksburg, Mississippi no sul, e do Rio Mississippi a oeste, Rio Yazzoo a leste que surgiu o estilo mais antigo do Blues, o Delta Blues. Essa área é famosa tanto pelos solos férteis como pela sua pobreza extrema. Guitarra e gaita são os instrumentos predominantes da região. Os estilos vocais vão dos mais introspectivos e calmos aos mais ferozes e entusiásticos. Os maiores Bluesmans, quase todos negros, surgiram dessa região, que é denominada romanticamente como “Lugar onde o Blues nasceu”, o Delta do Mississippi é o berço do Blues. O velho Mississippi é um dos mais importantes rios do mundo, não só pelas atividades de navegação, transporte, irrigação, abastecimento, mas por fazer parte da história do Blues. Enquanto existir o velho Mississippi o Blues jamais morrerá, pois ele nasceu, renasceu e permanecerá eterno nas águas lamacentas do velho rio, longa vida ao Mississippi, longa vida ao Blues.

DICAS DE COMO TOCAR BLUES PARA GUITARRISTAS INICIANTES (PARTE I)

2009-04-03T07:07:00.000-07:00

Não sou músico profissional, apenas estudo nas horas vagas, mas de qualquer forma posso contribuir um pouco e tirar algumas dúvidas a respeito de como se toca Blues. Para os guitarristas que estão iniciando no Blues as dicas que mencionarei neste artigo serão de grande valia, creio eu. Abordarei de forma teórica as características e estruturas básicas do Blues. Serão dicas referentes ao compasso, harmonia e melodia. Para começar os estudos, é de suma importância o conhecimento e o domínio técnico de digitação das escalas Pentatônica e Penta-blues, procure ter em mãos o desenho ou tablatura dessas duas escalas, as quais são muito utilizadas no Blues. Ambas fazem parte do modo menor de escalas, e recebem este nome por possuírem em sua formação a terça menor, são escalas com sonoridades melódicas tristes, em alguns casos soam melancólicas como a de Blues (penta- blues) e as vezes efusivas quando são Pentatônicas menores, sendo que a diferença de uma para outra é apenas a inclusão da chamada Blue- Not ( nota de blues, ou quinta diminuta), na escala Petatônica que irá transforma-la na penta-Blues. É importante memorizar as fórmulas das duas escalas e compreender a sonoridade ímpar de cada uma, como também pratica-las em todos os tons possíveis.

Escala Pentatônica: A escala pentatônica é de origem duvidosa, a princípio diz-se que teve origem no oriente e é formada pelas seguintes notas: Tônica, terça menor, quarta, quinta e sétima ( T 3- 4 5 7). Ela soa efusiva.

Escala de Blues (penta-blues): Essa é a que mais nos interessa. Comparando a sua fórmula com a da pentatônica, podemos notar a inclusão da quinta diminuta e uma “linguagem” sonora ainda mais agradável. A escala de Blues é de ampla aplicação podendo ser utilizada em diversos estilos musicais, mas sua verdadeira identidade está no Blues e como não poderia deixar de ser, também no Rock. A escala de Blues, ou Penta-blues é formada pelas seguintes notas: tônica, terça menor, quarta, quinta diminuta, quinta e sétima, a fómula é a seguinte: ( T 3- 4 5º 5 7 ), a quinta diminuta (5º) é a chamada Blue-Not que dá a sonoridade melancólica característica do Blues. Procure a tablatura dessas escalas e pratique-as nos cinco modos em todos os tons. A célula rítmica que rege o Blues é o fenômeno chamado tercina, que nada mais é que o tempo dividido em três partes.

Tons mais utilizados: Os tons mais utilizados para se tocar Blues, são o de Mi maior (E maior) e o de Lá maior (A maior). Mas é normal algumas canções serem compostas nos tons de Sol maior (G maior) Ré maior (D maior) e Si maior ( B maior). Existem casos em que são utilizados tons enarmônicos, ou seja, em bemol (b) ou em sustenido ( #).

Compasso: Quanto ao compasso, existem diversos, dependendo do estilo de Blues a ser executado, porém o mais tradicional é o de 12 compassos. É fundamental ter o domínio desse compasso, existem várias revistas ou sites na internet que ensinam como executa-lo, assim como sites e Blogs que dispõem de tablaturas da escala de blues nos principais tons e modos. Outra dica importante é saber como executar os intervalos de 5 diminuta no instrumento (guitarra ou violão), essa é outra característica importante do Blues tradicional. Agora para começar basta adquirir a tablatura ou o formato cromático (desenho da escala no instrumento), a estrutura do compasso e realizar exercícios de improviso. Quem sabe você poderá se tornar um gênio do Blues como B.B King por exemplo, não custa tentar.

INSTRUMENTOS UTILIZADOS NO BLUES.

2009-04-01T10:36:00.000-07:00

Diversos instrumentos são utilizados no Blues nos dias atuais. Para cada estilo de blues são aplicados determinados instrumentos. Podemos afirmar que os mais populares, os quais passaram a caracterizar o Blues nos seus mais variados estilos são: a harmônica (gaita de boca) e a guitarra acústica ou elétrica. Esses são considerados instrumentos essências para que o compasso, a harmonia e a melodia possam ser executados. No hall de instrumentos que compõem a orquestra, ou uma banda de Blues estão os seguintes instrumentos: de sopro (trompete, trombone, harmônica, saxofone), de cordas ( baixo, guitarra acústica ou elétrica de 6 ou 12 cordas, banjo, violão, violoncelo), de teclas ( piano e teclado), percussão ( bateria entre outros).

Faz-se pertinente salientarmos que nos primórdios, a instrumentalização das work-songs e dos spirituals eram feitas apenas com banjo, harmônica e um instrumento de percussão de origem africana denominado djambé. Só mais tarde, e por influência espanhola trazida do México é que foi incorporado o violão ou guitarra acústica no Blues. Após a inclusão da guitarra acústica, surgiu o estilo mais antigo de Blues, o chamado Folk Blues, onde o Bluesman fazia base na guitarra acústica e arranjos de harmônica.

Muitas vezes a base e o solo eram feitos somente com a guitarra acústica aplicando uma técnica revolucionária chamada slide, até hoje muito utilizada, que consiste em deslizar sobre as cordas do violão ou da guitarra um tubo de metal produzindo um som exótico, mas muito agradável. Essa técnica tornou-se tradicional e característica do Blues. Após a criação do chamado Chicago Blues ou Blues Urbano, os bluesmans e as bandas de Blues passaram a utilizar a guitarra elétrica juntamente com o piano, saxofone, trompete, trombone, harmônica, baixo e bateria na instrumentalização das canções. Geralmente no Blues, se dá maior ênfase a harmônica e a guitarra, principalmente nos solos e arranjos. Mas nem todos os estilos seguem esse princípio, como é o caso do Jump Blues onde os solos são feitos com saxofone.

BIOGRAFIA LEAD BELLY

2009-04-01T06:26:00.000-07:00

Huddie William Ledbetter nasceu no dia 23 de janeiro de 1888, na cidade de Mooringsport, Louisiana e foi um dos mais influentes e encrenqueiros bluesmen que já surgiram.Logo na infância ele tomou contato com a música, ouvindo folk, blues e músicas religiosas. Seu primeiro instrumento musical foi um acordeon que ele ganhou de seu tio Terrel. Mais tarde, aos 21 anos, ele teve contato com o violão e decidiu se mudar para tentar a vida como músico.Começou a tocar nas proximidades da cidade de Shreveport, em Louisiana e foi desenvolvendo seu próprio estilo ao ficar exposto à variedade musical existente na Fannin Street, um reduto de boates, bordéis e salões de dança.

Lead Belly era o maior colhedor de algodão, o melhor amante, assim como maior tocador de violão do mundo. Quem afirmava isso era ele próprio. E como freqüentemente alguém discordava disso tudo, ele era obrigado a convencê-los. E terminava na cadeia na maioria das vezes que fazia isso.Em 1916 ele estava preso por roubo de carga, quando conseguiu escapar. Durante dois anos usou o nome de Walter Boyd. Mas foi preso novamente pouco tempo depois por matar um homem numa briga e foi condenado a 30 anos de trabalhos forçados em Huntsville, na Texas' Shaw State Prison Farm. Depois de sete anos ele foi solto pelo governador Pat Neff, quando este escutou uma canção que Lead Belly havia escrito que dizia os seguintes versos: " If I had you, Governor Neff, like you got me / I'd wake up in the mornin' and I'd set you free."Novamente na estrada, não demorou muito para Lead Belly voltar para a prisão. Em 1930 ele se envolveu em outra briga e novamente foi condenado a 30 anos, por tentativa de homicídio.

Nessa passagem pela cadeia, um detento tentou cortar sua garganta com uma faca, mas ele conseguiu escapar. Mesmo assim ainda ficou com uma enorme cicatriz no pescoço.Em julho de 1933, Lead Belly estava preso na Louisiana State Penitentiary quando conheceu o historiador John Lomax e seu filho Alan, que estavam excursionando pelo sul para a Library of Congress, coletando informações e gravando canções de cantores de blues e folk. Os Lomax descobriram que as prisões do sul eram um ótimo local para se encontrar cantores de work songs e spirituals, e viram em Lead Belly seu principal achado.Lomax então ajudou Lead Belly a sair da cadeia e passaram a gravar inúmeras músicas. Logo se mudaram para o norte, onde Lead Belly se tornou uma sensação.Lomax, agora empresário, aproveita o fato de Lead Belly ser um ex-presidiário e passa a vesti-lo com roupas listradas nas apresentações e nas sessões de foto. Nessa época ele gravou alguns de seus maiores sucessos, como 'The Rock Island Line,' 'The Midnight Special,' e 'Goodnight Irene'.Durante a década de 40, a casa de Lead Belly, em Nova Iorque, foi como um centro de folk e blues da cidade. Entre seus amigos estavam Sonny Terry e Brownie McGhee.

No ano de 1949 ele fez uma turnê pela Europa, tocando em diversos festivais de jazz. Porém, durante essa turnê ele sentiu sua mão direita ficar paralisada. Exames revelaram que ele sofria de esclerose lateral. Ele morreu no dia 6 de dezembro de 1949 em Nova Iorque.Lead Belly deixou um enorme legado musical. Dezenas de artistas regravaram suas canções. Entre os mais famosos estão Abba, Rod Stewart, The Animals, Roling Stones, White Stripes, The Beach Boys, Rory Gallagher, The Doors, Led Zeppelin e Nirvana (a famosa "Where Did You Sleep Last Night", do disco MTV Unplugged).

BIOGRAFIA JAMES COTTON

2009-04-01T06:20:00.000-07:00

James "Jimmy" Cotton nasceu dia 1 de julho de 1935 em Tunica, no Mississippi e é o filho mais novo de uma família de oito irmãos. Seu apelido é Superharp.Uma das lembranças mais antigas de Cotton é de sua mãe Hattie brincando com uma harmônica, fazendo sons de trens e imitando galinhas. Ele ganhou uma harmônica como presente de Natal e logo aprendeu a imitar o trem e as galinhas. Nessa época ele acreditava ser os únicos sons que poderia tirar com a harmônica. As coisas começaram a mudar quando ele ouviu o programa de rádio King Biscuit Time, que tinha Sonny Boy Williamson (Rice Miller) como estrela. Ele então colou seu ouvido no auto-falante do velho rádio e descobriu que sua harmônica podia muito mais. Depois desse dia Cotton e sua gaita se tornaram inseparáveis.

Pouco tempo depois Cotton já estava ao lado de Sonny Boy, que além de seu tutor na gaita, foi como um pai para ele. Eles passaram a viajar juntos pelas cidades onde Sonny Boy tocava. Até que um dia Sonny Boy simplesmente abandonou a banda e a deixou nas mãos de Cotton, dizendo que iria se mudar para Milwaukee com sua esposa.James Cotton começou então a ganhar destaque no cenário do blues e em 1955 ele entrou para a banda de Muddy Waters. Ele tocou ao lado de Waters músicas como "Got My Mojo Working" e "She's Nineteen Years Old". Waters comparava o jovem Cotton ao grande gaitista Little Walter.Em 1966 James Cotton deixou a banda de Muddy Waters e saiu em turnê ao lado de Janis Joplin, já pensando em liderar sua própria banda. Esse desejo se concretizou um ano depois, em 1967, quando finalmente ele conseguiu montar a James Cotton Blues Band e passou a tocar todos os clássicos escritos por ele, como "Cotton Crop Blues", "Rocket 88" e "Hold Me In Your Arms". Nesse mesmo ano ele gravou dois álbuns ao vivo em Montreal e começou a trilhar seu caminho para se tornar uma lenda do blues.

Em 1970 ele gravou diversos álbuns para a Buddah Records e tocou no disco de Muddy Waters ganhador do Grammy de 1977, "Hard Again".Em 1990 ele participou do disco "Harp Attack", ao lado dos maiores gaitista da época: Junior Wells, Carey Bell e Billy Branch.Em 1994 ele fez uma cirurgia na garganta, o que não foi suficiente para afastá-lo dos palcos, pois pouco tempo depois ele estava novamente tocando com sua banda. Nesse mesmo ano ele se mudou para Memphis.Já em 1996 ele ganhou o Grammy de melhor álbum de blues tradicional com o disco "Deep In The Blues". Seu último disco, lançado em 2004 se chama "Baby, Don't You Tear My Clothes" e surpreendeu a todos os seus fãs, pois além do blues tradicional o disco contém faixas de country e bluegrass.Atualmente ele continua fazendo shows .

BIOGRAFIA JIMMY DAWKINS

2009-04-01T05:49:00.000-07:00

James Henry ou "Jimmy" Dawkins nasceu no dia 24 de outubro de 1936 em Tchula, no Mississippi. Quando ainda era garoto sua família se mudou para Pascagoula, onde seu pai trabalhava em navios de guerra. Sua mãe deu a ele o primeiro violão em 1952. Na época ele já ouvia Guitar Slim e Earl King.Em julho de 1955 se mudou para Chicago, onde arranjou emprego numa fábrica de caixas. Dois anos depois de se mudar, Jimmy comprou sua primeira guitarra e um amplificador. Começou então tocando numa esquina, acompanhado do gaitista Lester Hinton.Jimmy conheceu Willie Dixon em 1957, que o chamou para várias sessões de gravação com Walter Horton, Johnny Young e Wild Child Butler. Nessa época ele abandonou o trabalho na fábrica.

Ele tocou em discos de vários artistas como: Koko Taylor, Eddie King, Jimmy Rogers, entre outros. Mas só em 1969 conseguiu lançar seu primeiro álbum "Fast Fingers", considerado um dos seus melhores trabalhos e que lhe rendeu o apelido. Disse Dawkins: "Eu estava com dificuldades para aprender a música 'Funky Broadway', e pedi pro Magic Sam me ajudar. Ele disse para eu levar umas latinhas de cerveja que me ajudaria. Quando cheguei na casa dele com as cervejas, o Sam se lembrou que o Bob Koester (da gravadora Delmark) estava me procurando, então entramos no carro e fomos até lá. E foi assim que assinei o contrato do meu primeiro disco - porque não conseguia aprender uma música."Em 1971 a Delmark lançou seu segundo disco, "All For Business", que contava com o vocalista Andrew "Big Voice" Odom e o guitarrista Otis Rush.

Jimmy saiu então em turnê pela Europa ao lado de Gatemouth Brown, Otis Rush e Sunniland Slim, freqüentemente gravando novos álbuns.Em 1995 ele recebeu três nomeações ao Prêmio W.C. Handy, nas categorias de Melhor Instrumentista de Blues - Guitarra, Álbum de Blues Comtemporâneo do Ano (Blues And Pain de 1994), e Música de Blues do Ano ("Fool in Heah").Ele lançou ao todo 19 álbuns, sendo o último deles "Tell Me Baby", de 2004.

BIOGRAFIA JIMMY REED

2009-04-01T05:21:00.000-07:00

Mathis James Reed nasceu em 6 de setembro de 1925, em Dunleith, Mississippi. Logo cedo aprendeu a tocar gaita e violão com Eddie Taylor, seu amigo mais próximo. Foi um dos primeiros a tocar gaita e violão, simultaneamente.Em 1943 ele se mudou para Chicago e pouco depois serviu na Marinha Americana, na Segunda Guerra. Em 1945 foi dispensado e retornou ao Mississippi, onde se reencontrou e se casou com sua namorada Mary "Mama" Reed. Logo depois, se mudaram para Gary, Indiana, onde ele arranjou emprego na Armour & Co., uma fábrica de embalagens de carne.

Na década de 1950, Reed tinha se estabelecido como um popular músico local e freqüentemente tocava na banda de John Brim, "The Gary Kings" e nas ruas, ao lado de Willie Joe Duncan. Ele tentou, mas não conseguiu um contrato com a Chess Records, assinando em seguida com a Vee-Jay Records. Obteve ajuda do então baterista Albert King para conseguir o contrato e começar a gravar. Nessa época encontrou-se novamente com Eddie Taylor, que passou a tocar com Reed até a sua morte.

O sucesso demorou a chegar, mas quando lançou "You Don't Have to Go", Reed alcançou o quinto lugar na lista da Billboard, e passou toda década seguinte emplacando hits. Em certa época, ele vendeu mais discos que Muddy Waters, Howlin' Wolf, Elmore James ou Little Walter. Mas entre todos esses, ele foi o que menos soube lidar com a fama.

Seus problemas com alcoolismo fizeram com que fosse perdendo cada vez mais seu público. Em certas apresentações, sua esposa o ajudava a lembrar as letras das músicas, que ele esquecia. Tudo piorou em 1957 quando ele desenvolveu epilepsia, que seus médicos erroneamente diagnosticaram como sendo delirium tremens.O começo do seu fim se deu quando a Vee-Jay fechou as portas. Seu empresário conseguiu assinar com o recém-criado selo ABC-Bluesway e vários álbuns foram lançados durante a década de 1970, mas nenhum deles emplacou. Seu último álbum foi uma frustrada tentativa de atualizar seu som com batidas funk e pedais de wah-wah.Jimmy Reed morreu em Oakland, Califórnia, em 1976, alguns dias antes do seu 51º aniversário. Ele está enterrado no Cemitério Lincoln, em Worth, Illinois.

BIOGRAFIA HOUND DOG TAYLOR

2009-04-01T05:08:00.000-07:00

Theodore Roosevelt ("Hound Dog" Taylor) nasceu em Natchez, Mississippi no dia 12 de abril de 1915. Ele iniciou seu interesse pela música tocando inicialmente piano. Conheceu a guitarra na adolescência, mas só foi tocar seriamente o instrumento por volta dos 21 anos. Nessa época ele começou a tocar por todo Delta, não só guitarra mas também piano e chegou a tocar no King Biscuit Flour, show de rádio da KFFA, que tinha Sonny Boy Williamson no comando.

A sua fama de mulherengo lhe colocou em apuros nessa época. Ele foi perseguido pela Ku Klux Klan por ter cantado uma mulher branca e passou um dia inteiro escondido em uma vala de drenagem. No dia seguinte pegou suas coisas e se mudou para Chicago. Lá ele trabalhou durante 15 anos com empregos normais, não relacionados a música, apesar de continuar tocando não-profissionalmente. Até que em 1957 ele decidiu se tornar músico, em tempo integral.

Taylor então montou uma banda, The House Rockers, com Brewer Phillips na segunda guitarra e Ted Harvey na bateria. Estranho? Eles não tinham baixista mesmo. Brewer fazia os acordes mais graves e resolvia o problema. Em 1961 Freddie King ficou famoso com sua canção "Hideaway", que, segundo ele próprio, foi inspirada em uma canção intrumental que ele viu Taylor tocar em um show. Foi nessa época que ele ganhou seu apelido "Hound Dog". Certa vez em um bar, ele estava perseguindo duas mulheres e um amigo o batizou assim. "Hound Dog" que significa "cão de caça". Ele tinha um pequeno sexto dedo em cada mão (polidactilia) e certa vez, bêbado, amputou o dedo sobressalente da mão direita com uma navalha.

Os House Rockers nunca ensaiavam antes dos show. Mas bebiam bastante. Hound Dog tomava um copo de whisky, seguido de uma bebida misturada e logo após um copo de cerveja. Um atrás do outro. Depois dizia algo como: "Hey, let's have some fun!" e tocavam durante a noite toda. O show normalmente durava entre seis e sete horas, se o dono da casa mantivesse as portas abertas. Nos anos 60 eles faziam shows regularmente no Florence's Lounge, no lado sul de Chicago.

Na primavera de 1971, em apenas duas noite, Hound Dog gravou seu primeiro disco: Hound Dog Taylor and he House Rockers. Para as gravações ele usou sua guitarra japonesa de $50,00 e seu amplificador Sears Roebuck, com os falantes rachados, dando a impressão que ele usava uma distorção. O album seguinte veio em 1973 e se chamava Natural Boogie. Todas as músicas desse álbum foram gravadas e mixadas durante a primeira sessão, em 1971. Um terceiro álbum ao vivo foi lançado em 1976, após sua morte, e foi considerado o melhor álbum de sua carreira. Ele se chama Beware Of The Dog.

Em maio de 1975, Philips, o guitarrista de Houng Dog, o visitou em sua casa e os dois tiveram uma briga, bêbados. Philips então teria insultado Fredda, a esposa de Dog. Ele então deixou a casa, retornou, com uma espingarda calibre 22 e disparou dois tiros em Philips, um no antebraço e um na perna. Philips denunciou Dog por tentatia de homicídio, mas sua saúde estava debilitada por conta de um câncer no pulmão. Então ao invés de ir pra cadeia, ele foi para o hospital. Em seu leito de morte, seu último pedido foi concedido: Philips o visitou e o perdoou pelos tiros. Hound Dog morreu no dia seguinte, 17 de dezembro de 1975.

BIOGRAFIA KEB´MO´

2009-04-01T04:57:00.000-07:00

Keb' Mo' nasceu com o nome de Kevin Moore, em South Los Angeles, na Califórnia no dia 3 de outubro de 1951. Seu interesse pela música começou quando ainda era jovem, ouvindo blues nas rádios locais e música gospel nos cultos da igreja, aos domingos. Com 10 anos ele entrou para a banda da escola, onde começou a tocar trompete. A partir daí ele passou a experimentar outros instrumentos de percussão e chegou até a tocar steel drums numa banda de calipso.Certa vez, um tio de Keb' o convidou para experimentar um violão e depois de colocar as mãos sobre o instrumento pela primeira vez, ele nunca mais o largou. Duas semanas mais tarde, já conhecia cerca de cinco acordes. O suficiente para empolgá-lo.Apesar da herança do blues, seu maior sonho era se tornar uma estrela pop. Isso fez com que Keb' tocasse em várias bandas covers depois do colegial. No início dos anos 1970, ele entrou para a banda de blues-rock Papa John Creach, onde permaneceu por três anos, tocando e excursionando. Nesse período ele participou da gravação de três discos. Em seguida passou a trabalhar como músico em um estúdio de Los Angeles, que o ajudou a lançar seu primeiro disco, Rainmaker, ainda com seu nome, Kevin Moore. Era um disco de R&B que fez muito pouco sucesso.

Durante o começo dos anos de 1980 Keb' Mo' continuou sua busca pelo estrelato, e em 1983 ele entrou como guitarrista na banda do saxofonista de blues Monk Higgins. A partir daí passou a conhecer vários outros músicos de blues. Sobre Higgins, ele disse certa vez: "Ele provavelmente é o elemento mais importante no desenvolvimento do meu entendimento sobre blues."A reviravolta em sua carreira aconteceu em 1990, quando o produtor de elenco do teatro Rabbit Foot procurava um ator que pudesse tocar Delta blues. Keb' então aceitou tocar, mesmo não se sentindo muito seguro com o papel. Mas o sucesso foi tanto que logo ele foi chamado para atuar novamente , dessa vez interpretando Robert Johnson, no excelente documentário chamado "Can't You Hear the Wind Howl?".Em 1994 ele lançou seu disco de estréia no blues, pela OKeh Records, intitulado Keb' Mo', que tinha duas canções de Robert Johnson e outras onze escritas por ele. Foi justamente com o lançamento dessa álbum que ele começou a usar o nome Keb' Mo', uma versão afro-americana de seu nome que, segundo ele próprio, refletia melhor suas origens do blues.

O disco ganhou matérias de destaque em importantes publicações, como The New York Times, People e Houston Chronicle. Os críticos o classificavam como uma nova voz que toca simultaneamente o autêntico blues e a música contemporânea. O sucesso desse disco fez com que Keb' passasse a tocar freqüentemente em bares, clubes e festivais. Além disso ele começou a abrir shows de grandes nomes da música como Jeff Beck, Carlos Santana, Buddy Guy, Joe Cocker e George Clinton. Em 1996 lançou seu segundo álbum, Just Like You que, de imediato, ganhou o Grammy de melhor álbum de blues contemporâneo. Ele também repetiria a dose dois anos mais tarde com o terceiro álbum Slow Down, que também levou o mesmo prêmio.A partir daí a música de Keb' Mo' podia ser ouvida em várias rádio, em filmes e séries de televisão. Ele passou a dividir o palco e o faturamento dos shows com nomes de peso da música como Bonnie Raitt e Celine Dion.

Grandes artistas passaram a gravar músicas suas, como Joe Cocker e B. B. King. Não demorou muito e ele lançou mais um álbum, chamado The Door, que mostra sua satisfação com a mistura do blues clássico com seu estilo, mais atual. Um exemplo disso é sua versão para a música de Elmore James "It Hurts Me Too Much" que ganhou uma roupagem totalmente diferente, mas ainda assim com guitarra slide, como na original.Em 2004, mais dois álbuns foram lançados: Keep It Simple, em que algumas faixas foram gravadas com o clássico violão National Steel e Peace... Back by Popular Demand, um disco com covers de canções de protesto dos anos 1960, incluindo "Imagine", de John Lennon. Através desse disco, Keb' passou a excursionar com a turnê Vote for Change a fim de angariar dinheiro para derrotar George W. Bush na eleição daquele ano.

Em 2006 ele lançou o álbum Suitcase, inteiramente de canções próprias. Nesse disco a temática das músicas gira em torno das idas e vindas dos relacionamentos amorosos.Keb' Mo' é uma das mais bonitas e afinadas vozes que o blues já conheceu. Uma voz que consegue ser potente e suave ao mesmo tempo. Vale muito a pena conhecer, principalmente os primeiros álbuns.

BIOGRAFIA ROBERT PETE WILLIAMS

2009-04-01T04:46:00.000-07:00

Robert Pete Williams nasceu em Zachary, Louisiana, filho de trabalhadores rurais. Durante a infância ele trabalhou com os pais nas plantações, sem nunca ter ido à escola. Ele nunca tinha tocado blues até a sua adolescência, foi quando fez seu próprio violão usando uma caixa de charutos. E foi com esse violão que ele aprendeu a tocar e começou a animar as juke joints durante a noite, enquanto trabalhava de dia.Depois de casado, mesmo trabalhando duro nas plantações, Williams nunca conseguia dinheiro suficiente para sustentar sua família. Esse fato acarretava constantes desentendimentos com sua mulher (nada muito diferente dos dias atuais). Dizem que em um ataque de fúria durante uma dessas brigas, ele teria colocado fogo no seu violão de caixa de charutos.

Apesar das desavenças domésticas, ele continuava a tocar em festas em toda área da cidade de Baton Rouge. Em uma dessas festas, em 1956, ele atirou em um homem durante uma briga e o matou. Wiliiams alegou auto-defesa, mas acabou condenado por homicídio. Ele foi enviado para a penitenciária de Angola, a mesma prisão onde Lead belly cumpriu parte da sua sentença.

Depois de dois anos trabalhando na prisão, ele foi descoberto pelos etnomusicologistas (que palavrão!) Dr Harry Oster e Richard Allen. Eles fizeram algumas gravações das músicas de Williams, a maioria sobre a vida na prisão, e se impressionaram com seu talento no violão. Allen Oster pediu que sua pena fosse perdoada e conseguiu, em 1959, que ele fosse solto, depois de cumprir três anos e meio. Porém, durante cinco anos ele não poderia sair de Louisiana, o que não impediu que suas gravações chegasse a outros estados e fossem recebidas positivamente.

Somente em 1964 Robert Pete Williams tocou em um festival fora de Louisiana. Foi no lendário Newport Folk Festival. Sua apresentação foi recebida com entusiasmo por parte do público. Pouco tempo depois ele saiu em turnê pelos EUA, juntamente com Mississippi Fred McDowell, e chegou até a escursionar pela Europa.No restante dos anos de 1960 e a maior parte da década de 1970 ele continuou excursionando e tocando. Durante esse período gravou alguns discos por selos independentes, como Fontana e Storyville. No fim dos anos de 1970 ele diminuiu consideravelmente a quantidade de shows, por causa da idade e da saúde, que já começava a definhar. Ele faleceu em 31 de dezembro de 1980, aos 66 anos de idade, em Rosedale, Louisiana.

BIOGRAFIA JONNY LANG

2009-03-30T07:33:00.000-07:00

Jonny Lang nasceu em 29 de janeiro de 1981, em Minneapolis, e é considerado por muitos o garoto prodígio do blues de sua geração. Sua maneira de cantar e tocar lhe garantiu muitos elogios. Começou tocando saxofone com os colegas de ginásio, enquanto tomava aulas de guitarra. Aos 12 anos de idade, passou a tocar com a “The Bad Medicine Blues Band”. Alguns meses mais tarde, com a ascensão de Lang, a banda passou a se chamar “Kid Jonny Lang & The Big Bang”. A banda então se mudou da pacata cidade de Fargo para Minneapolis, onde gravou o álbum de estréia, “Smokin’”, em 1995, cujo destaque era uma cover de Robert Johnson, “Malted Milk”.O álbum vendeu muito bem e logo se tornou um hit regional. Essa vendagem e a grande aceitação do público pela “Kid Jonny Lang & The Big Bang” acabou culminando com a contratação de Jonny Lang pela A&M Records.Jonny Lang teve estréia “solo” no ano de 1997 com o álbum “Lie To Me”, que rapidamente se destacou como um dos álbuns mais vendidos da safra de novos artistas.

Os críticos se deleitaram com “Lie To Me” e também com a maturidade em cantar e tocar de Jonny Lang, neste período com apenas 16 anos de idade.Com o lançamento de “Lie To Me” e sua completa aceitação pelo público, Lang caiu na estrada acompanhando nomes como Aerosmith, The Rolling Stones, B.B. King e Blues Traveler.O segundo álbum oficial de Lang não demorou a sair, e foi intitulado de “Wander This World”. Esse álbum é uma fusão de blues, r&b, rock e baladas. Segundo o próprio Lang: “O blues teve um bebê, e nós o chamamos de rock’n’roll”. Destaque para suas aparições no filme “Blues Brothers 2.000” e no “Free Jazz Festival” de 1999, em São Paulo/SP, onde deixou boquiabertos os presentes com sua presença de palco, voz e guitarra. Suas principais influências são Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Luther Allison e Albert Collins.

BIOGRAFIA JANIS JOPLIN

2009-03-30T07:28:00.000-07:00

Janis Joplin nasceu numa sólida família de classe média, em 19 de janeiro de 1943. Ela sempre foi uma jovem muito solitária, que logo tomou gosto pelo blues e o folk music, retratando isso em pinturas e poesias. Aos 17 anos, ela saiu de casa e começou a cantar em bares de Houston e Austin, no Texas, para juntar dinheiro e ir para a Califórnia.

Em 1965, ela já estava cantando blues e folk em bares de San Francisco e Venice, na Califórnia, nesse período, ela tinha perdido seus colegas e estava desempregada. Janis voltou para Austin em 1966, para cantar numa banda Country, mas, em poucos meses um amigo dela, o empresário da Chet Helms, apresentou-a a uma outra banda de San Francisco, a Big Brother, que estava precisando de uma cantora. Então, ela voltou à Califórnia e juntou-se à essa nova banda. Janis Joplin e Big Brother deram um show em 1967, no Monterey Pop Festival; então Albert Grossman se propôs a empresariá-los. Janis Joplin começou a tornar-se uma superstar.

Após um grande sucesso do primeiro LP com os Big Brothers, a gravadora Columbia Records assinou um contrato, e, o álbum Cheap Thrills, com o single "Pice of My Heart" (#12, 1968), conquistou o disco de ouro. Passado um ano, Joplin começou a se ofuscar na banda, então ela resolveu deixar os Big Brother (mesmo tendo participado de algumas faixas do álbum Be a Brother, de 1971), para seguir sua carreira com o guitarrista Sam Andrew, formando a banda Kozmic Blues. Joplin viajava constantemente e sempre participava de programas de televisão como convidada de apresentadores, como Dick Cavett, Tom Jones e Ed Sullivan.

Finalmente, o LP Kosmic Blues foi lançado, com várias faixas de blues-rock, assim como "Try (Just a Little Bit Harder)". Durante este período, Joplin começou a se envolver demais com álcool e drogas, tornando-se uma viciada em heroína. Sua vida parecia estar seguindo o rumo certo, com a gravação de Pearl. Ela resolveu se casar e estava entusiasmada com a banda Full Tilt Boogie, que ela tinha formado para produzir o álbum Pearl (Pearl era o apelido de Joplin). Em 4 de outubro de 1970, o corpo de Janis Joplin foi encontrado num quarto do Hotel Landmark, em Hollywood, com picadas de agulha recentes, no braço. A causa de sua morte foi dada como overdose acidental de heroína. O LP póstumo Pearl (#1,1971) homenageou-a com a canção "Me and Bobby McGee" de seu amado Kris Kristofferson, e foi lançado com a faixa "Buried Alive in the Blues" sem o vocal de Joplin, que morreu antes de fazê-lo. Várias coletâneas póstumas foram lançadas, assim como o documentário Janis, de 1974.

BIOGRAFIA GERTRUDE MA RAINEY

2009-03-30T07:19:00.000-07:00

Gertrude “Ma” Rainey, “A mãe do blues” já vinha cantando blues duas décadas antes de que a Paramount editasse, em 1923, suas canções mais influentes. Inclusive reivindicou o nome de “blues” para o estilo depois de ouvir cantar a uma menina no Missouri em 1902, onde Rainey atuava em uma feira.Nascida dia 26 de abril de 1886 como Gertrude Pridgett, Rainey começaria ainda em idade escolar a atuar em sua Columbus natal, Georgia, antes de juntar-se a vários espetáculos itinerantes de variedades, trabalhando para os teatros sulistas em carnavais e festas populares. Se casou com William “Pa” Rainey em 1904 e se apresentaram como “Rainey and Rainey, Assassinators of the Blues”. Quando a Paramount a contratou, Rainey já era conhecida por suas espetaculares apresentações, sua devoção por jóias e por seu estilo de vida estravagante, além de já ser uma das cantoras mais famosas do sul.Rainey ajudou a marcar o caráter e o estilo do blues nos seus primórdios, e seu papel e relevância no gênero foram crescendo durante sua curta e prolífica carreira (1923-1928).

Seus discos não só são relevantes pela grandiosidade de sua portentosa voz, mas também pelos incríveis acompanhamentos de aclamados músicos de jazz, blues e jug bands. Ma Rainey tinha um estilo muito mais espontâneo e um ar mais sulista que a maioria das primeiras rainhas do blues, aliados a uma efetividade que lhe permitiu trabalhar com figuras como Tampa Red, Georgia Tom Dorsey e Blind Blake, ou com músicos de jazz. Aposentou-se em 1935 e morreu quatro anos depois, mas sua influencia é evidente na obra de sua discípula Bessie Smith e de muitos outros. Entre os clássicos de Rainey encontramos a versão original de “See See Rider”, “Bo-Weavil Blues”, “Moonshine Blues” e “Ma Rainey’s Black Bottom”.

BIOGRAFIA MAMIE SMITH

2009-03-30T07:10:00.000-07:00

Mamie Smith foi a primeira cantora a gravar blues, em 1920, com suas versões de 'Crazy Blues' e 'It's Here For You'. O disco vendeu mais de um milhão de cópias em menos de um ano. Ela morreu em 1946, aos 63 anos. Embora tecnicamente não seja uma artista de Blues, Mamie Smith talhou o lugar dela na música americana como a primeira cantora negra a gravar um Blues cantado. CRAZY BLUES, gravado em 10 de agosto de 1920 teve um milhão de cópias vendidas em seus primeiros seis meses e chamou à atenção sobre o mercado potencial enorme para "gravações" de raça; pavimentando assim, a estrada para Bessie Smith (nenhum parentesco) e outros cantores de Blues e artistas de Jazz.

Logo depois disso, Smith passou a viajar, e na esteira do seu sucesso, notabilizou outras celebridades de Jazz como Coleman Hawkins Bubber Miley, Johnny Dunn, e outros.Teve atuações em vários filmes, como Harlem Paradise; e gravou diversas outras canções para a etiqueta OKeh em seu auge.Quase uma ironia, sendo mulher e negra, em gravar comercialmente o primeiro BLUES gravado.

BIOGRAFIA ALBERTA HUNTER

2009-03-30T07:04:00.000-07:00

Alberta Hunter nasceu em Memphis, Tennessee no dia primeiro de abril de 1895 e veio a falecer em New York no dia 17 de outubro de 1984, aos 89 anos. Fugiu de casa aos doze anos e foi para Chicago empreendendo a carreira de cantora e atriz de variedades, em duos como o “Huga Hoskins”, o “Panama” e o “Dreamland”. Por volta de 1920, mudou-se para New York onde, desde 1921 gravou para a quase totalidade das gravadoras da cidade, sendo acompanhada por excelentes músicos, como Louis Armstrong, Sidney Bechet, as bandas de FIetcher Henderson e Fats Waller. Nos anos vinte começou também sua atividade teatral, atuando na revista “How Come”.

Em 1934 foi para Londres, atuar no musical “Show Boat” que realizou junto ao barítono Paul Robenson. Ainda em Londres gravou para a Grammofone, com a orquestra de Jack Jackson. De volta definitivamente a Nova York em 1937, iniciou uma longa carreira no rádio. Em 1952 voltou à Inglaterra como cantora na orquestra de Snub Mosley. Depois de algumas atividades teatrais na revista da Broadway “Mrs. Patterson”, decidiu deixar a música para se tornar enfermeira e cuidar de sua mãe enferma. Retornou em grande estilo em 1977 aos 81 anos, cumprindo um longo contrato no “Cookery” em Greenwich Village, New York, emplacando um grande sucesso "Amtrak Blues” e em novembro de 80 recebia o prêmio “Handy” de melhor cantora viva de blues. Quando veio a falecer já era reverenciada como uma das maiores lendas do jazz e do blues.

BIOGRAFIA WILLIE DIXON

2009-03-30T06:59:00.000-07:00

Certamente o maior cantor/compositor/arranjador de Chicago do pós-guerra. Willie Dixon nasceu em 1 de Julho de 1915 em Vicksburg, Mississippi e suas maiores influências foram sua mãe, uma poeta religiosa, e o ambiente Gospel do local. Mas foi o box e não a música que trouxeram Dixon para Chicago em 1936, tentava conseguir um emprego como sparred do grande Joe Louis.

Enquanto isso Dixon tocava baixo em várias bandas de Chicago, até 1948, quando assinou com a gravadora Chess, primeiro como cantor, mas depois como musico de estúdio, produtor e caça-talentos. Passou um pequeno período na Cobra Records no fim de 1950, para retornar à Chess nos anos de 1960. Nesta época fez os clássicos como: Hoochie Coochie man, I Just Want to Make Love To You, Evil, Spoonful, I Ain't Superstitious, Little Red Rooster, Back Door Man, I Can't Quit You Baby, You Shook Me, Wang Dang Doodle. etc. Dixon faleceu em 1992 em Burbank, Califórnia.

BIOGRAFIA LITTLE WALTER

2009-03-30T06:50:00.000-07:00

Little Walter (nome real Marion Walter Jacobs nasceu em Marksville, LA, e morreu em Alexandria, LA) (1º de maio, 1930 - 15 de fevereiro, 1968) era um cantor de blues, tocava gaita e guitarra.Jacobs geralmente era incluído entre os grandes bluesman por causa de sua técnica revolucionária de tocar gaita que foi comparado com Charlie Parker e Jimi Hendrix na mesma proporção. Havia muitos músicos bons antes e depois, mas Jacobs era um músico inovador e virtuoso e nunca ninguém imaginou que fosse possível alcançar tal expressão para tocar, era fundamental para superar as expectativas dos fãs de gaitistas de blues. Little Walter teve seu trabalho ganhou um foco no The Rock and Roll Hall of Fame na categoria sideman em 10 de março de 2008, fazendo-lhe ser o único artista introduzido especificamente para seu trabalho como um gaitista.

BIOGRAFIA HOWLIN´WOLF

2009-03-30T06:40:00.000-07:00

Chester Arthur Burnett , mais conhecido como Howlin' Wolf nasceu em White Station, perto de West Point no Mississippi em 10 de junho de 1910. Quando jovem tinha o apelido de Pé Grande (Big Foot) devido ao seu enorme tamanho.Durante a difícil infância ele apanhou muito. Sua mãe, muito religiosa, o jogou para fora de casa por se recusar a trabalhar na fazenda quando ainda era apenas uma criança. Quando tinha 13 anos ele andou 75 milhas a pé para encontrar seu pai, onde finalmente encontrou um lar feliz. No auge do sucesso ele retornou de Chicago para sua cidade a fim de reencontrar sua mãe, mas ela recusou qualquer dinheiro ou ajuda dele, alegando que ele tocava "música do diabo".

Trabalhou no campo durante a década de 1930, vindo a servir no exército americano na Segunda Guerra.Wolf aprendeu a tocar guitarra com Charley Patton, e Sonny Boy Williamson (Rice Miller) o ensinou a tocar gaita. Suas primeiras gravações são de 1951, quando assinou simultaneamente com Leonard Chess, da Chess Records e com os irmãos Bihari da Modern Records. A Chess lançou o disco "How Many Years" em agosto de 1951 e ele gravou pela Modern entre o fim de 1951 e o início de 1952. Posteriormente a Chess iria vencer a guerra pelo cantor e Wolf viria a se estabelecer em Chicago, Illinois. Começou então a tocar com Hubert Sumlin , guitarrista que com seus solos viria a completar a voz forte de Wolf.No meio dos anos de 1950 ele lançou as músicas "Evil" e "Smokestack Lightinin". Ambas viraram hits clássicos do blues / R&B.

Wolf lançou em 1962 o álbum "Howlin' Wolf", um dos mais famosos e influentes álbuns de blues já lançados, conhecido pela ilustração na capa, de um violão encostado numa cadeira de balanço. Em 1965 ele apareceu num programa de tv chamado Shindig junto com os Roling Stones.Em 1971, Wolf e seu guitarrista de longa data Hubert viajaram a Londres para gravar o álbum "Howlin' Wolf London Sessions LP". Vários artistas de blues/rock britânicos da época tocaram ao lado de Wolf nesse álbum, como Eric Clapton, Ian Stewart, Bill Wyman e Charlie Watts. Ele gravou seu último álbum pela Chess Records em 1973, chamado "The Back Door Wolf".Ao contrário de muitos outros artistas de blues da época, depois de passar uma infância pobre e iniciar na carreira musical, Wolf sempre foi bem sucedido financeiramente.

Ele dizia que era o único homem que foi do Delta para Chicago dirigindo seu próprio carro e com quatro mil dólares no bolso.No alto de seus 1,98 m e 130 Kg, ficou marcado como uma das mais graves e memoráveis vozes entre todos os clássicos cantores de blues da década de 1950. Howlin' Wolf, Sonny Boy Williamson, Little Walter e Muddy Waters freqüentemente são apontados como os maiores artistas de blues que gravaram pela Chess Records em Chicago. Em 2004 a revista Rolling Stone colocou Wolf em 51º lugar na sua lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos".Ele morreu em 10 de janeiro de 1976 e foi enterrado no Oak Ridge Cemetery, em Hillside, Cook County, Illinois e em sua lápide tem a imagem de um violão e de uma harmônica.

BIOGRAFIA ERIC CLAPTON

2009-03-29T20:10:00.000-07:00

Eric Patrick Clapton nasceu no dia 30/03/1945 na Inglaterra. Ganhou sua primeira guitarra aos 13 anos e se interessou pelo Blues americano de artistas como Robert Johnson e Muddy Watters. Foi convidado pelo guitarrista Tom McGuiness para formar sua primeira banda, o “The Roosters”. O grupo fez algumas apresentações em 1963, tocando ao redor de Richmond, e após isso, os dois se juntam ao “The Engineers”, que também não foi muito longe. O reconhecimento de Clapton só começou quando entrou no “Yardbirds”, banda inglesa de grande influência que teve o mérito de reunir três dos maiores guitarristas de todos os tempos em sua formação: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page.Apesar do sucesso que o grupo fazia, Clapton não admitia abandonar o Blues e, em sua opinião, o Yardbirds estava seguindo uma direção muito pop. Saiu do grupo em 1965, quando John Mayall convidou-o a juntar-se à sua banda, os “Bluesbreakers”.Gravam o álbum “Bluesbreaker”, mas o relacionamento com Mayall não era dos melhores e Clapton deixa o grupo pouco tempo depois.

Em 1966, forma o “Cream” com o baixista Jack Bruce e o baterista Ginger Baker.Com a gravação de 3 álbuns (“Fresh Cream”, “Disraeli Gears”, e “Wheels Of Fire”) e muitos shows em terras norte americanas, o Cream atingiu enorme sucesso e Eric Clapton já era tido como um dos melhores guitarristas da história. A banda se separa no fim de 1968 com mais brigas e discussões entre os integrantes.Forma o “Blind Faith” com Steve Winwood, Ginger Baker e Rick Grech, que durou só um disco e não foi muito bem sucedido. Clapton e George Harrison gravam os solos de “While My guitar Gently Weeps”, do álbum branco dos Beatles, e iniciam um triângulo amoroso com a mulher de Harrison.

Um álbum ao vivo da turnê com Delaney & Bonnie é lançado em 1970 e no mesmo ano saiu o primeiro álbum solo do guitarrista. Juntamente com dissidentes da banda forma o “Derek and The Dominos”, com quem lançou um de seus maiores sucessos,“Layla”, uma declaração explícita à esposa de George Harrison. Participou ainda da banda de Duane Allman (que mais tarde fundaria os Allman Brothers).Problemas pessoais e conflitos emocionais no início da década de 1970 levaram Clapton a se afundar cada vez mais no vício em heroína e álcool. O guitarrista fica vários anos longe na mídia, tentando se recuperar em clínicas para dependentes químicos.

Em 1974, Clapton volta com o reggae “I Shot The Sheriff”, tornando-se o responsável pelo lançamento de Bob Marley nas paradas de todo o mundo. Inicia assim uma boa fase musical que rendeu também o clássico “Cocaine”, em 1978. Durante a década de 1980 a aceitação por parte do público foi crescente. Em 1990 Clapton ganhou seu primeiro Grammy com a música “Bad Love”.No ano de 1991, o filho Conor, de 4 anos, nascido de um relacionamento extra-conjugal, caiu do apartamento onde morava com a mãe e faleceu. Esse triste episódio foi registrado na canção “Tears In Heaven” que o guitarrista dedicou ao filho. A música, além de expressar toda a tristeza de Clapton, tornou-se o maior sucesso de toda a sua carreira e teria seu lançamento no álbum “Unplugged”.O disco acústico foi um sucesso absoluto e ganhou dezenas de prêmios, inclusive 6 Grammys. “Unplugged” marcou ainda uma volta de Clapton às suas raízes de blues, que teria seqüência com o álbum “From The Craddle”, apenas de canções tradicionais, num tributo aos clássicos que o influenciaram.

Em 1998, Clapton lançou “Pilgrim”, o primeiro álbum com material inédito em nove anos. Nesse álbum, Clapton fala sobre todos os dramas pessoais como a falta do pai, a morte do filho querido, os vícios e o amor perdido, além de revelar um profundo amadurecimento como cantor.Em 2000, juntou-se a B.B. King para o lançamento de “Riding whit the King”, álbum muito bem recebido por todos. No ano seguinte, lança o diversificado “Reptile”. A turnê desse disco passou pelo Brasil, nas cidades de Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo, onde Clapton tocou no estádio do Pacaembu.Aproveitando a boa fase, grava um álbum ao vivo e, em 2004, coloca nas lojas “Me and Mr. Johnson”, que traz versões de músicas de Robert Johnson. Em 2005 lança “Back Home” e, no ao seguinte, “Road To Escondido”, este em parceria com JJ Cale.

BIOGRAFIA JIMI HENDRIX

2009-03-29T20:02:00.000-07:00

Johnny Allen Hendrix nasceu em Seattle, Washington, em 1942. O seu nome foi posteriormente alterado pelo pai ainda durante a infância para James Marshall Hendrix. Aos 16 anos começou a tocar violão, participando de um grupo chamado Velvetones. Aos 17 ganhou do pai uma guitarra elétrica e entrou para o grupo Rocking Kings que mais tarde mudaria de nome para Thomas & The Tomcats. Jimi resolveu abandonar a escola e entrar para um batalhão de paraquedismo do exército, de onde foi logo desligado em virtude de uma fratura no joelho. Sem a escola e não podendo mais seguir carreira no exército decidiu se dedicar exclusivamente à música, tocando em bares e clubes com o amigo Billy Cox em uma banda chamada King Kasuals. Em 1963 Mudaram-se para New York, onde atuou também como músico de estúdio, gravando e tocando com os Isley Brothers, Jackie Wilson e Sam Cooke.

Em 1965, em uma de tantas apresentações ao vivo como acompanhante de bandas diversas, Jimi chamou a atenção de Little Richard, grande astro e pioneiro do rock and roll dos anos 50. Apesar da excelente recepção por parte do público e da boa química surgida entre o vocalista e o guitarrista, o ego imenso de Little Richard não permitiria que um guitarrista talentoso ofuscasse a sua presença no palco. Com a desculpa de que Hendrix havia perdido o ônibus da banda após um show em Nova York, Little Richard o demitiu, felizmente não antes que alguns dos shows houvessem sido devidamente registrados.

Devido à excelente repercussão de suas performances com Little Richard, Jimi consegue um contrato de dois anos com a gravadora Columbia. Rapidamente deixa de ser figurante e monta sua própria banda, Jimmy James and The Blue Flames. O jovem guitarrista canhoto chama a atenção não apenas pelos solos imprevisíveis e de estilo inédito até a época, mas também pela extrema habilidade em tocar a guitarra com os dentes ou nas costas.

Chas Chandler, baixista do grupo The Animals, ouve a banda e se impressiona, pede a Jimi para ser seu empresário e passa a divulgar a banda na Inglaterra. A única condição de Hendrix foi a de que, chegando a Londres, fosse apresentado a Eric Clapton, no que foi prontamente atendido por Chandler. A admiração entre Hendrix e Clapton foi mútua, apesar dos estilos diferentes. Mitch Mitchell é chamado para ser o baterista da banda, rebatizada de The Jimi Hendrix Experience. Logo gravam três singles, Hey Joe, Purple Haze e The Wind Cries Mary, seguidos de extensa divulgação em rádios e tvs inglesas. Em abril de 1967 sai o seu primeiro LP, Are You Experienced, um clássico do rock de todos os tempo. Após uma turnê como banda de apoio na Europa fazem sua estréia na America no Monterey Pop Festival na California, logo após seguindo em turnê americana como banda de abertura dos Monkees.

Ainda em 1967 sai o segundo álbum, Axis: Bold as Love, logo seguido por Electric Ladyland (em janeiro de 1968) que continha o hit All Along the Watchtower de Bob Dylan. Segue-se uma fase de muitas participações de Hendrix como músico ou compositor em discos de artistas diversos. A banda Experience é desfeita e Hendrix monta uma nova banda com Mitch Mitchell, Billy Cox, o segundo guitarrista Larry Lee e os percursionistas Juma Sultan e Jerry Velez. O novo nome da banda é Gypsy Sons. Logo Mitch Mitchell seria substituído por Buddy Miles e a banda mudaria de nome para Band of Gypsys.

Em 1970 a banda Experience seria reformulada e lançariam The First Rays of the New Rising Sun, logo depois mudando novamente de nome para Cry Of Love. Em 18 de setembro de 1970 Jimi Hendrix entrou em coma em um quarto de hotel de Londres, sozinho, sendo encontrado desacordado por uma equipe de paramédicos. A caminho do hospital foi constatada a sua morte em virtude de sufocamento por seu próprio vômito. Existem muitas controvérsias sobre a real causa da morte, mas provavelmente Hendrix sofreu uma overdose de pílulas tranquilizantes.

BIOGRAFIA SONNY TERRY

2009-03-29T16:11:00.000-07:00

Saunders Terrell, mais conhecido como Sonny Terry, nasceu em Greensboro, na Carolina do Norte no dia 24 de outubro de 1911. Seu pai, um fazendeiro o ensinou as primeiras notas na harmônica quando ele ainda era jovem. Ele perdeu a visão de um dos olhos em um acidente quando tinha cinco anos e um outro acidente aos dezoito tiraria a visão quase completa do outro olho. Essa deficiência o impedia de executar os trabalhos na fazenda, então ele logo foi para as ruas, armado de suas harmônicas, para ganhar a vida. Terry desenvolveu seu próprio estilo de tocar, imitando trens e uivos de raposa.Logo após a morte de seu pai ele conheceu Blind Boy Fuller, um dos pioneiros do Piedmont-style blues, e eles começaram a tocar juntos. Terry gravou com ele pela primeira vez em 1937, pela Vocalion Records. Essa parceria terminaria em 1941 com a morte de Fuller, e ele logo em seguida formaria uma nova parceria, agora com Brownie McGhee.

BIOGRAFIA JIMMY ROGERS

2009-03-29T16:04:00.000-07:00

Jimmy Rogers nasceu em 1924 e ainda no final da década de 1940 ingressou na banda de Muddy Waters, vindo a se tornar, futuramente, um dos grande nomes do blues de Chicago. Em 1955 Rogers deixou Muddy Waters e iniciou sua carreira solo. No início dos anos 60 Jimmy Rogers abandonou a música para se dedicar ao comércio e só voltou a gravar em 1972. A partir de então, lançou cerca de 10 bons discos, com destaque para "Ludella" de 1990. Em 1997 Rogers iniciou o projeto Jimmy Rogers All-Stars, convidando uma série de nomes ilustres do rock e do blues para regravar com ele antigos clássicos. Jimmy Rogers morreu em dezembro de 1997, pouco antes de ver seu projeto realizado. O álbum "Blues Blues Blues" da Jimmy Rogers All-Stars foi lançado postumamente, em 1998, sendo um prato cheio para os fãs do blues de Chicago.

BIOGRAFIA SKIP JAMES

2009-03-29T15:23:00.000-07:00

Nome Verdadeiro: Nehemiah Curtis James Nascimento: 09/06/1902 (Bentonia, Mississipi) faleceu 03/10/1969 (Filadélfia, Pensilvânia)Discos Recomendados: Early Recordings (Biograph) e Blues from the Delta (Vanguard), ambos importados.

Na pequena cidade de Bentonia, no Delta do Mississipi, surgiu um estilo particular de blues rural, que ficou conhecido como Bentonia blues. Skip James foi o mais brilhante de seus poucos representantes, frequentemente apontado como pai do estilo (e um dos grandes pioneiros do Delta blues).A influência do cantor, guitarrista e pianista foi marcante sobre Robert Johnson (acredita-se que 22-20 blues, registrada no nome deste, era na verdade de James), Eric Clapton (que transformou I’m so glad em um dos maiores sucessos do Cream), Canned Heat (cujo guitarrista Henry Vestine foi um dos responsáveis pela redescoberta de James nos anos 1960), R.L. Burnside (que gravou recentemente uma versão assustadora de Hard times killing floor blues) e André Christovam, cuja regravação da mesma música é um dos pontos altos do disco The 2120 Sessions.

As características do tal Bentonia blues estão todas em Skip James: as incomuns afinações do violão em tons menores, o fantasmagórico canto em falsete e letras soturnas como as de Hard times (trilha sonora da grande depressão dos anos 30), Everybody leaving here (sobre o êxodo em massa dos negros do sul em busca de uma vida melhor nos estados do norte) e Devil got my woman (“Eu preferiria ser o demônio/ Do que ser o homem daquela mulher”).James não foi propriamente o criador do estilo, mas foi ele que o lapidou e lhe deu feições definitivas. Filho de agricultores pobres, começou a aprender guitarra aos oito anos e dedicou-se ao piano na escola. Ainda adolescente, foi organista de uma igreja, mas tornou-se pupilo do guitarrista Henry Stuckey e passou a viajar pelas cidades próximas acompanhando-o. Stuckey, que não chegou a gravar, tinha servido na França durante a Primeira Guerra Mundial. Lá, conheceu soldados das Bahamas, que tocavam violão usando uma estranha afinação. Stuckey incorporou essa afinação ao blues e ensinou-a ao jovem James.Seguindo a tradição religiosa familiar (o pai era um pastor renomado na região), James estudou teologia no seminário de Yazoo e passou os anos de 1920 servindo a dois senhores, a Igreja e o blues pagão.

Em 1931, descoberto por um caçador de talentos, gravou 26 músicas para a Paramount, em Grafton (Wisconsin), das quais 18 foram lançadas. Ganhou apenas U$ 40, quando a maioria dos bluesmen na época recebia cerca de U$ 20 por cada música. Os discos venderam pouquíssimo, embora essas gravações continuem rendendo dinheiro até hoje.Desiludido, voltou-se para a Igreja, formando um grupo gospel e ordenando-se pastor batista (em 1932) e depois metodista (em 1946). Nos anos 50 abandonou também a música religiosa e pegou no pesado: foi lenhador, dirigiu um trator e voltou a trabalhar em plantações.

BIOGRAFIA STEVIE RAY VAUGHAN

2009-03-29T15:08:00.000-07:00

Nenhum músico colocou mais energia no período do renascimento do blues na década de 1980 do que Stevie. Ele foi um exímio guitarrista onde o notável estilo recebeu influências tanto da fantástica técnica do Deus Jimi Hendrix como também das escolas de blues do Texas e de Chicago. Stevie Ray iniciou o seu interesse em blues numa época em que os verdadeiros fãs de blues tinham quase que apenas velhas referências das antigas legendas do blues. Pior ainda, era uma época em que toda a audiência estava destinada ao rock, fazendo com que o surgimento do blues-rock no final da década de 60 ficasse esquecido.

Stevie cultivou uma nova paixão pelo Blues principalmente em função das suas apresentações arrasadoras ao vivo a qual ele arrepiava a todos que o assistiam basicamente em função da força da sua guitarra, o sentimento do blues que ele despejava no instrumento. Tocando muito alto e prestando os seus sentimentos á Hendrix, Stevie atraiu amantes do Rock aos seus concertos que eram basicamente repertórios de blues. Seus expressivos solos de guitarra altamente carregados davam ao blues uma nova vitalidade reinventando a música inteiramente em termos modernos.

Stevie nasceu e cresceu em Oak Cliff, uma cidade muito perto de Dallas, desde o começo a sua principal inspiração foi o seu irmão Jimmie que o introduziu na guitarra e no blues. Na sua juventude Stevie tocou em algumas bandas de blues-rock como The Chantones and the Blackbirds. Porém quando o seu irmão Jimmie Vaughan, que mais tarde se tornaria o guitarrista de uma banda de rhythm&blues em Austin chamada The Fabulous Thunderbirds, saiu de casa na sua juventude para tentar a carreira na música, Stevie foi inspirado a fazer o mesmo. Ele abandonou a High school (2ºgrau) e se mudou para o Texas, onde se juntou a uma banda chamada Cobras, no ano de 1975. Dois anos mais tarde ele fundou uma banda chamada Triple Threat Revue com uma cantora de blues-rock de nome Lou Ann Barton, este grupo tocava blues e R&B nos bares e em todo o circuito de shows da periferia de Austin. Em 1978 a banda Triple Threat passou a chamar-se Double Trouble, este nome foi dado em função de uma música De Otis Rush. Normalmente a banda consistia em um baixista, no caso Tommy Shannon que tocava com Johnny Winter no final da década de 1960 e o baterista Chris Layton. Stevie passou a tocar guitarra e também cantar. Exceto pela adição esporádica do tecladista Reese Wynans em 1985, a banda se permaneceu constante até a morte de Stevie em 1990.

O Double Trouble rapidamente se estabeleceu como uma das melhores bandas do circuito de bares de Austin e quando o manager Chesley Milliken deu a Mick Jagger (Rolling Stones) uma fita de vídeo de uma das apresentações da Double Trouble, este ficou tão impressionado com o que viu que imediatamente contratou a banda para tocar em uma festa particular em New York no ano de 1982, Neste mesmo ano o produtor Jerry Wexler assistiu a uma performance do Double Trouble em Austin e impulsionado pela faiscante guitarra de SRV , ele conseguiu que o grupo tocasse no Festival de Montreux na Suíça. Isto ficou marcado porque foi a primeira vez que um grupo que sequer tinha gravado algum trabalho tinha tocado no prestigiado festival. Estavam no dia desta apresentação o super star David Bowie e o artista folk-rock Jackson Browne . Igualmente impressionados, os dois músicos ofereceram trabalho a banda. David Bowie convidou Stevie a tocar em seu álbum Let's Dance ao passo que Jackson Browie cedeu gratuitamente o seu studio na Califórnia para a banda.

Rapidamente depois disto o lendário caçador de talentos John Hammond convenceu a Epic Records a oferecer um contrato de gravação a Stevie e sua banda. Assim a banda gravou em menos de uma semana no studio de Jackson Browne o épico álbum Texas Flood, em 1983. Aclamado pela critica o álbum exibia um trabalho de guitarra magistral que fez ressuscitar o blues em uma época em que o mundo da música Pop estava apaixonado com o domínio do dance-rock tecno britânico! O álbum foi indicado para dois Grammys em 1984, melhor gravação de blues tradicional, Melhor rock instrumental (com a música "Rude Mood"). Enquanto isto os leitores da tradicional revista Guitar Player apontavam Texas Flood como o melhor álbum de blues do ano e também Stevie como o melhor músico de blues em 1983 e 1984. (ele também ganharia este título em 1985, 1986, 1988 e 1989).

Seu segundo trabalho, em 1984, foi um outro aclamado álbum de nome Couldn`t stand the wheather, que contém um clássico de Jimmi Hendrix, "Voodoo Chile", ficando evidente a sua paixão pelo lendário guitarrista e a fúria de Hendrix nos dedos. O próximo álbum, em 1985, teria o nome de "Soul to Soul", um álbum no qual Stevie investiu um pouco no Jazz. A banda foi engrossada com os teclados de Reese Wynans. Porém se tudo ia bem nos discos e no palco, o pior estava por vir. Stevie empurrou a si mesmo para o mundo das drogas e do álcool. O ápice aconteceu na Inglaterra em outubro de 1986; Stevie teve um colapso durante um show, colapso este em função do excesso de álcool e drogas. Stevie voltava então para os Estados Unidos onde se internou em um centro de desintoxicação em Marietta, Geórgia. Em 1989 lança o seu último álbum concebido em um studio de gravação, "In step". Este álbum inclui uma música chamada "Wall of Denial", um doloroso relato autobiográfico da sua batalha contra o álcool e as drogas.

Com o seu irmão Jimmie, Stevie grava em 1990 o álbum "Family Style" um trabalho que dava a entender que Stevie caminhava em uma nova direção musical e também uma possível parceira com o irmão em futuros projetos. Um pouco antes do lançamento deste álbum, Stevie se apresentou com Buddy Guy, Eric Clapton, Robert Cray e seu irmão em um concerto de blues em East Troy, Wisconsin. Ansioso para chegar em Chicago Stevie embarcou em um helicóptero imediatamente após o show. Devido a uma névoa muito densa o helicóptero caiu matando todos a bordo. Stevie tinha apenas 35 anos. O álbum "Family style foi lançado como homenagem póstuma, como também o álbum "The Sky Is Crying", uma coleção de músicas que não tinham sido gravadas anteriormente. Mais tarde foi lançado também o álbum ao vivo "In The Beginning", uma gravação ao vivo datada de 1980.

BIOGRAFIA ELMORE JAMES

2009-03-29T13:14:00.000-07:00

Elmore James nasceu em 27 de janeiro de 1918 em Richland, Mississippi, morreu em 24 de maio de 1963 em Chicago Illinois. Foi um guitarrista de Blues americano, considerado o pai do “la botlenek guitar” ou slide guitar.Começou sua carreira musical no Mississippi junto com o tocador de gaita Rice Miller (mais conhecido como Sonny Boy Williamson), ficaram juntos por vários anos até que conseguiu seu primeiro contrato para gravação em 1951.Nesta época se mudou para Chicago onde iniciou carreira solo acompanhado pelo grupo “The Broomdusters”.

Seu estilo rude e apaixonado se distinguia pelo som característico do slide blues, que se pode curtir nas músicas como “Dust My Brown”, “I Believe” e “It Hurts Me Too.O estilo de Elmore James influênciou vários músicos de Blues e Rock como Jeremy Spencer do Fleetwood Mac, Brian Jones do Rolling Stones, Alan Wilson do Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman e John Mayall. É lembrado pelos Beatles na música For You Blue do disco Let It Be.Autor de uma considerável quantidade de blues, muitas dessas músicas receberam versões de astros famosos. “Dust my broom” foi gravado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “Rollin´n´tumblin” por Canned Heat e Eric Clapton entre outros.Faleceu aos 45 anos, em 24 de Maio de 1963, vítima de um ataque cardíaco, mas deixou um legado musical consíderave.

BIOGRAFIA BESSIE SMITH

2009-03-29T08:12:00.000-07:00

Nascida em 15 de Abril de 1894 em Chattanooga,falecida em 26 de Setembro de 1937 em Clarksdale. Bessie foi a Primeira e maior cantora de blues e jazz e uma das mais poderosas de todos os tempos. Bessie Smith ganhou o título de "A imperatriz do blues". Mesmo em sua primeira gravação em 1923, sua voz passional superou a qualidade primitiva das gravações daquela época e continua sendo facilmente comunicável aos atuais ouvintes (o que não acontece com outro artista deste remoto período). Não havia competidores para ela.

Em 1912, Bessie Smith cantou no mesmo show que Ma Rainey, que lhe protegeu e treinou. Embora Rainey tivesse atingido uma grande margem de fama durante sua carreira, logo foi superada por sua protegida. Em 1929 o blues estava fora de moda e a carreira de Bessie começou a declinar. Na época da grande depressão, Bessie gravou "Nobody Knows You When Youre Down and Out", mesmo sendo demitida pela Columbia em 1931, ela continuou seu trabalho. Morreu em um acidente de carro no Mississippi."A imperatriz do blues", baseado em seu trabalho, nunca deverá abdicar de seu trono.

BIOGRAFIA SON HOUSE

2009-03-29T07:53:00.000-07:00

Nascido em 21 de Março de 1902 em Riverton,falecido em 19 de Outubro de 1988 em Detroit.Son House não é apenas importante para o Delta Blues, mas para toda a história da música. Foi um grande inovador do estilo Delta, junto com seus parceiros Charley Patton e Willie Brown. Suas primeiras gravações nos anos de1930 são cheias de chiados e estalos, mas com um intenso fervor emocional em seu canto e slides. Son House não foi apenas uma influência para bandas de ingleses brancos, mas foi o mestre de conceituados nomes como Muddy Waters e Robert Johnson. Quando não estava gritando o blues, House cantava com um estilo espiritual, a capela.

BIOGRAFIA CLARENCE GATEMOUTH BROWN

2009-03-28T09:25:00.000-07:00

Nascido em 18 de abril, em Vinton, LA.
O que você vier a fazer, nunca se refira ao multi-instrumentalista Clarence "Gatemouth" Brown como um bluesman, muito embora sua contribuição no desenvolvimento do blues no Texas seja enorme. Se você deseja rotulá-lo, chame-o de um "eclético mestre musical do Texas" cujos interesses englobam virtualmente todas as raízes imagináveis do gênero.

Brown aprendeu o valor de sua versatilidade enquanto crescia em Orange, Texas. Seu pai era um músico local bem popular, especializado em country, Cajun e bluegrass, mas não em blues. Considerado e rotulado por um professor de "Gatemouth" (boca de portão), que o acusou de ter uma voz parecida com um portão, Brown usou deste artifício para tirar vantagem através de sua carreira.

Depois de vários anos seguindo estilos diferentes dos seus, Gate decidiu reconstruir sua carreira em 1970, determinado a fazer as coisas a seu modo. Country, jazz e até mesmo calipso agora eram tocados com imenso sucesso em seus concertos. Discos aclamado como Rounder, Alligator, Verve e Blue Thumb nos anos de 1980, 1990 e 2000 provaram que Gatemouth Brown é um americano com raízes bem fortes, mas sem classificação possível.

BIOGRAFIA ROBERT JOHNSON

2009-03-28T09:14:00.000-07:00

Nascido em 8 de maio de 1911 em Hazlehurst,falecido em 16 de agosto de 1938 em Greenwood.Se o blues tem uma figura mística, certamente a mais famosa e celebrada na história do blues é outorgada à Robert Johnson. É claro que sua lenda é fortificada pelo fato de que Johnson também deixou para trás um legado pequeno de gravações que são consideradas um apelo emocional por excelência. Essas gravações ("Love in Vain", "Crossroads", "Sweet Home Chicago", "Stop Breaking Down", "Malted Milk" e outras) não incorporaram a alma do blues, mas foram extensamente aproveitadas por músicos de rock como Rolling Stones, Steve Miller, Led Zeppelin e Eric Clapton. Robert Johnson continua como uma força potente a ser reconhecida. Como cantor, como compositor e como guitarrista, ele produziu alguns dos melhores gêneros musicais. Assustado, aterrorizado e dirigido por demônios, um talento e um gênio atormentado morreu com pouca idade. Tudo isso somado, fez com que fosse considerado uma mitologia, que deveria ser investigado e sua biografia escrita por algum romântico de imaginação fértil.

A lenda de sua vida começa assim: Robert Johnson era um jovem negro que morava numa plantação rural do Mississippi. Possuía um grande ímpeto de se tornar um grande músico de blues, portanto foi instruído a pegar sua guitarra e caminhar até uma plantação em Dockerys à meia-noite. Lá encontrou um homem alto e negro (o demônio) que tomou sua guitarra, afinou-a e devolveu-a. Antes de completar um ano, em troca de sua alma, Robert Johnson tornou-se o rei do Delta blues. Cantava, era capaz de tocar e criar os melhores blues que alguém jamais ouvira antes.

Assim como o sucesso veio através de apresentações ao vivo e gravações fonográficas, Johnson continuou atormentado, constantemente assombrado por pesadelos que continham cães do inferno em seu caminho. Sua dor e angústia mental encontravam a paz e tranquilidade quando escrevia ou apresentava suas canções. Logo quando foi trazido ao Carnegie Hall para se apresentar no primeiro concerto Spiritual to Swing, a notícia veio rápido do Mississipip: Robert Johnson estava morto, envenenado por uma namorada ciumenta. Aqueles que estiveram lá afirmam que o viram espumando pela boca, rastejando em quatro patas, chiando e babando como um cão raivoso. Suas últimas palavras foram: "Eu rezo para que a minha redenção venha e que me traga de volta do meu túmulo". Ele foi enterrado num caixão de pinho, numa cova não marcada, para que seu acordo com o demônio não o trouxesse mais à vida.

Quando ainda adolescente e trabalhando nas plantações, Johnson brincava com a gaita , mas não seguia nenhum gênero musical específico. Todas as tentativas de se juntar aos grandes titãs da época, como Son House, Charley Patton e Willie Brown, surtiram seus efeitos. Son House disse: "Nós estávamos tocando em uma festa no sábado, e havia sempre aquele pequeno menino por perto. Ele era Robert Johnson. Começou à tocar sua gaita, e devo dizer que era muito bom nela, mas ele queria tocar guitarra. Ele se sentou aos nossos pés e tocou durante os intervalos de uma forma tal que era difícil de acreditar". Ele se casou ainda jovem e deixou Robinsonville, usando Hazelhurst como base, determinado à se tornar um profissional de tempo integral, depois do falecimento de sua primeira esposa, que morreu dando à luz.

Como um músico itinerante, tocando em jantares no campo assim como nas ruas, sua platéia o considerava alguém que podia tocar e cantar tudo que fosse ligado ao blues e até ao pop. Nos anos subsequentes, depois de várias gravações, o nome de Johnson foi inserido em vários utensílios de merchandising, como pôsteres, papéis de carta, bonés, etc., todos usando sua assinatura (extraída do seu segundo casamento). Tudo era comercializado e vendido, fazendo dele um mito do blues, tendo sua imagem reproduzida para render lucros, muito mais tempo do que qualquer bluesman contemporâneo, vivo ou morto. Apesar de que o homem e seus contemporâneos nunca poderiam imaginar em milhares de anos que a música e a lenda viveriam juntas para sempre.

BIOGRAFIA BLIND WILLIE JOHNSON

2009-03-28T09:10:00.000-07:00

Nascido em 1902 em Marlin,falecido em 1947 em Beaumont, TX.Blind Willie, nascido no Texas e evangelista possuía um timbre de voz "efervescente" assim como uma imensa habilidade de lidar com o violão.Geralmente cantava em um tom baixo, tal como tenor, com um volume que poderia ser ouvido ruas adiante. Johnson gravou um total de 30 musicas durante um período de três anos, e muitas destas se tornaram clássicos de gospel-blues, incluindo: "Jesus Make up My Dying Bed", "God Dont Never Change", e sua mais famosa e conhecida canção "Dark Was the Night-Cold Was the Ground".

É de concordância geral que Johnson nasceu numa pequena cidade ao sul de Waco, perto de Temple, Texas, por volta de 1902. Sua mãe morreu enquanto ele ainda era um bebê, o que levou seu pai à se casar novamente. Quando Johnson completou 7 anos, seu pai e sua madrasta brigaram. Tão grave foi a discussão que a madrasta jogou um balde de água quente, que em vez de atingir seu pai, atingiu seu rosto, deixando-o cego para sempre. Quando ficou mais velho, Johnson começou a ganhar dinheiro tocando seu violão, uma das poucas opções que um homem cego tinha na época. Através dos anos, Johnson tocou violão usando apetrechos que não eram comuns, como o canivete, em vez de palheta. Tocava sempre em D (ré), escolhendo notas simples e melódicas, enquanto usava seu slide na corda mais grave com seu polegar.

Foi, todavia, conhecido por tocar num tom diferente e sem slide em muito poucas ocasiões. Mesmo tendo sucesso com sua técnica excepcional de blues e o som que emitia de seu violão, Johnson não queria ser considerado como um bluesman, uma vez que era religioso e acreditava fervorosamente na Bíblia. Começou então a cantar e interpretar o gospel.Tornou-se um pastor batista e trouxe seus sermões e músicas às ruas das cidades vizinhas. Enquanto se apresentava em Dallas, conheceu Angeline e casou-se em 1927. Angeline somou ao repertório de Johnson os hinos do século XIX, e começaram a se apresentar por toda a parte de Dallas e Waco.

Em 3 de dezembro de 1927, a Columbia Records trouxe Blind Willie Johnson ao estúdio, onde gravou seis canções que se tornaram alguns dos seus primeiros sucessos: uma música sobre Sansão e Dalila chamada "If I Had My Way", "Mothers Children Have a Hard Time" (frequentemente entendida como "Motherless Children", ou seja, crianças sem mãe), "Its Nobodys Fault but Mine", "Jesus Make up My Dying Bed", "I Know His Blood Can Make Me Whole", e a sua canção mais aclamada, "Dark Was the Night-Cold Was the Ground", cujo tema se referia à cruxificação de Cristo. Após gravar estas canções, Johnson não retornou ao estúdio durante um ano inteiro. Na segunda visita, em 5 de dezembro de 1928, tocou com sua mulher Angeline, que fez o backing vocal. Blind Willie Johnson era um dos melhores artistas em vendas, todavia, só voltou a gravar pela Columbia mais uma vez, em abril de 1930, depois disso nunca mais ouviu-se nada à seu respeito. Apesar do fato de Johnson não ter gravado nenhum disco depois de 1930, ele continuou a se apresentar nas ruas do Texas durante os anos 30 e 40. Infelizmente, em 1947, sua casa incendiou-se totalmente. Contraiu pneumonia logo após o incidente e morreu nas cinzas de sua casa, aproximadamente uma semana depois que ela foi destruída.

BIOGRAFIA BLIND BLAKE

2009-03-28T07:49:00.000-07:00

Nascido como Arthur Blake e conhecido como Blind Blake, esse bluesmen, assim como vários outros, tem sua vida cercada de mistérios e especulações. Pouco se conhece a seu respeito . A data, assim como o local de seu nascimento e de sua morte são desconhecidos. O que se tem registrado são suas gravações, feitas entre 1926 e 1932. Ele se mudou para Georgia no começo da década de 1920 e trabalhou como músico de rua em várias cidades da Florida, Georgia e ohio. Suas primeiras gravações foram "Early Morning Blues" e "West Coast Blues" pela Paramount Records.Samuel Charters escreveu em seu livro "The Blues Makers" que a música de Blake "Southern Rag", gravada em 1927, serve de base para uma versão alternativa sobre sua origem.

Nessa música, Blake usa o dialeto Geechee, comum na região de Georgia Sea Islands, sugerindo assim que ele viesse de lá.Blake era tão popular que a Paramount lançava pelo menos um, e às vezes vários discos com seu nome a cada mês. Quando suas vendas começaram a diminuir, ele fez contato com um grande amigo, George Williams, que o ajudou a montar o show "Happy-Go-Lucky". Blake tocou nesse show até 1931 e depois desapareceu da cena musical. Ele reapareceu em 1932 para gravar suas últimas músicas pela Paramount, pouco antes deles falirem. Dizem que suas últimas gravações foram as piores, devido a suas constantes bebedeiras. Ele gravou cerca de 80 canções durante esse período na Paramount. Morreu cedo, aos 40 anos, e pouco se sabe sobre sua morte. O bluesmen Reverend Gary Davis disse certa vez numa entrevista que ouviu rumores de que Blake havia morrido atropelado por um carro.

BIOGRAFIA BLIND WILLIE MCTELL

2009-03-28T07:46:00.000-07:00

Blind Willie McTell é mais um grande bluesmen entre os inúmeros Blind's. E assim como a maioria deles, toca ragtime. Porém ele se diferencia pelo uso de um violão de 12 cordas e por ter influências de southern blues, gospel e country. E também pelos bons modos e educação. Ele era um dos poucos bluesmen que sabia ler e escrever música em braile.William Samuel McTell nasceu em Thomson, Georgia, cego de um olho. Ele perdeu a visão do outro olhon na infância, mas logo aprendeu a leitura braile. Ainda na infância, McTell demonstrou facilidade para a música, aprendendo a tocar em um violão de 6 cordas. Seus pais se separaram e ele se mudou para Statesboro com sua mãe.Na sua adolescência, depois da morte de sua mãe, ele deixou sua casa e pegou a estrada. Aprendeu a tocar violão de 12 cordas, muito popular entre os músicos de Atlanta, e viajou sozinho, tocando em diversos shows, inclusive no famoso "John Roberts Plantation Show".

No ano de 1926 as gravadoras começaram a se interessar por cantores de folk e vários deles gravaram nessa época. Blind Lemon Jefferson do Texas, Charley Patton e Tommy Johnson do Mississippi, Peg Leg Howell e Blind Willie McTell de Georgia.McTell gravou primeiramente pela Victor Records, mas suas gravações para a Columbia produziram seus maiores clássicos, como "Statesboro Blues", "Mama 'Tain't Long 'for' Day" e "Georgia Rag". Assim como a maioria do músicos da época, ele gravou por diversas gravadoras usando diferentes nomes, para escapar das cláusulas contratuais e não ficar preso somente a uma gravadora. Ele foi Blind Willie pela Vocalion, Georgia Bill pela OKeh, Red Hot Willie Glaze pela Bluebird, Blind Sammie pela Columbia, Barrel House Sammy pela Atlantic, e Pig 'n' Whistle Red pela Regal Records.No começo da década de 1930 McTell tocou diversas vezes ao lado de Blind Lemon Jeferson. Em 1934 ele se casou com Ruth Kate Williams, com quem gravou alguns duetos.

Mesmo casado ele continuou viajando sozinho até arranjar um emprego fixo em um restaurante, o Pig n' Whistle Red, onde ele tocava os pedidos da clientela branca.A partir da década de 1950, a saúde de McTell começou a enfraquecer devido a seu peso e problemas com diabetes. Porém ele não quis mudar seus hábitos alimentares e muito menos parar de beber, como fora recomendado. Ele morreu dia 19 de agosto de 1959, com uma hemorragia cerebral.Em trinta anos de carreira ele gravou mais de cento e vinte músicas. Suas músicas foram regravadas por grandes nomes da música, como os Allman Brothers e Taj Mahal. Jack White, do White Stripes é outro que tem McTell como grande influência e já gravou um cover da música "Your Southern Can Is Mine". Bob Dylan já gravou uma música chamada "Blind Willie McTell", que diz em sua letra: "E eu sei que ninguém pode cantar blues / Como Blind Willie McTell".Todos os anos na cidade de Thomson é realizado o "Blind Willie McTell Blues Festival", em homenagem ao grande bluesman nascido naquela cidade.

BIOGRAFIA JOHN MAYALL

2009-03-28T07:39:00.000-07:00

John Mayall nasceu em Macclesfield na Inglaterra, dia 29 de novembro de 1933 e cresceu ouvindo a coleção de jazz do pai, guitarrista. Logo em seguida descobriu o blues. Foi influenciado principalmente por Lead belly, Albert Ammons, Pinetop Smith e Eddie Land. Aos 13 anos de idade começou a aprender piano, na casa do vizinho, de maneira autodidata, guitarra, que ele conseguia emprestada e gaita, comprando algumas de segunda mão.Aos 15 anos de idade Mayall dá uma demonstração de sua personalidade e excentricidade, quando decide se mudar para uma casa na árvore, dizendo que prefere viver lá que dividir uma casa com sua família. Ele ganhou atenção nacional quando um jornal escreveu uma matéria sobre o fato. Ele viveu na árvore até seus 22 anos.Em 1945, Mayall se matriculou numa escola de artes, onde aguçou ainda mais seu conhecimento no piano. Depois da escola de artes ele se juntou ao exército britânico e serviu na guerra da Coréia por três anos. Enquanto estava de licença no Japão, ele comprou sua primeira guitarra.

Mayall voltou a escola de artes em 1954 e lá conheceu o baterista Peter Ward. Eles formaram a banda Powerhouse Four em 1956 e tocaram em algumas festa, na região de Manchester. Tempos depois, quando Mayall lecionava música em um clube, ele conheceu o baterista Hughie Flint, com quem formou a banda Mayall's Bluesbreakers.Numa noite, a Mayall's Bluesbreakers iria fazer a abertura de um show de Alexis Korner e Mayall acabou ficando amigo de Korner, que o incentivou a se aprofundar de vez no blues e se mudar para Londres, onde a cena musical estava em ebulição. Assim, logo após seu aniversário de 29 anos, Mayall se mudou para Londres, em janeiro de 1963.Uma vez em Londres, Mayall começou os contatos para formar uma nova banda, que desta vez levava somente o nome de Bluesbreakers. Inúmeros músicos passaram pela banda, mas seu primeiro sucesso só foi alcançado graças a um guitarrista: Eric Clapton.

Depois que Clapton deixou o Bluesbreakers para formar o Cream, em 1966, vários músicos notáveis passaram pela banda, como Peter Green, Mike Fleetwood, John McVie, Kal David e Mick Taylor.No começo de 1970 ele aproveitou seu sucesso em solo americano e se mudou para Laurel Canyon, em Los Angeles.Embora sua popularidade tenha se mantido, seus trabalhos da década de 70 não tinha a mesma qualidade das músicas da década de 60. Então no começo da década de 80 ele reuniu novamente uma dupla que tinha feito sucesso com ele: John McVie e Mick Taylor. Saíram então em turnê, tocando os grandes sucessos do início dos Bluesbreakers.Hoje em dia, aos 73 anos, Mayall continua na ativa, tocando e gravando álbuns. Atualmente ele está em estúdio gravando um álbum chamado “The Freddie King Legacy”, uma homenagem do Bluesbreakers ao grande guitarrista de blues Freddie King.

BIOGRAFIA MEMPHIS SLIM

2009-03-28T07:35:00.000-07:00

John Len Chatman nasceu no dia 3 de setembro de 1915, em Memphis, no Tennessee. Ele dizia que se chamava Peter Chatman, nome que usava em honra ao seu pai, Sr. Peter Chatman. Mesmo depois de ser conhecido e ficar famoso como Memphis Slim, ele ainda assinava suas composições como Peter Chatman.Memphis Slim foi muito sensato no início de sua carreira como pianista, ao receber os conselhos de Big Bill Broonzy, que dizia para ele encontrar seu próprio estilo, ao invés de apenas imitar seu grande ídolo, Roosevelt Sykes.Nascido em Memphis, um ótimo lugar para iniciar uma carreira como bluesmen, ele logo se tornou muito conhecido por lá. Algum tempo depois, no final da década de 30, ele se mudou para Chicago e começou a realizar algumas gravações pela Okeh Records. Em seguida se juntou a Big Bill Broonzy, que era até então a força dominante da cena de blues local.

Depois do término da Segunda Guerra Mundial, Slim assinou com a Hy-Tone Records e gravou 8 faixas, que foram relançadas em 1947 pelo selo Lee Egalnick's Miracle. Depois de se juntar a sua antiga banda, o House Rockers, Slim compôs alguns de seus maiores sucessos, como "Lend Me Your Love" e "Rockin' the House." No ano seguinte Slim faria seu maior sucesso, "Nobody Loves Me", que ficou conhecida pelas versões de Lowell Fulson, Joe Williams, e B.B King como "Everyday I Have the Blues".Nos anos seguinte, Memphis Slim passou por diversas gravadoras, como Miracle, Peacock, Premium, Chess, Mercury, antes de assinar com a Chicago's United Records de 1952 a 1954. Este foi um período particularmente fértil para o pianista. Ele recrutou seu primeiro guitarrista permanente, Matt "Guitar" Murphy e antes do final da década de 50, gravou versões definitivas de seus maiores sucessos.

Foi tão bem recebido por lá que se mudou definitivamente para Paris, onde continuou gravando e tocando em turnês, com status de bluestar (se existe rockstar, porque não bluestar?), um reconhecimento que ele não havia tido em sua terra natal.Memphis Slim gravou mais de 20 discos com seu nome, tocou em outros inúmeros álbuns com outros artistas e influenciou toda uma geração de pianistas, com uma pegada forte no piano e uma voz poderosa. Ele morreu dia 24 de fevereiro de 1988, em Paris, França.

BIOGRAFIA CHARLEY PATTON

2009-03-28T07:29:00.000-07:00

Charlie Patton, também conhecido por Charley Patton é considerado um dos primeiros bluesman a fazer sucesso no blues e um dos pioneiros do estilo Delta Blues.Patton nasceu em Hindy County, no Mississippi em abril de 1891. Em 1900 sua família se mudou 100 milhas ao norte da lendária Dockery Plantation, uma plantação de milho e extração de madeira com 10.000 acres, conhecida pelo tamanho e por ser o berço dos maiores nomes do Delta Blues. Nasceram ou moraram nessa fazenda, além de Patton, Robert Johnson, Howlin' Wolf, David "Honeyboy" Edwards, Son House, Willie Brown e outros inúmeros nomes menos conhecidos. Foi nessa época que Patton conheceu Henry Sloan, que veio a ser seu tutor no violão e tinha um estilo diferente de tocar, que pode ser considerado antecessor do blues.

Charley Patton acompanhou Sloan até seus 19 anos, época em que começou a compor suas canções, entre elas a famosa "Pony Blues", que se tornou um ícone da época. Ele usava com freqüência o slide, estilo que o destacou no Delta Blues e suas letras não tratavam apenas de relacionamentos amorosos mal-sucedidos. Ele também falava sobre prisão (High Sheriff Blues), a natureza (High Water Blues) e a moralidade (Oh Death).

Patton se tornou extremamente popular no sul dos EUA, e diferentemente da maioria dos músicos de blues itinerantes, ele freqüentemente era convidado para tocar em fazendas e tavernas. E muito antes de Jimi Hendrix impressionar as platéias com suas performances, Charley Patton já fazia seu show e agitava a platéia tocando o violão entre suas pernas, por trás da cabeça e nas costas. Apesar de ser um homem com pouca estatura, sua voz, curtida em muito whisky e cigarro, podia ser ouvida de longe, sem amplificação. Esse estilo de cantar também pode ser observado na voz de um de seus célebres alunos: Howlin' Wolf.Suas primeiras gravações foram feitas em junho de 1929 para o selo Paramount. Devido ao grande sucesso, quatro meses depois ele foi novamente convidado a gravar pelo selo.Ele também definiu o estilo de vida do bluesman do delta: bebia e fumava excessivamente, dizia que teve um total de oito esposas, foi preso pelo menos uma vez e viajava com freqüência, nunca ficando por muito tempo no mesmo lugar.Charley Patton morreu em abril de 1934 de problemas cardíacos, embora alguns rumores apontavam como assassinato. Ele fez um retrato de sua vida na canção "Elder Green Blues": "I like to fuss and fight/Lord, and get sloppy drunk off a bottle and ball/And walk the streets all night."

BIOGRAFIA MISSISSIPPI JOHN HURT

2009-03-28T07:23:00.000-07:00

"Mississippi" John Smith Hurt nasceu na cidade de Teoc, no Mississippi no dia 2 de julho de 1892 (data incerta).O interesse de Hurt pela música começou cedo. Com nove anos de idade ganhou um violão usado, que segundo sua mãe, custou $ 1,50. Ele passou boa parte da juventude enfrentando o duro trabalho nas fazendas e tocando em festas para os amigos. Por morar numa cidade afastada, Avalon, ele não foi um músico viajante, como a maioria era na época. Esse isolamento permitiu que ele desenvolvesse um estilo próprio de tocar, livre de influências urbanas.No começo da década de 20, Hurt se apresentava com o músico Willie Narmour (Carroll County Blues) como substituto de seu parceiro Shell Smith. Quando Narmour conseguiu a chance de gravar pela OKeh Records, ele recomendou Hurt ao produtor da gravadora, Tommy Rockwell. Foi a gravadora que acrescentou o nome "Mississippi", como um truque de vendas.

John Hurt participou de duas sessões de gravação, em Memphis e em Nova Iorque.Seu disco teve vendas muito abaixo do esperado, então Hurt voltou para a cidade de Avalon e recomeçou seu antigo estilo de vida: tocando nas festas e trabalhando nas fazendas.Ele ficou esquecido durante 35 anos, até que o musicólogo popular Tom Hoskins o encontrou e o convenceu a ir para Washington reiniciar sua carreira. Pouco tempo depois, ele alcançaria o reconhecimento nacional. Gravou três álbuns para a Vanguard Records e participou de diversos festivais, incluindo o famoso Newport Folk Festival, em 1964, aos 72 anos.Infelizmente ele teve apenas 3 anos de fama, pois faleceu no dia 2 de novembro de 1966.

BIOGRAFIA KOKO TAYLOR

2009-03-28T07:18:00.000-07:00

Cora Walton nasceu no dia 28 de setembro de 1928 em Bartlett, Tennessee. Ela ganhou seu apelido de Koko por causa do amor por chocolate que ela tinha desde pequena (Koko = choco). Desde cedo já se interessava por música, tanto pela gospel, que ela ouvia nas igrejas que freqüentava, quanto pelo blues que ela ouvia nas rádios de Memphis. Mas, mesmo com o incentivo de seu pai para cantar somente músicas gospel, ela e seus irmãos gostavam mesmo de cantar e tocar blues com instrumentos caseiros.Quando jovem ela ouvia o quanto podia de blues. Bessie Smith e Memphis Minnie foram influências particulares, assim como Muddy Waters, Howlin' Wolf e Sonny Boy Williamson. E embora amasse cantar, ela nunca sequer sonhou em subir num palco um dia.Com 20 e poucos anos, ela se mudou para Chicago com seu futuro marido, o falecido Robert “Pops” Taylor, a procura de emprego. Com nada além de 35 centavos e um pacote de biscoitos Ritz, como conta a própria Koko, eles se instalaram no lado sul da cidade, uma das regiões que se tornou o berço do Chicago Blues.

Pouco tempo depois Koko arrumou um emprego como faxineira em casas no subúrbio ao norte. À noite e nos fins de semana, ela e Pops freqüentavam os bares de blues onde tocavam alguns nomes como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Magic Sam, Little Walter e Junior Wells. E graças a Pops, logo eles se tornaram amigos de muitas das lendas do blues.Com seu enorme talento, foi fácil começar a cantar nos palcos de Chicago. E sua maior oportunidade foi quando Willie Dixon a viu cantar pela primeira vez. Para o espanto de Taylor.

Dixon conseguiu gravar o primeiro disco dela para a USA Records e logo em seguida garantiu um contrato para a Chess Records, a maior gravadora de blues da época. Ele produziu diversas músicas e dois álbuns para ela, incluindo seu grande hit de 1966 Wang Dang Doodle. Essa música finalmente coloca Koko Taylor como a maior cantora de blues do mundo.No ano de 1972 Koko tocou no Ann Arbor Blues and Jazz Festival. Esse festival foi gravado pela Atlantic Records, que lançou um disco ao vivo, que ajudou a divulgar ainda mais o seu trabalho.Em 1975 ela conheceu Bruce Iglauer, da Alligator Records. No mesmo ano lançou o disco I Got What It Takes que recebeu uma indicação ao Grammy.De lá para cá foram mais dez álbuns, todos eles pela Alligator Records, incluindo o mais recente Old School, de abril de 2007. E ela passou a ser conhecida como a "Queen of the Blues".

BIOGRAFIA JONHY WINTER

2009-03-28T07:05:00.000-07:00

John Dawson Winter III nasceu em Beaumont, no Texas, dia 23 de fevereiro de 1944, albino e vesgo, sua carreira musical começou cedo. Aos 15 anos formou com seu irmão, de 12 anos e também albino, a banda Johnny and the Jammers.Na época de seu nascimento, a cidade de Beaumont foi palco de um dos piores motins raciais do Texas. Rebeldes foram às ruas e incendiaram lojas e fábricas. A guarda nacional entrou em ação com mais de 2000 homens e isolou a cidade até que as coisas se normalizassem. Apesar dos acontecimentos, Johnny nunca teve medo e sempre transitou pelos bairros negros para ouvir e tocar música.Ele mesmo disse certa vez: "Nada jamais aconteceu comigo. Freqüentava bares negros e ninguém nunca me incomodou. Eu me sentia bem-vindo". Nessa época ele ficou amigo de Clarence Garlow, o dj da rádio KJET de Beautmont, que abriu seus ouvidos para o blues rural.

Uma história interessante aconteceu em 1962, quando Johnny e seu irmão foram assistir a uma apresentação de b. b King, em um bar chamado Raven. Os únicos brancos no bar eram eles. Mas Johnny já tinha trânsito livre e queria tocar com o rei. Na primeira vez que pediu, King não deixou que ele subisse ao palco. Então ele passou a pedir que alguns conhecidos fossem lá, pedir para que deixasse o branco tocar. Finalmente King cedeu e ofereceu sua guitarra. Johnny tocou e foi ovacionado de pé. Logo em seguida, devolveu a guitarra a King.

Sua grande guinada como músico aconteceu em 1968, quando ele começou a tocar com o baixista Tommy Shannon e o baterista Uncle John Turner. Nesse mesmo ano um artigo na revista Roling Stone dizia que o som deles era o mais quente do Texas, depois de Janis Joplin. No ano seguinte ele lançou o álbum intitulado "Johnny Winter," que incluía grandes covers, como "Be Careful with a Fool" de B. B King," "Good Morning Little School Girl", de Sonny Boy Williamson II, "When You Got a Good Friend" de Robert Johnson e "Back Door Friend" do também texano Lightin Hopkins. Esse álbum alcançou o 24º lugar na Billboard. Ainda em 1969 ele tocou no Woodstock e gravou outro álbum, chamado "Second Winter."Logo em seguida vieram os problemas com as drogas. Ele retornou ao cenário musical, com sua velha forma somente em 1973, com o álbum "Still Alive and Well", que é o nome da canção que seu amigo Rick Derringer escreveu saudando sua plena recuperação.

Em seus shows, Winter costuma contar uma história sobre como, ainda criança, sonhou que tocava com Muddy Waters. Sonho que se realizou em 1977, quando ele produziu e tocou no álbum de Muddy, "Hard Again", vencedor de um Grammy. O sucesso como produtor continuou e ele ainda produziu os discos "I'm Ready" (1978), "Muddy 'Mississippi' Waters Live" (1979) e "King Bee" (1981). O sucesso foi tão grande que Muddy se referia a Johnny como seu "filho adotado".Nos anos seguintes Johnny Winter continuou sua carreira de sucesso, gravando discos, como o excelente "Let Me In",de 1991, que tem as participações de Dr. John e Albert Collins. Hoje em dia, com a saúde já debilitada, o que o força a se apresentar sentado, ele continua em turnê pela Europa e EUA, tocando seu excelente blues-rock.

BIOGRAFIA ALBERT COLLINS

2009-03-27T16:32:00.000-07:00

Albert Collins nasceu em Leona, Texas, no dia 1º de outubro de 1932 faleceu em 24 de novembro de 1993, foi um músico, guitarrista e cantor de blues. Ele tinha muitos apelidos dados pelos admiradores, como "The Ice Man" ("Homem de Gelo") e "O Mestre da Telecaster".
Nascido em Leona, Texas, Collins formou sua primeira banda em 1952, e dois anos depois já era a atração principal em vários clubes de blues Houston Texas. No final dos anos 50, ele escolheu a Fender Telecaster como seu equipamento, e desenvolveu um estilo único com afinações em tons menores, notas sustentadas e atacadas com os dedos da mão direita. Ele também,f reqüentemente usava um capotraste em sua guitarra, particularmente na 5a., 7a. e 9a. casa.

BIOGRAFIA T- BONE WALKER

2009-03-27T15:55:00.000-07:00

Walker nasceu em Linden, no Texas, de descendência afro-americana e cherokee. Quando ele era jovem, sua família mudou-se para uma região no sul de Dallas conhecida como Oak Cliff onde ele encontrou e aprendeu com Blind Lemon Jefferson, um outro músico de blues. A primeira gravação de Walker foi “Wichita Falls Blues”/”Trinity River Blues”, pela gravadora Columbia Records em 1929 com o nome de Oak Cliff T-Bone.

Seu som característico não surgiu até 1942, quando Walker gravou “Mean Old World” pela Capitol Records. Seus solos de guitarra elétrica estão entre os primeiros a serem ouvidos nas gravações do blues moderno.A maioria de suas produções aconteceu de 1946 a 1948 na Black & White Records, inclusive “Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad)” de 1947, com sua famosa faixa de abertura, “They call it stormy Monday, but Tuesday’s just as bad”. Seguido por seu “T-Bone Shuffle”: “Let your hair down, baby, let’s have a natural ball”. Ambos são considerados blues clássicos. B. B. King disse que “Stormy Monday” foi o que o inspirou a pegar na guitarra. A canção também é a favorita dos The Allman Brothers Band.Ao longo de sua carreira ele trabalhou com músicos de alta qualidade, como Teddy Buckner (trompete), Lloyd Glenn (piano), Billy Hadnott (contrabaixo) e Jack McVea (tenor sax).Após seu trabalho com a Black & White, ele gravou de 1950 a 1954 com a Imperial Records. A única gravação de Walker pelos próximos cinco anos foi T-Bone Blues, gravado em três etapas distintas, em 1955, em 1956 e em 1959 sendo finalmente lançado pela Atlantic Records em 1960 até a sua morte.

BIOGRAFIA SONNY BOY WILLIAMSON

2009-03-27T15:10:00.000-07:00

Nascido em 30 de março de 1914 em Jackson, falecido em: 1º de junho de 1948 em Chicago.Considerado o mais importante músico de gaita antes da guerra, John Lee Williamson fez da gaita um instrumento valioso para o blues. Não fosse por sua morte trágica em 1948 durante a sua volta para casa em Chicago, Williamson seria sem dúvida um dos músicos de maior repercussão, explorando novas e excitantes direções no blues.

Pode-se notar que Williamson fez o seu melhor durante sua vida limitada. Desde sua adolescência foi um virtuoso gaitista, o primeiro Sonny Boy (Rice Miller adotaria o mesmo nome artístico no Delta), aprendendo de Hammie Nixon e Noah Lewis e tocando com Sleepy John Estes e Yank Rachell, antes de se estabelecer em Chicago em 1934.Sua extrema versatilidade e ingênua consistência deram à ele seu primeiro contrato com a gravadora Bluebird em 1937.Sonny Boy gravou mais de 120 músicas, todas elas para a RCA, de 1937 até 1947, muitas delas tornaram-se repertórios pós-guerra para vários gigantes do blues de Chicago. Sua versatilidade e seu estilo de alternar passagens vocais com o som pungente de sua gaita eram tão contundentes que foram utilizados por muitos gaitistas que o precederam.

Mas Sonny Boy Williamson não viveria para presenciar suas bem merecidas recompensas pelas suas invenções. Ele morreu durante um violento roubo no lado sul, com 34 anos, no meio de sua popularidade (sua música "Shake That Boogie" foi um sucesso nacional em 1947 pela Victor). "Better Cut that Out", outro sucesso, adaptado por Junior Wells, tornou-se um sucesso póstumo em 1948. Este foi o último sucesso que Sonny Boy deixou para a posteridade.

BIOGRAFIA LIGHTININ HOPKINS

2009-03-27T15:01:00.000-07:00

Nascido em 15 de março de 1912 em Centerville,falecido em 30 de janeiro de 1982, em Houston. Sam Hopkins era um country bluesman de alto calibre, cuja carreira começou em 1920 e se estendeu até 1980. Através do tempo, Hopkins observou a mudança do gênero de blues, embora nunca tivesse mudado seu som morno de Lone Star, que aplicou tanto a guitarra acústica como elétrica. Foi considerado um trovador do blues pela sua facinante forma de improvisar letras que expressassem as situações do momento.

Seus irmão, John Henry e Joel também eram talentosos bluesmen, mas foi Sam quem ficou famoso. Em 1920 ele encontrou o legendário Blind Lemon Jefferson num evento social, e até teve a chance de tocar com ele. Mais tarde, Hopkins servia como guia de Jefferson. Durante sua adolescência, Hopkins começou a trabalhar com outro talento pré-guerra, o cantor Texas Alexander, que por sinal era seu primo. Em meados dos anos 30 foi preso e ficou em uma prisão em Houston o que interrompeu sua parceria por um tempo, mas quando foi solto, Hopkins voltou às apresentações.

O estilo de Hopkins era aparentemente muito rústico e fora de moda para as novas gerações de entusiastas do rock and roll, pois já havia gravado algumas músicas com guitarra elétrica em estilo rock em 1954 como "Lightnins Special", entre outras. Portanto retornou à Houston em 1959 quase que totalmente esquecido. Felizmente, o folclorista Mack McCormick redescobriu o guitarrista, que o atualizou e o apresentou como um bluesman folclórico, um papel que lhe cabia perfeitamente pois era isso que ele fazia de melhor.Hopkins foi retratado e imortalizado em um documentário datado de 1967, chamado "The Blues Accordin To Lightin Hopkins". Como um dos últimos grandes country bluesmen, Hopkins era uma figura fascinante, que construiu uma ponte entre o estilo urbano e rural.

BIOGRAFIA BLIND LEMON JEFFERSON

2009-03-27T11:25:00.000-07:00

Nascido em setembro de 1893 em Couchman, falecido em dezembro de 1929 em Chicago. Vocalista e guitarrista, Blind Jefferson é indiscutívelmente uma das principais figuras do Country Blues. Foi considerado o mais notável músico deste estilo, sendo um dos primeiros fundadores do Texas Blues (juntamente com Texas Alexander), foi também um dos principais influenciadores do Country Blues de todos os tempos, o mais popular dos bluesmen de 1920 e o primeiro homem que atingiu o sucesso comercial como artista de blues. Antes do sucesso atingido por Jefferson, as melhores gravações de blues eram atribuídas às mulheres, incluindo Bessie Smith e Ida Cox que frequentemente cantavam canções escritas por outros ou acompanhadas por bandas. Com Jefferson surgiu um enorme número de artistas solo, que apresentavam juntamente com o material original um repertório mais familiar. Algumas de suas mais famosas canções: "Matchbox Blues", "See That My Grave Is Kept Clean", e "Black Snake Moan". Ao todo, Blind Lemon Jefferson gravou quase 100 músicas em poucos anos, deixando sua marca não só como o bluesman famoso de sua época, como também nos fãs que viriam anos mais tarde. O legado de Jefferson possuía um som tão único e poderoso que não desapareceu com o passar das décadas.

Maiores detalhes da vida de Blind Lemon Jefferson não estão disponíveis, mas informações gerais do homem e sua carreira podem ser definidas de algum modo através de algumas de suas gravações, algumas delas ao vivo, e das lembranças daqueles que o conheciam bem. Apesar de seu nascimento ser datado em julho de 1897, pesquisas de quase um século depois demonstram que seu nascimento se deu em setembro de 1893. Mesmo que existam dúvidas à respeito da data correta, algumas certezas ficaram: Jefferson nasceu numa fazenda em Couchman, Texas, fora de Wortham e cego desde que nasceu, cresceu no meio de 7 irmãos. Por volta de 1912, começou a tocar violão e cantar em picniques e festas na sua cidade. Sua influência musical incluía não somente os cantores colhedores de algodão, bem como violonistas locais e artistas mexicanos que trabalhavam nos arredores e que frequentemente incorporavam o flamenco em suas apresentações. Essas influências levaram à complexidade e ao intricado estilo de frases de Jefferson.

Em poucos anos, Jefferson extendeu sua performance por outros lugares, incluindo Groesbeck, Buffalo, Waco e outras cidades vizinhas. Por volta de 1915, Jefferson também começou à tocar em Dallas e em 1917 instalou-se na cidade. Era facilmente encontrado tocando no Deep Ellum, uma área de Dallas onde conheceu Lead belly, outro famoso bluesman. Apesar de Lead belly ser o mais velho dos dois, é reconhecido que Jefferson era melhor guitarrista. Lead belly ficou tão impressionado com Blind Lemon Jefferson, que mais tarde veio à gravar uma espécie de tributo às habilidades naturais de Jefferson que incluía a canção "Blind Lemons Blues". Os dois amigos tocaram juntos por algum tempo, antes da sentença de prisão contra Lead belly.

De volta para Chicago, em 1929, após vários anos de gravação na Paramount e apresentações tanto no Mississippi quanto no Texas, Jefferson foi achado morto após uma intensa tempestade de neve. Há muitas versões sobre a sua morte. Foi dito que ele se perdeu numa tempestade de neve, logo após deixar a festa na casa de amigos, tarde da noite ou que fôra abandonado por seu motorista ou até mesmo que sofrera um acidente de carro fatal. Mas ainda persiste a versão de que Jefferson teve um ataque cardíaco e congelou na neve. Jefferson tinha por volta de 30 anos quando faleceu e nenhum atestado de óbito foi achado, portanto só se pode deduzir pelos fatos que sua morte ocorreu no final de dezembro.Sua influência no Country Blues foi tão forte que em 1980 Blind Lemon Jefferson foi incluído no Blues Foundations Hall of Fame.

BIOGRAFIA ALBERT KING

2009-03-27T11:20:00.000-07:00

Um dos “Três Kings” da guitarra Blues (junto com B.B. King e Freddie King), ele possuía uma figura imponente de 1,93m de altura e 118 kg. Nasceu Albert Nelson em uma família humilde em Indianola, Mississippi, em uma plantação de algodão onde trabalhou na sua juventude. Uma de suas primeiras influências musicais foi o pai, Will Nelson, que tocava guitarra. Durante sua infância, ele também cantava gospel em uma igreja local. Albert começou sua carreira profissional em um grupo chamado In the Groove Boys, em Osceola, Arkansas.Seu primeiro sucesso foi “I’m A Lonely Man”, lançado em 1959. Entretanto, foi apenas em 1961 com o lançamento de “Don’t Throw Your Love On Me So Strong” que seu nome tornou-se conhecido.

Em 1966 King assinou contrato com a famosa gravadora Stax Records, e em 1967 lançou seu lendário álbum Born Under A Bad Sign. Em 1968 ele foi contratado por Bill Graham para abrir os shows de John Mayall e Jimi Hendrix no Fillmore West, em San Francisco. A platéia logo descobriu de onde vinha a pegada blues de Mayall e Hendrix.Albert King era canhoto e tocava uma guitarra Gibson Flying V virada de forma que as cordas graves ficavam para baixo. King usava suas próprias afinações estranhas, sobre as quais ainda há controvérsia. Um guitarrista com estilo “menos é mais”, King era conhecido por conseguir tirar de uma única nota mais sentimento do que a maioria dos guitarristas conseguia de 1000.Albert King influenciou milhares de guitarristas, incluindo músicos famosos como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Stevie Ray Vaughan e Gary Moore. O solo de Eric Clapton na música “Strange Brew” (Cream, 1968) é uma cópia nota-a-nota do solo de King na música “Pretty Woman”.Albert King morreu em 21 de Dezembro de 1992, vítima de um ataque cardíaco em Memphis, Tennessee.

BIOGRAFIA BIG JOE WILLIANS

2009-03-27T11:06:00.000-07:00

Big Joe Turner, com um corpo grande e obeso e uma voz volumosa e ressonante, conseguia sacudir qualquer casa sem precisar de um microfone. Era um dos originais "shouters", gritadores, estilo que renderia filhos como Little Richard, Arthur Alexander e vários outros, duas décadas depois de seu auge.

Nasceu em 18 de maio de 1911 com o nome de Joseph Vernon Turner, na cidade de Kansas City. Quando o pai morreu em um acidente de carro, Turner, aos 15 anos de idade, foi obrigado a deixar a escola e ajudar a levantar dinheiro para sustentar a casa. Ele e sua irmã mais velha, Katie, trabalhavam como engraxates de rua, onde ele aproveitava e cantava por trocados. Durante a manhã trabalhava como cozinheiro em um hotel, preparando o café da manhã dos hóspedes. No ano seguinte, começou a freqüentar o Backbiter's Club, onde assistia aos músicos que admirava: Count Basie, Mary Lou Williams, Lester Young e toda aquela geração de grandes. Um dia tomou coragem e pediu a Pete Johnson, um pianista de boogie-woogie, que o deixasse cantar. Johnson gostou do que ouviu e passaram a formar uma dupla. Era 1929 e Turner tinha apenas 18 anos.

Joe Turner e Pete Johnson passaram a tocar no Black & Tan Club, onde Turner atendia no bar e depois tinha um set com Johnson, o pianista residente da casa. Em 1936 saíram de Kansas City, onde Turner visitou Chicago, St. Louis e Omaha pela primeira vez. Perto do Natal, já de volta a Kansas City, apresentaram-se no Sunset Club, onde conheceram John Hammond. Assim, Joe Turner foi imediatamente convidado a se apresentar no Carnegie Hall, em Nova York, no espetáculo de Hammond, “From Spirituals To Swing”, o primeiro show montado para um público branco a tentar apresentar a música negra como uma expressão artística e cultural legítima nos Estados Unidos. Hammond procurava Robert Johnson mas acabaria por descobrir que este havia morrido. Joe Turner e Pete Johnson se apresentaram então no Carnegie Hall para a elite branca nova-iorquina, na véspera de Natal de 1938.

A apresentação rendeu um convite para uma gravação e no dia 30 de dezembro gravaram para a Vocalion Records, "Goin' Away Blues/Roll 'Em Pete". Voltaram para Kansas City, mas dentro de um ano estavam de volta a Nova York, deixando Kansas para trás. Logo a dupla iria caminhar por estradas musicais diferentes; Pete Johnson continuando com o boogie-woogie e jazz, enquanto Joe Turner, aos poucos, caminhava para o gênero que seria futuramente chamado de rock 'n' roll. Durante a década de 40, Turner gravaria uma extensa quantidade de material por diversas gravadoras e com diversos músicos diferentes, nunca se prendendo a uma só banda.

Entre seus primeiros clássicos estão "Joe Turner's Blues," "Beale Street Blues", "Piney Brown Blues", "Wee Baby Blues", "Rock Me, Mama", "Corrine, Corrine", "Nobody In Mind", e "I Got Love For Sale". Em 1951, Turner, já devidamente apelidado de Big Joe Turner, podia se orgulhar de ter cinqüenta compactos em catálogo, feito difícil para uma época onde as residências dos negros nem sempre tinham um rádio, muito menos uma vitrola. É sempre bom lembrar, ao analisar esses fatos históricos, que não foi até 1964 que nos Estados Unidos negros e brancos passaram a ter direitos legais iguais. Pelo menos no papel. Antes disto, havia a cultura da segregação muito bem enraizada, principalmente no sul e meio oeste.

Em abril de 1951, Big Joe Turner foi convidado a cantar com seu herói de infância, Count Basie, no notório Apollo Theater, no Harlem. Foi após este show que ele recebeu um convite para assinar com a Atlantic Records, que não perdeu tempo em gravar e o lançar costa-a-costa. Seu primeiro disco pela gravadora, "Chains Of Love", chegou a nº 2 e permaneceu entre os Top 100 por seis meses. Seus outros sucessos seriam "Honey Hush", "Sweet Sixteen" e "TV Mama". Mas foi em 1954, já aos 42 anos de idade, que ele gravaria a canção pela qual sempre será lembrado, "Shake, Rattle And Roll". A canção, escrita especialmente para ele por Jesse Stone, sob o pseudônimo de Charles E. Calhoun, foi gravada em 9 de fevereiro daquele ano e lançada em abril.

Ele regravou "Corrine, Corrine", que seria a única gravação sua a freqüentar não só as paradas de r&b como também a de pop, e se apresentou no filme "Shake, Rattle And Rock" em 1956, cantando o que se tornou o grande hit de Bill Haley & The Comets naquele mesmo ano. Quando perguntado a respeito de ser precursor de um estilo novo, ele diria apenas "Rock 'n' roll não é nada mais do que um nome diferente para o mesmo tipo de música que ando cantando por toda a minha vida".

Ele continuaria a gravar pela Atlantic até 1961, embora o público não estivesse mais interessado, ou sequer se lembrasse mais dele. Big Joe Turner, com sua voz que mais lembrava uma trovoada de tão alta e ressonante, jamais parou de cantar ou de se apresentar. Na década de 70, Turner poderia ser ouvido, alto e claro, em qualquer palco, mesmo de bengala. Continuou gravando discos para pequenas gravadoras até a década de 80. Em 1985, com complicações no fígado, Big Joe Turner morreu sem deixar herdeiros.

BIOGRAFIA OTIS RUSH

2009-03-27T10:57:00.000-07:00

Otis Rush nasceu em 29 de abril de 1935 em Philadelphia, Mississippi e começou a tocar aos oito anos de idade. Em 1949 foi para Chicago visitar sua irmã Elizabeth. Foi quando conheceu Muddy Waters e sua banda, com Little Walter e Jimmy Rogers no Zanzibar. Nesse momento ele decidiu o que queria. Comprou uma guitarra Kay e começou a praticar. Já em 1953 o proprietário de Club Alibi escutou Rush e o convidou para tocar. Ele então formou uma banda e abandonou seu trabalho. O impacto no cenário local foi imediato. Seu estilo de tocar blues logo conquistou vários fãs. Até Muddy Waters se tornou seu admirador.

Entre 1956 e 59 ele gravou para o selo Cobra alguns de seus maiores hits, como "All Your Love (I Miss Lovin)" e "I Can't Quit You Baby", de Willie Dixon. Sua gravação mais famosa é provavelmente "Double Trouble" de 1957. Já sob a produção de Willie Dixon, Rush realizou gravações no lado oeste de Chicago com uma banda que tinha Ike Turner na guitarra, Big Walter Horton e Little Walter nas harmônicas e Little Brown Montgomery no piano. Depois do fechamento da Cobra Records, ele foi para a Chess Records com Dixon onde lançou outro grande clássico: "So Many Roads, So Many Trains".Quando o rock derivado do blues dominou a cena musical no começo dos anos 70 Otis Rush saiu em turnê mundial e retornou em 1971 para gravar a pérola "Right Place, Wrong Time" pela Capitol Records. Inexplicavelmente o álbum permaneceu arquivado por cinco anos, sendo lançado posteriormente pelo pequeno selo Bullfrog, que fez Rush alavancar novamente.

Finalmente em 1994 a carreira de Rush volta a tomar a direção correta. "Ain't Enough Comin' In", seu primeiro álbum de estúdio em 16 anos, produzido por John Porter, da Mercury Records, alcançou o topo das listas dos críticos de blues. Em 1998 ele gravou "Any Place I'm Going", produzido pelo lendário produtor de Memphis, Willie Mitchell, álbum vencedor do Grammy.Passados algum tempo, Otis Rush fez participações em álbuns de Peter Green e John Mayall e contribuiu com músicas para álbuns de tributos a Eric Clapton, Led Zeppelin e Bo Diddley.Dois lançamentos recentes resgatam a época de ouro desse grande bluesmen: "All Your Love I Miss Lovin - Live At The Wise Fools Pub", Chicago, gravado em 1976 e o CD/DVD "Otis Rush and Friends - Live At Montreaux 1986", com participações de Eric Clapton e Luther Allison.

BIOGRAFIA BIG BILL BROONZY

2009-03-27T10:51:00.000-07:00

Big Bill nasceu como William Lee Conley Broonzy em Scott County, no Mississippi no dia 26 de junho de 1893 ou 1898 (o ano exato de seu nascimento é desconhecido). Nessa época era comum homens negros aumentarem a idade a fim de arranjar um emprego ou entrar no serviço militar, o que muito provavelmente foi o caso de Broonzy também.Ele deixou o Mississippi em 1924 e foi para Chicago, onde conheceu Papa Charlie Jackson, que foi quem o ensinou a tocar guitarra. Broonzy gravou primeiramente sozinho, no estilo clássico da época. Ele veio a ser um dos primeiros bluesmen a utilizar uma pequena banda instrumental, incluindo "traps" (um tipo de bateria), baixo acústico e harmônica, já em 1936. Os discos dessa época foram lançados como Big Bill and his Chicago Five. Esses discos foram lançados pelos selos menos expressivos da American Record Corporation, como Melotone e Perfect Records. Em 1939 a ARC foi adquirida pela CBS e Broonzy passou a gravar pela Vocalion Records e em 1945 pela Columbia Records.

Ele saiu em turnê com Memphis Minnie durante a década de 1930 e excursionou pela Europa no início de 1956. Em 1938 ele tocou no festival John Hammond's "From Spirituals To Swing", no lugar de Robert Johnson, que havia morrido pouco tempo antes da realização do show.Embora seja considerado um dos pioneiros do estilo Chicago Blues, por empregar outros instrumentos ao blues, Broonzy sempre era requisitado, principalmente pelo público branco, a tocar sozinho e com seu violão, estilo considerado por muitos como "mais autêntico".Em 1956 ele retornou para Chicago e continuou se apresentando, embora sua saúde já começasse a definhar. Ele morreu de câncer na garganta em 1958. Depois de sua morte, muitas de suas gravações foram relançadas em coleções antológicas pela CBS-Sony.

BIOGRAFIA OTIS SPANN

2009-03-27T10:40:00.000-07:00

Otis Spann nasceu no dia 21 de março de 1930 em Jackson, no Mississippi. Ele é considerado um dos maiores pianistas do blues pós-guerra.Seu interesse pelo piano começou aos oito anos de idade, quando viu a apresentação de um pianista local chamado Friday Ford. Aos quatorze anos ele já tocava em bares, tavernas e juke joints na região de Jackson.Quando sua mãe morreu, em 1947, ele foi mandado para Chicago para ficar com seus parentes. Em Chicago, ele finalmente conheceu seu ídolo, Big Maceo Merriweather, que aceitou o jovem Spann como seu prodígio. Pouco tempo depois de conhecer Big Maceo, em 1952, ele teve a grande oportunidade de sua vida, substituir seu mentor na banda de Muddy Waters. E ele realizou sua primeira gravação com a Muddy Waters Band no dia 24 de setembro de 1953.

Em 1960, Spann lançou seu primeiro disco solo, intitulado "Otis Spann Is The Blues", com Robert Jr. Lockwood na guitarra.Antes de sua morte, em 1970, ele fez diversas e significativas gravações para várias gravadoras como Storyville, Decca e Prestige. Ele ainda gravou com a banda Fleetwood Mac o disco "The Biggest Thing Since Colossus", sendo este o último grande trabalho de Spann.Entretanto, conforme seu trabalho ia ganhando reconhecimento, sua saúde ficava cada vez mais debilitada. Ele morreu no dia 24 de abril de 1970, vítima de câncer, no Cook County Hospital em Chicago.Uma amostra de seu reconhecimento foi no Ann Arbor Blues and Jazz Festival, em 1972, onde Muddy Waters se apresentou. Na ocasião, Lucille, a esposa de Spann, recebeu uma placa homenageando Spann, se referindo a ele como um gênio do blues.

BIOGRAFIA BUDDY GUY

2009-03-27T10:28:00.000-07:00

Buddy Guy, nascido George Guy, em 30 de julho de 1936 em Lettsworth, Louisiana é um guitarrista e cantor norte-americano de blues e rock. Conhecido por servir de inspiração para Jimi Hendrix e outras lendas dos anos 60, Guy é considerado um importante expoente do chamado Chicago blues, tornado famoso por Muddy Waters e Howlin' Wolf.

Tinha cinco irmãos e seus pais eram Sam e Isabel Guy. Cresceu sob os conflitos da segregação racial onde banheiros, restaurantes e assentos de ônibus eram separados para brancos e negros. Com sete anos de idade Buddy fez a sua primeira “guitarra”, um pedaço de madeira com duas cordas amarradas com os grampos de cabelo de sua mãe. Com ela passava o tempo nas plantações e desenvolvia as suas “técnicas” musicais. Depois ele ganhou a sua primeira guitarra de “verdade”, um violão acústico Harmony que hoje se encontra no Hall da Fama do Rock and Roll, em Cleveland, nos EUA. Em 1955, com 19 anos, Buddy trabalhava na Universidade Estadual da Louisiana.

Nunca havia saído do estado quando em 1957 um amigo seu que era cozinheiro em Chicago foi visitá-lo e disse que ele precisava ir para Chicago tocar sua guitarra de noite e trabalhar de dia. Guy se interessou pela proposta financeira, pois poderia ganhar em torno de 70 dólares por semana e quem sabe sair de noite para ver os mestres Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Little Walter e de “quebra”, ainda aprender alguma coisa para tocar sua guitarra em casa. Em 25 de setembro de 1957 Buddy saiu de Lettsworth e chegou em Chicago. O choque foi grande, saindo do ambiente rural e chegando na metrópole totalmente urbana.

Buddy arrumou um emprego e após alguns meses conseguiu uma audiência no 708 Club. Naquela noite chegou ao clube, em um Chevrolet vermelho, nada menos que Muddy Waters. Buddy foi servir sanduíche de salame para ele que perguntou se ele estava com fome. Buddy respondeu que, se ele era Muddy Waters, não estava mais com fome, encontrá-lo o alimentou. Guy começou a tocar em bares de Chicago e seu estilo foi bem aceito. Ele começou a chamar atenção. Gostava de tocar como B.B. King e atuar no palco como Magic Slim. Resolveu, então, enviar uma fita para a gravadora Chess Records, selo tradicional do blues que contava com artistas como Willie Dixon, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Little Walter e Koko Taylor. Em 1960 começou a fazer as guitarras das gravações destes grandes mestres da Chess. Era sempre o primeiro guitarrista a ser chamado pela gravadora.

Mas Buddy não estava satisfeito, pois fazia apenas o acompanhamento. Ele queria mais, queria fazer suas próprias composições. Em 1967 gravou “I Left My Blues” em San Francisco, pela Chess Records.

Em 1968 foi para a Vanguard Records e gravou dois álbuns clássicos: A “Man and His Blues” e “Hold That Plane”. A partir desta época seu estilo agressivo e selvagem de tocar, além de seu vocal rasgante, começaram a chamar a atenção de músicos do rock, principalmente os ingleses. Eric Clapton disse em 2005 que Buddy Guy foi para ele o que Elvis foi para muitos outros. Em 1970 Buddy inicia uma parceria com o gaitista Junior Wells e lança o disco “Buddy and the Juniors”. Em 1972 sai “Buddy Guy and Junior Wells Play the Blues”, disco produzido por Eric Clapton, Tom Dowd e Ahmet Ertegum.

Que pode ser considerado um dos melhores álbuns de Buddy, com clássicos do blues e composições próprias, num som límpido, simples e cru. Em 1974 Guy se associa ao baixista dos Rolling Stones, Bill Wyman, que produz e toca no álbum ao vivo chamado “Drinkin’ TNT ‘n’ Somkin’ Dynamite”. Até quase o final dos anos 80 sua carreira declinou e só voltou a decolar a partir de 1989 quando Buddy abriu o clube “Buddy Guy Legends”, em Chicago, considerado o lugar preferido da maioria dos artistas de blues para se apresentar. Em 1990 – 1991 Guy tocou junto com Eric Clapton no Royal Albert Hall, em Londres, num show somente de guitarristas. Esta participação lhe proporcionou um contrato com a Silvertone Records, onde ele gravou diversos álbuns, mas o primeiro foi “Damn Right, I’ve got The Blues”, de 1991, que contava com a participação especial de Eric Clapton, Jeff Beck e Mark Knopfler. O disco obteve um sucesso incomum para a cena do blues, ganhou disco de ouro, vendeu 500.000 cópias e também ganhou o Grammy.

Dois anos depois, em 1993, gravou “Feels Like Rain” e em 1994 “Slippin’ in”, ganhando o Grammy com os dois discos. O sucesso havia retornado com força. Foi um trabalho de persistência, como disse Buddy: “tinha colocado na minha cabeça que precisava continuar tocando, porque eu sentia que não tinha tido a chance de me expressar com minha guitarra e minha voz. Poucos haviam me ouvido, mas continuei tocando até que a chance veio com ‘Damn right, I’ve got the blues’ e aí estourei! Acho que alguém me ouviu, lá em cima!” E assim veio em 1996 o disco ao vivo “Live: The Real Deal”, em 1998 “Heavy Love”, em 2001 “Sweet Tea”, onde Buddy retornou ao blues de raízes, em 2003 “Blues Singer” e por último, em 2005, “Bring ‘Em in”, onde Guy contou com a participação de Carlos Santana e John Mayer.

Enquanto a música de Buddy Guy é freqüentemente associada ao blues de Chicago, seu estilo é único e inconfundível. Sua música pode variar desde o mais tradicional e profundo blues, à mais criativa, imprevisível e radical agregação entre blues, rock moderno e jazz livre, que se juntam a cada performance ao vivo de maneira inédita. Em 2004, Jon Pareles, crítico de música pop do New York Times, escreveu: "Mr. Guy, 68, mistura anarquia, virtuosismo, blues denso e suas vertentes de uma maneira única, prendendo a si todas as atenções da audiência (...) Guy adora extremos: mudanças repentinas entre sons pesados e leves, ou um doce solo de guitarra seguido por um surto de velocidade, ou peso, improvisando idas e vindas com a voz... Seja cantando com doçura ou raiva, seja trazendo novas entonações a uma nota de blues, ele é um mestre da tensão e do relaxamento, e sua concentração e dedicação são hiponotizantes." Alguns fãs de blues e críticos musicais acreditam que a discografia de Guy no período de 1960 a 1967 agrupa a melhor parte de seu trabalho. Algumas das novidades apresentadas por Buddy durante suas primeiras apresentações ao vivo foram capturadas pelos álbuns do "American Folk Blues Festival". Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page admiravam o lado mais radical de suas músicas, no início dos anos 60. Suas músicas foram regravadas por Led Zeppelin, Eric Clapton, Rolling Stones, Stevie Ray Vaughan, John Mayall, Jack Bruce, entre outros. Algumas de suas primeiras canções foram “roubadas” por Willie Dixon e pelas primeiras gravadoras por onde Guy passou.

Além disso, Guy talvez seja mais conhecido por suas interpretações criativas sobre os trabalhos de outros músicos. Fãs de blues mais tradicionais parecem apreciar os seguintes álbuns: "The Very Best of Buddy Guy", "Blues Singer", "Junior Wells' Hoodoo Man Blues", "A Man & The Blues" e "I Was Walking Through The Woods". Os fãs mais contemporâneos parecem preferir "Slippin’ In", "Sweet Tea", "Stone Crazy", "Buddy's Baddest: The Best Of Buddy Guy", "Damn Right", "I’ve Got The Blues", e "D.J. Play My Blues". Uma performance ao vivo pode ser assistida no vídeo "Live! The Real Deal" e ele ainda está presente nos seguintes DVDs: "Lightning In a Bottle", "Crossroads Guitar Festival", "Eric Clapton: 24 Nights", "Festival Express", e "A Tribute to Stevie Ray Vaughan".

BIOGRAFIA FREDDIE KING

2009-03-27T08:54:00.001-07:00

Freddie King foi uma figura essencial de uma geração de guitarristas que praticamente escreveu toda a gramática fundamental do blues moderno. Seu fraseado conhecido pelo termo “down home thumb picking”, que consistia em usar o polegar da mão direita para tocar, em vez da palheta, era limpo, preciso e excelente do ponto de vista técnico. A energia que emanava de sua música, aliada a sua técnica, inspirou lendários instrumentistas que deixaram sua marca na história, como Stevie Ray Vaughan, Mick Taylor e Eric Clapton, apenas para citar alguns. Hoje, a sonoridade do guitarrista texano pode parecer meio batida, mas é preciso ter em mente que, no final dos anos 60, King foi responsável por dar uma cara mais moderna ao blues, incorporando novos elementos que, até hoje, fazem parte do gênero.

O jardim pós-guerra do blues florescia em Chicago no final da década de 40 e início dos anos 50, chegando ao público por intermédio de nomes como Jimmy Rogers, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Eddie Taylor e T-Bone Walker. Foram esses personagens que o jovem Freddie King, então com 16 anos de idade, encontrou ao se mudar para a cidade grande.Assim como o estilo musical que corria em suas veias. Freddie King nasceu no sul dos EUA, mais precisamente em Gilmer, no Texas, em 30 de setembro de 1934. Seu primeiro contato com o blues country veio por meio de sua mãe e de seu tio, que o iniciaram no violão aos seis anos de idade.

BIOGRAFIA JOHN LEE HOOKER

2009-03-27T06:37:00.000-07:00

John Lee Hooker nasceu em 22 de agosto de 1917 e morreu em 21 de junho de 2001. Foi um influente cantor e guitarrista de blues americano, nascido em Clarksdale, Mississipi.A carreira de Hooker começou em 1948 quando ele alcançou sucesso com o compacto “Boogie Chillen”, apresentando um estilo meio falado que tornaria-se sua marca registrada. Ritmicamente, sua música era bastante livre, uma característica que ele tinha em comum com os primeiros músicos de delta blues. Sua entonação vocal era menos associada à música de bar em relação aos outros cantores de blues. Seu estilo casual e falado errado seria diminuído com o advento do blues elétrico das bandas de Chicago mas, mesmo quando não estava tocando sozinho, Hooker mantia as características primordiais de seu som.

Ele o fez, entretanto, levando adiante uma carreira solo, ainda mais popular devido ao surgimento de aficcionados por blues e música folk no começo dos anos 1960, inclusive passou a ser mais conhecido entre o público branco, e deu uma oportunidade ao iniciante Bob Dylan. Outro destaque de sua carreira aconteceu em 1989, quando se juntou à diversos astros convidados, incluindo Keith Richards e Carlos Santana, para a gravação de The Healer, que acabaria ganhando um Grammy.Hooker gravou mais de 100 álbuns e viveu os últimos anos de sua vida em São Francisco, onde era dono de um clube noturno chamado “Boom Boom Room”, nome este inspirado em um de seus sucessos.

BIOGRAFIA MUDDY WATERS

2009-03-27T05:13:00.000-07:00

Muddy Waters nasceu em 4 de abril de 1915 na cidade de Issaquena Country, no Mississippi, foi um músico de Blues norte-americano, considerado o pai do Chicago Blues. Seu nome completo de batismo é McKinley Morganfield. O nome artístico (em português, Águas Lamacentas) ele ganhou devido ao costume de quando criança brincar em um rio. Ele mudaria-se mais tarde para Chicago, Illinois, onde trocou o violão pela guitarra elétrica. Sua popularidade começou a crescer entre os músicos negros, e isso o permitiu passar a se apresentar em clubes de grande movimento. A técnica de Waters é fortemente característica devido a seu uso da braçadeira na guitarra. Suas primeiras gravações pela Chess Records apresentavam Waters na guitarra e nos vocais apoiado por um violoncelo. Posteriormente, ele adicionaria uma seção rítmica e a gaita de Little Walter, inventando a formação clássica de Chicago blues.

Com sua voz profunda, rica, uma personalidade carismática e o apoio de excelentes músicos, Waters rapidamente tornou-se a figura mais famosa do Chicago Blues. Até mesmo B. B King referiria-se a ele mais tarde como o “Chefe de Chicago”. Suas bandas eram um “quem é quem” dos músicos de Chicago blues: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Willie Dixon, Otis Spann, Pinetop Perkins, Buddy Guy, e daí em diante. As gravações de Waters do final dos anos 50 e começo dos 60 foram particularmente suas melhores. Muitas das músicas tocadas por ele tornaram-se sucesso: “I’ve Got My Mojo Working”, “Hoochie Coochie Man”, “She’s Nineteen Years Old” e “Rolling and Tumbling”, grandes clássicos que ganhariam versões de várias bandas dos estilos mais diversos.

Sua influência foi enorme em muitos gêneros musicais: blues, rhithmy and Blues, Rock, folk , country. Foi Waters quem ajudou Chuck Berry a conseguir seu primeiro contrato.Suas turnês pela Inglaterra no começo dos anos de 1960 marcaram provavelmente a primeira vez que uma banda pesada, amplificada, se apresentou por ali (certo crítico sentiu-se obrigado a sair de um show para escrever sua análise por achar que a banda tocava muito alto). As músicas de Waters inclusive exerceram grande influência nas bandas britânicas. Os Rolling Stones tiraram seu nome de “Rollin’ Stone”, de 1950, mais conhecida como “Catfish Blues”. Um dos maiores sucessos do Led Zeppelin, “Whole Lotta Love”, foi baseado em “You Need Love”, composta por Willie Dixon. Foi Dixon quem compôs algumas das músicas mais conhecidas de Muddy Waters, como “I Just Want to Make Love to You”, “Hoochie Coochie Man” e “I’m Ready”.Entre outras canções com as quais Waters tornou-se conhecido estão “Long Distance Call”, “Mannish Boy” e o hino do rock/blues “I’ve Got My Mojo Working”.

BIOGRAFIA B.B KING

2009-03-27T04:49:00.000-07:00

Riley Ben King, mais conhecido como B. B. King, nasceu em uma plantação de algodão em 16 de setembro de 1925 em Itta Bena, perto de Indianola no Mississippi, Estados Unidos da América.Teve uma infância difícil. Aos nove anos de idade, o bluesman vivia sozinho e colhia algodão, trabalho que lhe rendia 35 centavos de dólar por dia. Começou tocar a troco de algumas moedas, na esquina da Igreja com a Second Street. No ano de 1947, partia para Memphis, no Tennessi, apenas com sua guitarra e $2,50 de dolar. Como pretendia seguir a carreira musical, a cidade de Memphis era o local onde se cruzavam todos os músicos importantes do Sul, sustentava uma vasta e competitiva comunidade musical em que todos os estilos musicais negros eram ouvidos.

Nomes como Django Reinhart, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Charlie Christian e T- Bone Walker tornaram-se ídolos de B. B . King."Num sábado à noite ouvi uma guitarra elétrica que não estava a tocar espirituais negros. Era T-Bone interpretando "Stormy Monday" e foi o som mais belo que alguma vez ouvi na minha vida." recorda B. B. King, "Foi o que realmente me levou a querer tocar Blues". A primeira grande oportunidade da sua carreira surgiu em 1948, quando atuou no programa de rádio de Sonny Boy Williamson, na estação KWEM, de Memphis. Sucederam-se atuações fixas no "Grill" da Sixteenth Avenue e mais tarde um spot publicitário de 10 minutos na estação radiofónica WDIA, com uma equipe e direção exclusivamente negra. "King’s Sport", patrocinado por um tônico, tornou-se então tão popular que aumentou o tempo da transmissão e se transformou no "Sepia Swing Club".

King precisou de um nome artístico para o rádio. Ele foi apelidado de "Beale Blues Boy", como referência à música "Beale Street Blues", foi abreviado para "Blues Boy King" e eventualmente para B. B. King. Por mera coincidência, o nome de KING já incluia a simples inicial "B", que não correspondia a qualquer abreviatura.Pouco depois do seu êxito "Three O' Clock Blues", em 1951, B. B. King começou a fazer turnês nacionais sem parar, atingindo uma média de 275 concertos/ano. Só em 1956 B. B. King e a sua banda fizeram 342 concertos! Dos pequenos cafés, teatros de "gueto", salões de dança, clubes de jazz e de rock, grandes hotéis e recintos para concertos sinfônicos aos mais prestigiados recintos nacionais e internacionais, B. B. King depressa se tornou o mais conceituado músico de Blues dos últimos 40 anos, desenvolvendo um dos mais prontamente identificáveis estilos musicais de guitarra, a nível mundial. O seu estilo foi inspirador para muitos guitarristas de rock. Mike Bon, Albert Collins, Buddy Guy, Freddie King, Jimi Hendrix, Otis Rush, Jonhy Winter, Albert King, Eric Clapton, George Harrison e Jeff Beck foram apenas alguns dos que seguiram a sua técnica como modelo.

Em 1969, B. B. King foi escolhido para a abertura de 18 concertos dos Rolling Stones. Em 1970 fez uma turnê por Uganda, Lagos e Libéria, com o patrocínio governamental dos E.U.A. Começou a participar da maioria dos festivais de Jazz por todo o mundo, incluindo o Newport Jazz Festival e o Kool Jazz Festival New York, e sua presença tornou-se regular no circuito por universidades e colégios.Em 1989 fez uma tournê de três meses pela Austrália, Nova Zelândia, Japão, França, antiga Alemanha Ocidental, Países Baixos e Irlanda, como convidado especial do U2, participando igualmente no álbum "Rattle and Hum", deste grupo, com o tema "When Love Comes to Town".

Em 26 de Julho de 1996, B. B. King, aproveitando o fato de ter um concerto agendado para Stuttgart, deslocou-se propositalmente de avião até à base aérea de Tuzla, para atuar perante tropas da Suécia,Rússia, Bélgica e E.U.A., estacionadas na Bósnia num esforço conjunto de manutenção da paz. No dia seguinte, voou para a base aérea de Kapsjak, para nova atuação junto de tropas norte-americanas. B. B. King confessa: "Foi emocionante atuar para estes homens e mulheres. Apreciamo-los e queremos que eles saibam que têm o nosso total apoio na sua árdua tarefa de manutenção da paz." B. B. King terminou 1996 com uma turne pela América Latina, com concertos no México, Brasil, Chile, Argentina, Uruguai e, pela primeira vez, no Peru e Paraguai. O "Rei do Blues" totaliza mais de 90 países onde atuou até hoje.

Ao longo dos anos tem sido agraciado com diversos Grammy Awards: melhor desempenho vocal masculino de Rhythm & Blues, em 1970, com "The Thrill is Gone", melhor gravação étnica ou tradicional, em 1981, com "There Must Be a Better World Somewhere", melhor gravação de Blues tradicionais, em 1983, com "Blues'N Jazz" e em 1985 com "My Guitar Sings the Blues". Em 1970, "Indianopola Missisipi Seeds" concede-lhe o "Grammy" de melhor capa de álbum. A Gibson Guitar CO nomeou-o "Embaixador das guitarras Gibson no Mundo".

http://www.youtube.com/watch?v=H4UP2A419cQ

NOVA APARIÇÃO DE MR. MOJO.

2009-03-25T11:22:00.000-07:00

Naquela noite tudo estava no seu devido lugar, parecia que nada de extraordinário iria quebrar a rotina. Fazia frio, muito frio, em meados de junho, o vento assoviava na janela do quarto, mas o céu estava limpo e estrelado. As pessoas caminhavam nas ruas, de luvas, sobretudo, mantas, toucas, jaquetas de couro, chapéus de lã rumo aos bares e cafés. Lá do quinto andar eu espreitava pela janela do meu quarto o movimento, o vai e vem de carros e pessoas, a tradicional agitação que ocorria todos os sábados a noite. O relógio do celular marcava 22:30h. Esperava algum telefonema, de um amigo, de um conhecido para amenizar a solidão implacável. Pluguei minha guitarra á pequena caixa amplificada, mas logo desisti, já passava das dez horas, os vizinhos poderiam reclamar do barulho. Pensei em sair mesmo sozinho, entrar em um bar e tomar um vinho. Peguei minha carteira e constatei que não possuía nenhum tostão furado. A solução era escutar um som, ler um livro ou dormir.

Mas não havia nem sequer resquício de sono, então, das três alternativas escolhei a primeira. Liguei o som e coloquei tocar um mp3 do John Lee Hooker, arrastei a cadeira que se localizava em frente à raque do computador até a janela e fiquei como mero espectador, ouvindo Blues e assistindo o movimento da rua. O quarto estava mergulhado no breu, apenas uma pequena réstia de luz vinda de algum poste adentrava pela janela e deixava transparecer a silhueta dos móveis. Um estranho vazio se apossou de mim. O que eu era afinal? Qual o motivo pelo qual eu acordava todas as manhãs? Deveria haver algo maior, algo que justificasse a minha até então, insignificante existência. Uma crise existencial começou a perturbar a minha alma. Me veio a mente, de forma repentina uma máxima, o autor não me recordo mas era a seguinte: “Uns nascem para o suave deleite, outros, para os confins da noite”. E eu? Nasci para que?

Enquanto os solos sensuais e vigorosos da guitarra de Hooker ecoavam na minha mente, eu deixava minha alma se embalar no compasso daquele Blues. A cadência da música me despertava um sentimento selvagem, me transportava a um mundo sem fronteiras, sem regras, me excitava os sentidos e me provocava pensamentos libidinosos. A cada solo efusivo minha alma oscilava da melancolia ao êxtase em um curto espaço de tempo. Pensei: “O Blues, a melhor coisa que existe depois das mulheres, e não necessariamente nesta ordem”.

- Concordo com você? Respondeu uma voz de tenor, que com certeza eu já havia ouvido antes, em algum lugar. Tomei um tremendo susto, pulei da cadeira na qual estava sentado e rapidamente olhei para o interior do quarto. Ora quem poderia ser? Mr Mojo, lá estava ele com seu inconfundível chapéu, sentado em minha cama, fumando calmamente um cigarro.
- Procurando se encontrar garoto? Indagou.
- Não, tentando encontrar o sono. Respondi
- Mas como entrou aqui?
- Eu tenho meus truques, e não tente mentir para mim, você não quer dormir.
- Não, na verdade me sinto só, vazio, procurando algum sentido para continuar a levantar todas as manhãs.
- Ora, ora, todos estamos buscando algum sentido para a vida, apesar dela não ter nenhum. Afirmou Mojo.
- Deve haver algum, creio que sim.
- A vida só terá um sentido, depois que encontrarmos a nós mesmos.
- Muito filosófico da sua parte, mas não sou chegado a metafísica.
- Nem eu, meu filho, acredite, não se trata de metafísica, somos aquilo que sentirmos ser.
- E você, o que você é? Um fantasma, o demônio que levou a alma de Robert Johnson?! Perguntei irritado.
- Ora vejam só, está cada vez mais interessado na história do Blues!
- E como não poderia estar? Se uma das coisas que mais gosto de fazer é tocar e ouvir Blues?!
- E as outras coisas, quais são? Perguntou Mojo.
- Não sei. Sei que não posso viver do Blues, é apenas uma diversão.
- Mas me responda, afinal de contas quem é você? Um fantasma?
- Talvez, mas é mais certo afirmar que eu sou o reflexo fiel da sua alma. Respondeu Mojo.
- Essa é boa, eu não sou nem parecido com você. Olhe para a cor da sua pele, a sua altura.
- Eu não represento a sua forma física, eu represento a sua alma, a alma de todo o bluesman é negra.
- Eu não sou um bluesman, não tenho fama e nem toco tão bem assim.
- Quanto à fama não sei, mas se continuar estudando será um bom guitarrista de Blues. Tem tudo para que isso aconteça, sua alma é negra, sua alma é de um bluesman, acredite garoto.
- Como pode saber tanto sobre mim? Perguntei
- Eu faço parte de você, eu estou em você, e você está em mim.
- Como isso é possível?
- Você terá que compreender sozinho.
- Mas todas as histórias que me conta?
- A sua alma já sabia. Eu apenas fiz questão de lembrá-la.
- Que conversa mais sem nexo!
- Existem muitas coisas ocultas meu garoto, você é um dos poucos que possuí a dádiva de conhecê-las.
- De qualquer forma, não posso levar a vida como músico, ainda mais de Blues, devo estudar, trabalhar como a maioria das pessoas normais, não devo dar ouvidos a um fantasma, por favor, não tenho nada contra você, mas não me perturbe mais, você me deixa confuso!
- A dúvida é o diabo. Você sabe o que quer, mas não admite. Não vai precisar ganhar dinheiro com o Blues se é isso que está pensando, sua missão é cultivá-lo, transmiti-lo as gerações futuras para que ele não se perca. Somente dessa forma o sofrimento daqueles escravos nas plantações de algodão do sul dos Estados Unidos não terá sido em vão.
- Mas eu sou apenas um jovem pobre, que gosta de tocar Blues, não tenho poderes para levar adiante tal missão.
- Procure no fundo da sua alma, e encontrará a resposta, não tenha medo do desconhecido, porque um dia ele já foi revelado.
- Bem está na hora, vou embora.
- Espere! Nada ficou claro para mim.
- Mas em breve ficará. Até mais.

Acordei no domingo de manhã, deitado no chão, percebi que nem a roupa havia tirado. Pensei: “Devo ter pegado no sono, e sonhado, um sonho muito esquisito. Deixa pra lá, foi só um sonho, vou tomar meu café da manhã”.

BENDITO OU MALDITO BLUES?

2009-03-24T17:01:00.000-07:00

O Blues sempre foi cercado de lendas e mistérios. Há quem diga que o demônio é quem concede o dom e a inspiração aos Bluesmans. Esse argumento além de místico contradiz os fatos históricos. Se o Blues surgiu da instrumentalização das Work-songs (canções de trabalho) e dos Spirituals que nada mais eram que cantos religiosos praticados pelos negros escravos no sul dos Estados Unidos fica no mínimo incompatível associar a primeira hipótese com a segunda, a menos que Deus e o diabo andem de mãos dadas. É bem verdade que se analisarmos as biografia de muitos bluesmans principalmente a de Robert Johnson, o mais polêmico, vamos encontrar uma infinidade de indícios de que o demônio deu a sua contribuição para o desenvolvimento do Blues. Mas também não se pode descartar o fato de que muitos Bluesmans oriundos do Mississipi possuía como prática religiosa o Voodoo, espécie de seita onde são praticado rituais de magia negra. É pertinente comentar que a maioria dos bluesmans famosos como: Robert Johnson, B.B. King, Blind Willie Mectell, Blind Lemon Jefferson, Blind Blake, Blid Boy Fuller, Duanne Alman, Eric Clapton, Steve Ray Voughan, tiveram suas vidas marcadas pela dependência de drogas, se envolveram em acidentes e morreram trágicamente, levaram uma vida sofrida nas ruas, ou tiveram inúmeros problemas com mulheres.

Lenda ou não, dizem os místicos que o diabo concede a seus escolhidos o talento, a fama e a glória, mas em troca quer a alma do Bluesman e transforma sua vida pessoal em um verdadeiro inferno. Existem grupos evangélicos que acreditam piamente nisso, segundo eles, Lúcifer era o regente da orquestra celestial antes de se rebelar contra Deus. O que fica evidente na carreira da maioria dos bluesmans é o comportamento libertino, Boêmio, rebelde, exótico, ou seja, contra-cultural e underground por essência. Mas isso não nos leva a crer que o diabo tenha sua participação, nem como coadjuvante e menos ainda como protagonista.

A vida de grande parte dos bluesmans foi marcada por sexo, álcool e drogas, herança essa que foi deixada para os roqueiros, que diga-se de passagem, souberam administrar muito bem. De acordo com os relatos históricos, depois do Blues ter chegado as grandes cidades do delta do Mississipi ele se tornou urbano e difundido principalmente nos prostíbulos, casas de jogos e bares, os quais eram ambientes comuns nos guetos de Chicago e cidades vizinhas. Eram esses recintos que os bluesmans mais freqüentavam, a partir disso fica no mínimo inviável querer que o comportamento desses músicos fosse diferente.

A lenda de que o diabo teria ensinado Robert Johnson a tocar violão pode ser traduzida de outra forma. A maior parte dos bluesmans nunca freqüentaram escolas de música, quase todos eram autodidatas, pois possuíam, ou na família ou no circulo de amigos alguém que sabia tocar um violão ou uma gaita de boca, isso era tradição nas famílias afro-americanas, principalmente as que habitavam a região do delta do Mississipi.

Outro fator que contribuiu foi a condição do negro liberto no sul dos Estados Unidos, sempre enfrentando o preconceito a segregação racial, e grupos como o Ku Kux Klan que cometia crimes como: matar, incendiar igrejas freqüentada por negros, impedir que eles freqüentassem os mesmos lugares que os brancos entre outras atrocidades. O próprio cinema Hollywoodiano retrata bem essa época no filme Mississipi em Chamas. Foi essa condição que fez com que muitos negros norte-americanos se tornassem delinqüentes, marginais e andarilhos. Sua única saída era a música, o Blues, que apesar de ser sucesso também entre a população branca, no início era ouvido somente por negros. E os próprios Bluesmans afirmavam que não faziam música para brancos ouvirem, só depois de algum tempo as diferenças raciais se amenizaram, porém não desapareceram. Mas se você é um aficionado por Blues, ou se considera um bluesman, não importando a cor da sua pele, tome cuidado, pode ser que em alguma encruzilhada ele esteja te esperando. Caberá então a você decidir vender ou não a sua alma.

O BLUES É SENTIMENTO.

2009-03-24T07:52:00.000-07:00

Nas férias de verão, em meados de janeiro de 2000, retornei a pacata cidadezinha interiorana onde nasci. Sempre achei que o interior do sul do Brasil com seus campos nativos, suas matas e riachos concentrava um certo romantismo saudosista e porque não dizer bucólico. Com uma mochila nas costas eu caminhava despreocupadamente pela estrada estreita e empoeirada daqueles confins. O silêncio dessas paragens por muitas vezes me fazia refletir sobre meus planos e ambições, o ambiente era perfeito para realizar um balanço de tudo que fiz ou deixei de fazer, e o que realmente me importava. Naquele silêncio melancólico, os pensamentos e lembranças fluíam junto às águas daqueles pequenos riachos e sangas que serpenteavam ao longo da estrada. O único som que por vezes quebrava o silêncio eram os diferentes cantos das mais variadas espécies de pássaros silvestres.

Apesar de ser verão, a temperatura se apresentava mais amena devido à sombra das frondosas árvores do parque florestal. Eu seguia em frente, na verdade sem destino, queria apenas caminhar até a exaustão, e depois descansar à sombra de uma daquelas enormes araucárias. Caminhava a passos lentos contemplando a paisagem, aquela imensidão de campos verdes, talvez representassem para mim a imensidão da minha esperança juvenil. Nesses lugares remotos, as agruras da natureza não são comparáveis ao desgaste psíquico que a rotina frenética das grandes cidades nos oferece. Meu corpo estava em movimento, mas minha consciência repousava e dava espaço aos sonhos mais utópicos que nela estavam armazenados.

A paz dos campos embalava a minha alma que se tornava inocente como um infante. Longe das preocupações, ali não havia espaço para os dissabores e desgostos da vida, o passado era esquecido, quase que apagado por completo. Minhas reflexões e o silêncio foi cortado com um som de uma harmônica que vinha de muito longe trazido pelo vento que agitava os pastos e a copa das árvores. Olhei ao redor e para o horizonte aberto daquelas planícies e não avistei nenhum resquício de vida, nenhuma casa, nenhum chalé, nada. O que se via era apenas um rebanho de bovinos e algumas ovelhas pastando ao longe. Continuei caminhando. Ao passo que avançava pela estrada o som parecia estar cada vez mais perto. A música com certeza não era regional, milonga, rancheira ou coisa parecida, era muito mais melancólica, às vezes efusiva, mas era bela.

Caminhei cerca de uns dois quilômetros quando avistei uma cena que se tornaria comum a partir desse acontecimento. Lá estava ele, debaixo da sombra de um pinheiro, sentado na relva tocando sua gaita de boca. Pensei:
“Não pode ser ! Outra vez não, alucinações novamente!”
Continuei andando e cheguei perto do sujeito. Agora tinha certeza, era Mr Mojo.
- Olá rapaz, que bom revê-lo!
- Bom dia. Respondi friamente.
- Belas paisagens por aqui não é?
- Certamente. Respondi.
- E você o que faz por aqui? Perguntei
- O mesmo que você meu jovem, buscando respostas.
- Quem disse que estou buscando respostas?
- Seus olhos. Respondeu o sujeito.
Mojo pegou sua gaita e a guardou no bolso da calça.
- Sente aqui rapaz, descanse um pouco, a sombra está maravilhosa.
- Não posso, tenho que voltar para casa, e nem mesmo lhe conheço, não costumo conversar com estranhos.
- Ora, ora, você me conhece sim, não lembra da noite da festa?
- Sim, mas de qualquer modo não sei quem você é, de onde vem, o que faz da vida.
- E é preciso saber tanta coisa sobre mim? Indagou o sujeito.
- Olha, sempre estou aberto a novas amizades, mas primeiro tenho que confiar nelas, e você não me deu nenhum motivo até agora para que isso aconteça.
- Bem, é verdade, mas de qualquer forma insisto, sente-se.
Permaneci de pé e perguntei:
- O que estava tocando?
- A sim, um velho Blues, nada mais.
- Blues! Adoro Blues!
- Eu sei. Respondeu ele.
- Ora, como pode saber se nem me conhece?
- Não precisa conviver com uma pessoa para conhecê-la, basta olhar dentro dos olhos dela e analisar sua alma.
- Então você é um vidente? Perguntei de forma irônica.
- Talvez, digamos que eu tenha um sexto sentido mais aguçado.
- Então o que quer de mim?
- Nada, quero apenas mostrar quem realmente você é.
- Eu sei muito bem quem eu sou, não preciso de uma psicanálise para descobrir.
- Existem muitas coisas que escondemos de nós mesmos, para que os outros não percebam, a maioria mente para si mesmo. Disse ele.
- Você sabe apenas que gosto de blues. Afirmei.
- E que toca blues também, e isso basta para mim. Respondeu Mojo.
Pensei: “Bom, não me faltava mais nada conversando com um fantasma”.
- Olha diga o que quer de mim e vamos encerrar essa conversa o mais breve possível.
- Como quiser. Respondeu.
- Você quer ser um verdadeiro Bluesman? Perguntou ele.
- Ora, quem não quer ser um astro do Blues! Mas acho que não tenho talento para tanto.
- Ser um astro do Blues não significa ser um verdadeiro Bluesman. Respondeu Mojo.
- É? E o que significa ser um bluesman? Ser como você? Ironizei novamente.
- Talvez? Mas o mais importante é viver como um bluesman?
- Olha estamos no Brasil, e não na região do delta do Mississipi.
- Quem lhe disse que um verdadeiro Bluesman precisa ser dessa região que você mencionou?
- A história prova.
- A história pode ser mudada, não o que passou, mas o que está por vir. Afirmou ele.
- Bom como vou me tornar um bluesman de verdade então?
- Meu filho o Blues é simples como os sentimentos e tão profundo quanto eles, se você souber canalizar seus sentimentos na música enquanto toca, vai aprender que é na simplicidade que residem as harmonias e melodias mais belas. O Blues é muito mais que uma música, é um estado de espírito. Dentro de apenas três acordes e uma escala teoricamente acessível como é a Penta-Blues você pode descobrir um universo de possibilidades. Continuou:
- Quando tocar, imprima nas cordas da sua guitarras seus sentimentos, procure fazer isso sem maiores pretensões, lembre-se sempre, simplicidade, paixão e sentimento, eis a fórmula para se tornar um verdadeiro Bluesman.
Uma carroça que vinha passando pela estrada desviou minha atenção, deixando uma imensa nuvem de poeira pairando no ar. Quando a poeira se dissipou, ele não estava mais lá. Corri gritando atrás da carroça puxada por bois, até que o carroceiro parou.
- Bom dia Senhor!
- Bom dia moço!
- Poderia me dar uma carona o mais próximo da cidade possível?
- Mas é claro suba! Só não se importe com o sacolejo!
- Nem um pouco. Respondi
E lá fomos nós estrada a fora rumo a cidade, olhei para traz e vi apenas poeira e mais poeira. Aos poucos ela foi baixando, quando ao longe surgiu Mr Mojo acenando com a gaita na mão.
- Até breve meu jovem, até breve!

A PRIMEIRA APARIÇÃO DE MR. MOJO.

2009-03-23T16:14:00.000-07:00

Desde muito cedo convivo com a impertinente presença de Mr Mojo Slim. Esta entidade, que muitas vezes se apossa de mim nas situações mais inusitadas e inesperadas já me causou inúmeros problemas. Na verdade não lembro exatamente quando isso começou, sei que foi após um presente que ganhei no natal de 1999. Sempre fui fascinado por musica. Parava em frente às vitrines das lojas que vendiam instrumentos musicais e ficava ali parado durante uns bons minutos contemplando os instrumentos. Na adolescência começou a despertar em mim o amor pelo Rock `n ´Roll, sentimento que aos poucos foi se camuflando mas ainda continua guardado num cantinho da minha alma.

Retornando aquela manhã de 25 de dezembro de 1999, fui surpreendido quando minha mãe entrou sala adentro com um violão nos braços, dizendo que ele era todinho meu. Quanta euforia! Era tudo o que eu sonhava naqueles tempos. O próximo passo seria arranjar um professor e começar a aprender, e foi o que aconteceu. Alguns dias depois procurei uma escola de música e me matriculei em um cursinho básico de violão e comecei a tomar as primeiras lições. O começo foi complicado, uma vez que eu não possuía nenhum músico na família. Após as aulas me trancava no quarto e ficava horas a fio retomando as lições, tinha pressa em aprender.

Após várias tentativas de abandonar o ofício, aprendi o básico, me tornei então um iniciante. Após dominar os truques e macetes, montar os acordes e digitar as escalas comecei a tentar executar a harmonia de alguns Rocks, ainda com muita dificuldade. O tempo passou, e após muita dedicação e perseverança já estava conseguindo executar a base de algumas canções já com uma certa facilidade. Estava na hora de aprender os arranjos, os solos a parte mais complicada para qualquer iniciante.

Meu professor sempre muito tranqüilo me passou a tablatura das primeiras escalas, as quais eu deveria decorar para começar a executar os solos.
- Muito bem. Disse ele.
- Vamos começar pela mais fácil, essa é a escala pentatônica a qual é muito utilizada no Rock, ela faz parte das escalas menores, é de origem um tanto quanto desconhecida, mas os historiadores afirmam que provavelmente ela tenha se originado no oriente. Outra escala que irei lhe mostrar é a escala típica de Blues, que nada mais é que a adição de algumas notas a mais na pentatônica, formando assim a penta-blues, essas notas adicionais chamam-se “Blues Not” em inglês ou nota de Blues, trata-se da inclusão da quinta diminuta na escala pentatônica.
- Blues? Que tipo de som é esse. Perguntei.
- Não me interesso por esse tal de Blues, quero aprender tocar Rock! Disse eu.
- Mas então garoto o Rock surgiu do Blues, e essas escalas são muito utilizadas no Rock, será melhor que aprenda primeiro o Blues para depois começar a compreender melhor as técnicas de harmonia e melodia utilizadas no Rock.
- Tudo bem, o professor é você.
- Então vamos lá, toque o acorde de mi maior, o primeiro toque deve ser ligeiramente mais longo que o segundo, ou seja, deve durar “dois terços” do tempo e o segundo “um terço”. Esse fenômeno é chamado de tercina, que nada mais é que o tempo dividido em três partes iguais. A tercina é a célula rítmica que rege o Blues essência maior do Rock. Depois toque da mesma forma em lá, volte para mi e finalize indo para si e em seguida volte pra mi, compreendeu?
- Acho que sim, vou tentar.

As primeiras tentativas foram frustradas, durante uma hora de aula fiquei fazendo o mesmo exercício, porém não obtive êxito. Voltei para casa desanimado e a ponto de desistir. Mas a vontade de tocar Rock `n `Roll era maior que o desânimo, e lá estava eu novamente trancado no quarto, e decidi não sair de lá até pelo menos conseguir acertar uma vez. Finalmente consegui completar o exercício, e nos dias que se seguiram pratiquei-o cada vez mais até realiza-lo sem esforço, mas de forma natural. Nas aulas posteriores labutei para conseguir acertar a digitação das duas escalas a serem aplicadas nos solos. Após alguns meses de um esforço, que para as minhas limitações chegava a ser sobre-humano, consegui memorizar e aplicar a digitação no instrumento de forma tranqüila e com uma certa habilidade.

O que me pareceu estranho durante esse tempo, é que a medida que praticava aqueles simples exercícios de base e solo do Blues, o ritmo e a melodia pareciam que sugavam minha alma para dentro do instrumento, cada frase transmitia um sentimento que variava da melancolia a euforia. Aquelas escalas e acordes, aquele ritmo começou a tomar conta dos meus sentidos e pouco a pouco se tornou uma espécie de vício. Sempre que pegava meu violão para estudar, as primeiras escalas e acordes eram aqueles, os mais simples, mas os que mais me davam prazer em executar.

Aos poucos a vontade de tocar Rock `n`Roll foi ficando cada vez mais esquecida e foi aos poucos sendo substituída pela vontade de tocar aquele som que eu nunca tinha ouvido falar, mas que era para mim um sopro de vida, e assim o Blues tornou-se parte de mim e do meu dia-a-dia. Aquele som simples, de três acordes na base, que compreendiam a tônica , a quarta e a quinta notas da escala junto ao compasso de três tempos me hipnotiza, levava a minha alma a um estado de plena satisfação. A partir desses acontecimentos foi que comecei a entrar em contato, sem querer com essa criatura estranha chamada Mr Mojo Slim, que eu não sei se é fruto da minha imaginação ou do meu fanatismo pelo Blues, ou é um espírito que me revela coisas realmente reais.
A primeira vez que confidenciei isso a um amigo, esse deu o diagnóstico imediatamente.
- Procura um psiquiatra, você não está bem, como pode ver e ouvir alguém que os outros não enxergam e nem escutam? Isso pode estar ocorrendo devido a essa sua fixação pela música, pelo Blues em particular.

Lembro bem da primeira vez que fui acometido por essas alucinações. Estávamos fazendo uma festa de confraternização com os amigos, regada a muita cerveja e música. Não sei se foi o efeito do álcool, creio que não, pois se fosse isso jamais teria se repetido em ocasiões em que eu me encontrava completamente sóbrio. O fato é que peguei o violão, apoiei o instrumento na perna direita, foi quando uma voz que parecia vir de muito longe me disse:
- Toca uma do Robert johnson!
- Tocar o que?
- Quem de vocês pediu para mim tocar uma canção de um tal de Robert johnson? Perguntei a todos.
Todo mundo respondeu em coro:
- Ninguém?
Fiquei assustado, mas me controlei para não entrar em pânico.
- Deixa pra lá, vamos fazer um Blues!
Na saída da festa, eu vinho caminhando só pela calçada, já era perto da meia noite, quando de longe percebi um vulto parada na esquina, o encontro da rua em que eu me encontrava com a rua transversal formava uma encruzilhada. Fiquei com receio de que fosse algum bêbado, drogado ou assaltante, mas continuei caminhando sem demonstrar medo, mas pronta para correr se fosse necessário. Chegando mais perto, e com o auxilio da luz de um poste que ficava do outro lado da rua percebi que a figura se tratava de um homem de pele negra, vestia uma calça social em ótimo estado, um sapato que mais parecia um espelho, terno, gravata, óculos escuros e um chapéu que lhe cobria a cabeça e quase toda a testa. Pensei: “ Bom, não deve ser alguém mal intencionado, deve estar esperando por alguém”. Continuei no meu caminho, passei por ele sem olhar para os lados. Foi então que ele me chamou:
- Olá rapaz, como vão às coisas?
Não senti mais minhas pernas, meu corpo inteiro ficou imóvel, tamanho era o pavor. Olhei para traz e gaguejando respondi:
- Es...es...tá...tá...tu..do ..bem.
- Vi você tocar aquele Blues, está no caminho certo, se estudar mais um tempo vai tornar-se um profissional de grande qualidade. Disse a figura misteriosa.
- Muito obrigado, mas agora tenho que ir andando já esta tarde, adeus.
- Até logo, em breve nos veremos novamente. Respondeu o sujeito.
- Como? Se eu nem lhe conheço, e tão pouco lhe vi na festa!?
- Mas eu conheço você. Falou o sujeito
- E você quem é? Perguntei espantado.
- Pode me chamar de Mr Mojo Slim, ou Mr Mojo para os íntimos.
Virei o rosto e continuei a caminhar rapidamente, confuso e com medo, mas curioso em saber quem era aquela enigmática figura. Num impulso de curiosidade voltei meu olhar para a esquina, mas o sujeito sumiu tão rápido que não pude ver nem mesmo o seu vulto, olhei em volta e nada. Assustado com os batimentos cardíacos acelerado, as pernas bambas e ofegante cheguei até em casa. O sono daquela noite foi pesado, perturbado por visões de negros cantando ao redor de uma fogueira ao som de uma gaita.
Logo ao amanhecer a primeira coisa que fiz logo após acordar foi telefonar para a casa do meu amigo, anfitrião da festa ocorrida durante a noite passada.
- Pedro havia um sujeito, sei lá, pode ser um amigo seu, um negro de calça social, terno, gravata, óculos escuros e chapéu na festa ontem?
- Claro que não! A festa era apenas para a galera da turma não lembra? Ninguém mais podia participar. Mas porque essa pergunta agora?
- Nada, deixa pra lá, até logo.

OS ESTILOS DO BLUES.

2009-03-20T11:03:00.000-07:00

Apesar de jamais abandonar as raizes, o Blues se ramificou em diversos estilos. Cada estilo apresenta variações que apesar de serem sutis podem ser percebidas. Os estilos se desenvolveram de acordo com a região em que surgiam. Um dos mais antigos estilos e talvez o mais difundido e popular é o Delta Blues. O Delta Blues teve origem na região do delta do 'Mississippi nos Estados Unidos, que se estende de Memphis (cidade aonde Elvis Presley nasceu), Tennessee a norte, a Vicksburg, Mississippi no sul, e do Rio Mississippi a oeste ao Rio Yazoo a leste. Essa área é famosa tanto pelos solos férteis como pela sua pobreza extrema. Guitarra e gaita são os instrumentos predominantes da região. Os estilos vocais vão dos mais introspectivos e calmos aos mais ferozes e entusiásticos.

Nos anos quarenta, o coração do Blues mudou-se para a região sul de Chicago. Lá surgiram grandes nomes como Elmore James, Willie Mabon, Jimmy Rogers, Sonny Boy Williamson, Otis Spann, Willie Dixon, Muddy Waters e Howlin’ Wolf. Entre as canções mais representativas deste período podem ser destacadas Hoochie Coochie Man, Mannish Boy, Sloppy Drunk e Don’t Start Me Talkin. Surgiu então o Chicago Blues.Foi criado por volta de 1940/1950, amplificando o Delta Blues. Adicionou-se bateria, contra-baixo e piano (às vezes saxofone), criando o que conhecemos hoje como "blues band" (banda de blues). O estilo deu origem às batidas de rock e ao ritmo do funky music nos anos 80 e 90. Chicago blues é uma forma de música blues que foi criada em Chicago com a adição de instrumentos elétricos, bateria, piano, baixo e algumas vezes saxofone ao estilo básico de cordas/gaita do Delta blues. Este estilo desenvolveu-se principalmente como consequência da "Grande Migração" de trabalhadores negros pobres do sul dos Estados Unidos para as cidades ricas do norte, Chicago em particular, na primeira metade do século XX.Alguns Artistas Importantes: Buddy Guy, Willie Dixon, Little Walter, Elmore James, B. B. King, Sonny Boy Williamson II, Junior Wells, Muddy Waters, Howlin' Wolf, Jimmy Rogers, Magic Sam, Otis Rush.

O Texas Blues nasceu na metade dos anos 20, possuía as tradições do Country Blues, porém o violão mais do que mero acompanhamento, era uma extensão do vocal. Outro estágio do Texas Blues veio depois da Segunda Guerra Mundial, trazendo um estilo totalmente elétrico. O Blues do Texas tem como principais representantes: Bobby "Blue" Band, Albert Collins, Lightnin' Hopkins, Blind Willie Johnson, Stevie Ray Vaughan, Lowell Fuson, Freddie King, T-Bone Walker, Clarence Gatemouth Brown e Blind Lemon Jefferson. E dedicado também ao blues da Califórnia, que é fortemente representado por: The Ford Blues Band, Rod Piazza, Andy Just, entre outros.

Apesar de ser mais influenciado pelo Blues do Texas, a costa oeste, onde surgiu o Blues da Califórnia, incorporou uma grande variedade de estilos. Pessoas quem vinham do Texas, Oklahoma, Louisiana, e Arkansas, para trabalharem nos campos e nas fábricas, durante e após a Segunda Guerra Mundial, trouxeram consigo o blues da região que viviam. E, nesta mistura de raízes diferentes, dentro do mesmo estilo, formou-se o Blues da Califórnia.

O blues moderno carrega consigo a tradição do blues antigo misturado ao som da guitarra elétrica. Muitas bandas em meados dos anos 60 começaram a adotar este estilo, principalmente bandas inglesas como John Mayall & The Bluesbreakers e The Cream. O Blues elétrico é o mais conhecido dentre todos os outros estilos, pois conta com um plantel de artistas renomados e músicas bastante conhecidas. Bandas com Led Zeppelin, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Rolling Stones, Yardbirds, Allman Brothers e até Pink Floyd tiveram suas raízes bem bluseiras, imortalizando a influência do Blues para variados estilos musicais.

O Blues é um gênero musical que ao longo do tempo foi se aperfeiçoando e hoje apresenta variadas ramificações ou estilos, dependendo muito da região e da época em que foi difundido. Cada estilo possuí uma vertente com suas particularidades, mas sempre contendo elementos originais, ou seja, de raiz. Os principais estilos de Blues são: Country Blues, Texas Blues, Delta Blues, Jump Blues, Chicago Blues, Louisiana Blues, Harmonica Blues e o Modern Electric Blues.

O Country Blues é um dos primeiros gêneros do Blues onde predomina o violão acústico com acompanhamento de vocais. Foi nesse gênero que as primeiras técnicas de slid surgiram, alguns artistas de Country Blues trocaram seus violões por guitarras elétricas com o passar do tempo, embora isso não tivesse alterado sua forma de tocar. Alguns nomes importantes do Coutry Blues são: Scrapper Blackwell, Sleepy John Estes, Son House, Skip James, Blind Willie Johnson, Robert Johnson, Big Bill Broonzy, Lightnin Hopkins, Blind Lemon Jefferson, Charley Patton entre outros.

O Texas Blues foi um estilo que teve origem na metade dos anos de 1920, possui as tradições do Coutry Blues. Nesse gênero o violão ou guitarra não tem simplesmente a função de acompanhamento ele é usado como uma extensão do vocal. Outro estágio do Texas Blues veio depois da Segunda Guerra Mundial, trazendo um estilo totalmente elétrico. Alguns dos artistas mais significativos do Texas Blues são: Bobby blue Band, Albert Collins, Lightnin Hopkins, Blind Willie Johnson, Stevie Ray Vaughan, Lowell Fulson, Freddie King, T-Bone Walker, Clarence Gatemouth Brown, Blind Lemon Jefferson entre outros menos conhecidos.

O Delta Blues é um estilo que se originou de uma região na parte sul do Mississipi, romanticamente denominado “o lugar onde o Blues nasceu”. Foi o primeiro estilo que pode contar com suas gravações pela indústria fonográfica. Embora muitos artistas oriundos do delta tocassem com uma banda, poucos gravaram desta forma. A maioria das gravações ocorreram entre os anos de 1920 e 1930, e consistem em trabalhos solos com acompanhamento apenas de violão. Os nomes que se destacam no Delta Blues são: John Lee Hooker, Arthur Big Boy Crudup, Robert Lockwood Jr, Robert Johnson, Big Joe Williams, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson II, Tommy Johnson, Mississippi Fred McDowell.

O Jump Blues foi um estilo adotado por músicos da região da Flórida, West Virginia, Maryland e Delaware. Nasceu na metade dos anos de 1940 e sua forma caracterizava-se pela presença de um vocalista frente á uma grande orquestra. O vocal era intenso, quase sempre com solos de saxofone. Estes elementos acabaram sendo precursores do Rock and Roll. O Jump Blues não dava tanta ênfase as guitarras como em outros estilos do blues. Alguns artistas importantes desse estilo são: Amos Milburn, Jimmy Witherspoon, Big Joe Turner, Leroy Carr, Ray Charles, Champion Jack Dupree, Pee Wee Crayton, Floyd Dixon, Johnny Otis.

O Chicago Blues foi criado por volta de 1940 á 1950 e é uma amplificação do Delta Blues. Adicionou-se bateria, contra-baixo e piano (as vezes saxofone), criando o que conhecemos hoje como blues band (banda de blues). O estilo deu origem as batidas de rock e ao ritmo do funky music nos anos 80 e 90. Os representantes do Chicago Blues são: Buddy Guy, Willie Dixon, Little Walter, Howlin Wolf, Elmore James, B. B. King, Sonny Boy Williamson II, Junior Wells, Muddy Waters, Jimmy Rogers, Magic Sam, Otis Rush.

No Louisiana Blues a guitarra era simples mas eficaz, possuia influências do Boogie de Jimmy Reed, com doses de Lightnin Hopkins e Muddy Waters. Não era nada similar ao blues pesado de Chicago, Louisiana Blues era um blues mais lento, onde utilizava-se bastante efeitos como o eco. O estilo também era conhecido como Swamp Blues.Alguns artistas importantes: Champion Jack Dupree, Lonesome Sundown, Slim Harpo, Lightnin Slim.

O Harmônica Blues é qualquer estilo do blues onde a gaita se faz presente. Embora o Country Blues contasse com a presença da gaita, ela tornou-se dominante nos anos de 1950, quando os instrumentos foram amplificados. Alguns artistas importantes: Slim Harpo, Junior Wells, Sonny Boy Williamson I e II, Sonny Terry, Jimmy Reed, Little Walter, William Clarke, Big Walter Horton, Paul Butterfield.

O Modern Electric Blues nada mais é do que a tradição do blues antigo misturado ao som da guitarra elétrica. Muitas bandas em meado dos anos 60 começaram a adotar este estilo, principalmente bandas inglesas como John Mayall & The Bluesbreakers e Cream. Alguns artistas importantes: Albert Collins, Little Milton, B.B.King, Stevie Ray Vauhghan, Roy Rogers, Jimi Hendrix, Johnny Winter, Robert Cray, Clarence Gatemouth Brown, Freddie King, John Mayall, James Cotton, Luther Allison, Canned Heat, Taj Mahal, ZZ Top, Rolling Stones, Yardbirds, Derek & The Dominos, Jeff Beck Group. Nesse estilo também foi incorporado efeitos de distorção nas guitarras e onde o Rock mesclou-se ao seu som de origem, o Blues.O que podemos perceber é que nenhum artista ficou preso ao seu estilo de origem, migrando de um estilo mais antigo para um mais moderno, seguindo a evolução social, cultural e tecnológica, mas sempre conservando as raízes.

O BLUES DO DELTA DO MISSISSIPPI.

2009-03-20T05:43:00.000-07:00

Após a abertura de mercado que se deu graças as chamadas “Damas do Blues” foi a vez do Blues do Delta do Mississipi virar febre. De 1928 à 1930 uma grande legião de Bluesmans oriundos da região do delta do Mississipi começam despertar o interesse das gravadoras. Os principais nomes revelados foram os de Son House, Big Joe Willians e Bukka White que freqüentaram as paradas de sucesso. Enquanto isso o lendário Robert Johnson realizava suas gravações em um quarto de hotel com o produtor John Hammond. Até a segunda Guerra Mundial (1939-1945), o mais importante celeiro do Blues era a região do Delta do Mississipi. Ali surgiram bluesmen fundamentals como Charlie Patton, Tommy Johnson, Son House, Skip James, Big Joe Williams e o lendário Robert Johnson. Era o chamado Blues Rural ou Folk Blues que tomava conta das paradas de sucesso.

Apesar de ter sido um dos últimos a aparecer, Robert Johnson foi o maior criador do blues do Delta. E sua vida tornou-se a lenda mais famosa da história do Blues (um exemplo é o filme "A Encruzilhada"). Johnson nasceu em Hazlehurst, Mississipi, fruto de uma relação extra-conjugal de sua mãe, abandonada logo depois por seu pai, um trabalhador rural. Ele seguiu o mesmo caminho do pai e casou-se quando tinha 16 ou 17 anos. Depois da morte de sua mulher, enquanto tentava dar à luz, sua vida mudou completamente. Johnson se entregou ao Blues, primeiro tocando gaita e depois violão. Ele logo começou a viajar pela região do Delta, apresentando-se em todo tipo de lugar.

Quando sua fama começo a crescer, o bluesman sumiu por seis meses. Há quem diga que ele viajou pelo país em busca de seu pai. Mas a lenda conta que, nesta época, Johnson estava fechando seu acordo com o Diabo. O negócio era simples: em troca de sua alma, Johnson tornar-se-ia o maior bluesman da área. O próprio músico alimentava a lenda, compondo canções como "Crossroads" - em que narra seu "encontro" com o demo numa escruzilhada - e "Devil Blues".

De fato, ele gravaria suas músicas logo depois e viveria um breve período de sucesso. Mas Johnson morreu com apenas 24 anos, em 1938. As testemunhas de sua agonia colocaram ainda mais lenha na fogueira. O bluesman teria caído de joelhos, latido e uivado como um cão antes de morrer, seu nenhuma causa aparente. Já os historiadores acreditam que Johnson foi envenenado por um marido traído. Seja como for, o mito eternizou-se. Desde então, Robert Johnson passou a ser venerado por todas as gerações de músicos de Blues. Seus discos são item obrigatório em qualquer coleção do estilo e suas músicas foram regravadas incontáveis vezes.O que fazia o Blues do Delta ser único era a forte influência africana, com um ritmo sincopado, mascado pelos pés, o uso do falsete nos vocais, repetições de um mesmo acorde e o uso de um truque que viraria uma marca registrada do gênero: o slide.

AS DAMAS DO BLUES.

2009-03-20T05:14:00.000-07:00

O cenário do Blues na maioria das épocas foi marcado pela forte presença masculina dos bluesmans, mas nem sempre ocorreu dessa forma. Mesmo enfrentando preconceitos como, o machismo de uma sociedade patriarcal e a segregação racial as mulheres negras marcaram sua presença e deram sua contribuição, a qual foi de fundamental importância para que o Blues fosse difundido principalmente nos Estados Unidos e no continente europeu. Foram elas que deram os primeiro passos para que o Blues se tornasse música popular nos E.U.A. Foram de mulheres de origem afro-americana como Bessie Smith, Geertrude May Rainey, Alberta Hunter e Mamie Smith os primeiros discos a serem gravados e vendidos.

Por volta de 1920 a cantora Mamie Smith entra em estúdio para gravar a primeira canção do estilo chamada “Crazy Blues” que foi sucesso absoluto para a época vendendo cerca de 75 mil cópias por semana.O ano de 1921 foi marcado pela chamada era das “Damas do Blues”. Após o grande sucesso alavancado por Mamie Smith surgiram novas cantoras que deixaram sua marca no cenário bluseiro. Os principais nomes revelados e que gravaram no estilo das grandes cidades foram Bessie Smith e Geertrude May Rainey. Bessie Smith foi consagrada como sendo a “Imperatriz do Blues” devido a interpretação de suas canções, sinceras e repletas de emoção. A figura feminina no Blues foi como um cometa, passageira mas de grande brilho, foi através dessas intérpretes que as portas das principais gravadoras foram abertas para o Blues.

BLUES, MÚSICA DE INTELECTUAL OU DE ANDARILHO?

2009-03-19T10:57:00.000-07:00

Grande maioria das pessoas que ouvem falar em Blues, imediatamente associam o gênero musical á uma pequena parcela privilegiada de músicos eruditos e intelectuais. Talvez isso não seja totalmente um equívoco, apenas falta de um conhecimento mais aprofundado sobre o estilo. É claro que o jazz e o Free Jazz são subgêneros derivados do Blues que ao longo do tempo tornaram-se mais complexos e atingiram um público mais seleto, levamos em conta também o fato de que muitas técnicas utilizadas no Blues influenciaram algumas obras da música clássica contemporânea. No entanto, se nos aprofundarmos um pouco mais nas origens e na trajetória do Blues ao longo dos tempos podemos perceber o inverso.

De acordo com os historiadores o Blues é uma música que está ligada a cultura afro-americana, surgiu da instrumentalização das Work-songs (Canções de trabalho) e dos Spirituals (canções religiosas) praticadas pelos negros escravos que trabalhavam e residiam no sul dos Estados Unidos da América no século XIX. Esses escravos até o que se sabe nunca entraram em contato com nenhuma espécie de música erudita, muito pelo contrário, pois os instrumentos musicais utilizados nos primórdios eram estritamente populares como: o banjo, o djamboé (de origem africana) e a gaita de boca, e só mais tarde tomaram contato com o violão (outro instrumento popular) devido a influência espanhola trazida do México.

A conclusão que pode ser tirarada de tudo isso é que o Blues surgiu em um ambiente interiorano, rural nenhum pouco erudito ou intelectualizado. Mesmo depois da grande legião de negros libertos que migraram para as grandes cidades da região do Delta do Mississipi (Celeiro do Blues) em busca de novas oportunidades de trabalho, o Blues ficou restrito as classes mais populares sendo difundido em prostíbulos, bares e casas de jogos, ambientes comuns dos guetos (espécie de cortiços ou favelas) das grandes cidades como Chicago por exemplo. Apesar de sofrer algumas transformações, como o uso da guitarra elétrica, o Blues jamais perdeu suas características rurais, tanto na sonoridade quanto na poesia. Nessa época de transformações o Blues passou a ser música popular entre os habitantes dos guetos (na sua maioria negros), as gravadoras passaram a produzir e vender discos de blues muito mais que qualquer outro Gênero musical da época.

Outro argumento que pode ser usado é o fato de que até onde a história nos leva, jamais houve relato de que algum bluesman tenha entrado em algum conservatório para estudar música. Temos que levar em conta sim, a criatividade a sensibilidade e o dom nato que muitos bluesmans possuíam. Sendo o Blues um gênero o qual faz muito uso do improviso, o bluesman tinha que possuir total domínio da escala a qual utilizaria, tanto na harmonia quanto na melodia. Outro fator que contribuiu para a genialidade que se percebe no Blues são as técnicas totalmente inigualáveis tanto de afinação dos instrumentos como na hora da execução do ritmo e do solo. Um exemplo que podemos citar é o Slide, onde o músico desliza um tubo de metal sobre as cordas produzindo um som sem precedentes.

O que coloca o Blues como um dos melhores gêneros musicais é realmente a simplicidade harmônica e melódica. Até hoje nenhum estilo musical tanto erudito como popular consegue transmitir tantas sensações e tanta beleza. Com uma base rítmica de no máximo três acordes (o que ocorre na maioria dos estilos clássicos do Blues), e utilizando uma escala chamada pentatônica ou penta-blues de origem oriental nos arranjos, o blues é teoricamente e também tecnicamente fácil de ser executado. A poesia em alguns casos chega a ser pieguas, mas nunca perde seu encanto.

É por isso que tomo a liberdade de afirmar, que o Blues é uma música popular, rural, dos guetos, das ruas, dos músicos itinerantes, dos andarilhos e não da elite erudita e intelectualizada, nem mesmos dos acadêmicos de música. Talvez hoje ele atinja um público seleto, por não atender as exigências comerciais do mercado fonográfico, que acostumou a fazer da música um produto descartável.

O BLUES VAI PARAR NAS GRAVADORAS E REVELA GRANDES NOMES.

2009-03-16T17:10:00.000-07:00

Mamie Smith, por volta de 1920 em Nova Iorque, gravou o primeiro Blues a virar disco e se chamava “Crazy Blues” e superou todas as expectativas vendendo cerca de 75 mil cópias por semana. As gravadoras norte-americanas descobriram um grande público em potencial, por volta de 1921 todas elas passaram a ter subdivisões que lançavam discos de músicos negros para o consumo dos habitantes dos guetos urbanos das cidades do sul. A primeira onda de sucessos teve início com cantoras como: Bessie Smith, Geertrude Ma Rainey e Alberta Hunter.

O mais importante celeiro do Blues pelo menos até a segunda Guerra Mundial era indiscutivelmente a região que compreendia o Delta do Mississipi. Ali surgiram bluesmans importantes como: Charlie Patton, Tommy Johnson, Son House, Skip James, Big Joe Williams e o lendário Robert Johnson. Segundo os historiadores, o que tornava o Blues do Delta único era a forte influência africana, com ritmo sincopado, marcado pelos pés, uso do falsete nos vocais, repetição do mesmo acorde e o uso de um truque chamado slide. No slide o guitarrista deslizava o gargalo de uma garrafa ou um pedaço de osso sobre as coradas do instrumento conseguindo assim um efeito inédito. O Blues tinha uma base harmônica teoricamente simples, mas o que transformava um curioso em um bluesman era o sentimento que ele colocava ao tocar ou cantar.

Com o início da segunda Guerra Mundial o cenário sofreu algumas mudanças. Graças a entrada de negros nos quadros militares e a falsa promessa de integração racial. Após a guerra os negros voltaram e encontraram o mesmo cenário, passaram então a se isolarem cada vez mais em bairros próprios. No mundo nada música o esquecido Blues regional cedeu espaço para um som mais urbano marcado pela presença da guitarra elétrica.Nessa época novas gravadoras entram no mercado e novos bluesmans passam a dominar a cena. Em Memphis a capital do Delta do Mississippi surgem nomes consagrados como B.B King, Elmore James, Sonny Boy Williamson e Howlin Wolf. Lá também nasceu a parceria de Muddy Waters e Willie Dixon que rendeu clássicos como: "Hoochie Coochie Man", "Mannish Boy" e "Rollin' and Tumblin'". A cidade de Aina viu surgir Little Walter, Otis Rush, Magic Sam e Buddy Guy. Enquanto isso, o solitário John Lee Hooker levanta sua voz em Detroit.As primeiras gravações datam dos anos 10. Mas o Blues esperaria um pouco mais para florescer graças ao talento de Big Bill Broonzy, Bessie Smith, Muddy Waters, Otis Spann, Bo Diddley, B.B. King, Lowell Fulson, John Lee Hooker, Howlin, Wolf, Sonny Boy Williamson, Memphis Slim e Buddy Guy.

O BLUES, COMO ANDARILHO, MIGROU DO CAMPO PARA A CIDADE.

2009-03-14T18:12:00.000-07:00

No final do século XIX, devido a emancipação dos negros escravos, (principalmente os que habitavam o sul dos Estados Unidos da América), a taxa de natalidade entre eles passou a elevar-se. Esse fator possibilitou outros postos de trabalho aos negros. Houve então um grande êxodo. Grande parte da população negra que residia no campo migrou para a periferia das grandes cidades do sul como Chicago, Memphis e a região do Delta do rio Mississipi, nos estados de Arkansas, Tennessee, Alabama, Luisiana e Mississipi, para trabalhar nas primeiras metalúrgicas e refinarias do país ou em canteiros de obras.

A migração do campo para a cidade atingiu seu pico entre a virada do século XX e o final da primeira Guerra Mundial (1914-1918). Depois da grande legião de negros que migraram do ambiente interiorano para o urbano foi inevitável a formação de guetos situados nas periferias, espécie de cortiço ou favela. A realidade do dia-a-dia do negro liberto não mudou muito em relação a anterior (escravo nos campos de algodão), trabalho árduo, baixa remuneração, preconceito e segregação racial. É claro que a vida urbana trouxe mudanças. Dentro dos guetos surgiram prostíbulos, bares e casas de jogos, o negro trabalhava muito, mas agora tinha um consolo, a diversão.

Nesses ambientes a música negra predominava, os bluesmans passaram a ter contato com instrumentos mais modernos e de tecnologia mais avançada como o advento da eletricidade na música, o que possibilitou o surgimento das primeiras guitarras eletrificadas, a partir dessa evolução explodiu o Blues Urbano. Antes de conseguirem ter acesso aos instrumentos modernos, os negros tocavam o banjor, um ancestral do banjo de origem africana, e o fiddle, espécie de violino trazido para os Estados Unidos pelos irlandeses. O violão apareceu logo depois, graças à influência espanhola vinda do México.

Os primeiros bluesmans urbanos profissionais eram, na sua maioria, deficientes e cegos, incapacitados para trabalhos manuais, que viram na música uma oportunidade de sobrevivência. Alguns nomes conhecidos do Blues como Blind Lemon Jefferson e Blind Willie McTell eram cegos e começaram suas carreiras dessa forma. Foi nesse contexto que surgiu a figura do músico andarilho ou itinerante, passava a vida na estrada. Dessa forma o Blues saiu dos campos e foi parar na cidade”.

O BLUES SURGE DAS PLANTAÇÕES DE ALGODÃO NO SUL DOS ESTADOS UNIDOS.

2009-03-12T14:34:00.000-07:00

Os campos de algodão do sul dos Estados Unidos, Alabama, Mississippi, Louisiana e Geórgia eram como nuvens brancas descidas do céu, no meio da alva imensidão surgiam rostos de ébano, de olhos tristes e melancólicos. O que se ouvia ao longe durante o árduo trabalho era um coral entoando um canto triste carregado de saudade e sofrimento. Apesar de ecoar ao longe parecia sufocado, amordaçado por mãos brancas. Eram inofensivas canções de trabalho (Work- Songs) que ajudavam o negro escravo a suportar sua condição. Era também a alegria dos fazendeiros Yankes que viam o trabalho tornar-se mais rápido e eficaz. Enquanto o negro labutava sem nenhum direito, nem mesmo o de ser livre, os fazendeiros ampliavam suas terras, seus lucros e capitais.

A solução para este infortúnio era colocar as mazelas e sofrimentos nas mãos da providência divina. Mas como? Através da única coisa que era possível fazer. Rezar através da música, e pedir cantando á Deus, que a vida se tornasse menos sofrida. E foi assim que o Blues se originou, a partir de 1860 aproximadamente, através de cantos religiosos (Spirituals), praticado pelos negros africanos, os quais eram escravos nos Estados Unidos, e das canções de trabalho (Work- Songs) entoadas nos campos pelos mesmos. O Blues é extremamente ligado a cultura afro-americana, nasceu da dor causada pelos grilhões da escravidão, da saudade da terra deixada para trás, da melancolia constante que habitava a alma daquela gente, mas também da confiança, da esperança de que um dia, Deus, sentado no seu trono, regendo o mundo como uma orquestra, ouvisse o lamento daquelas canções, e resolvesse tomar parte das dores daqueles desafortunados mortais. O Blues que embalava as intermináveis e árduas jornadas de trabalho dos escravos fluiu junto às águas do delta do Mississippi para uma trajetória mágica e eterna.

As letras das primeiras canções, na maioria das vezes, eram sutis, e falavam de amores impossíveis, relatos de experiências românticas e sexuais, protesto contra a escravidão e as aventuras dos andarilhos marginalizados, a rotina e o cotidiano do negro africano nos campos sulinos dos Estados Unidos da América. Resumindo, a temática da poesia era baseada na religião, amor, sexo, traição e trabalho. Tudo isso era relatado de forma expressiva e contundente. Ficava evidenciado, tanto no ritmo, sensual e vigoroso, como na poesia simples, aspectos populares típicos da vida do negro trazido da África para a América do Norte no século XIX, e a adaptação da musicalidade africana em um ambiente frio e doloroso.

Os instrumentos típicos responsáveis pela harmonia eram, nos primórdios, o banjo e a gaita de boca, mais tarde a guitarra, acústica nos primórdios e eletrificada com a chegada de novas tecnologias, o saxofone, o piano, o trompete, o trombone, o baixo e a bateria passaram mais tarde a fazer parte. O Blues, como um andarilho, migrou do campo para a periferia das grandes cidades (guetos) e ganhou o mundo.

O blues podia ser vocal, instrumental ou ambos ao mesmo tempo, o que ocorria e ocorre até hoje na maioria dos casos, sendo fundamentado pelo uso de notas tocadas ou cantadas numa frequência baixa, com fins expressivos, evitando notas da escala maior, utilizando sempre uma estrutura repetitiva, dentro da escala pentatônica de origem oriental, ou a chamada penta-blues. O blues tem exercido grande influência na Música popular ocasionando o surgimento da maioria dos estilos musicais como o ragtime, Jazz, rhythm n Blues, Rock and Roll e country Music, além de Skarocksteady, Soul Music e influenciando também a música Pop convencional e até a música clássica moderna.

A palavra Blues éra uma expressão utilizada pelos habitantes do sul, uma espécie de gíria que se referia a um estado de melancolia, ou também, podia significar “estar na fossa”. O conceito de "blues" só se tornou conhecido após o término da Guerra Civíl quando sua essência passou a ser como um meio de descrever o estado de espírito da população afro-americana. Era um modo mais pessoal e melancólico de expressar seus sofrimentos, angústias e tristezas. A cena, acabou por tornar-se típica nas plantações do delta do Mississippi, era a legião de negros, trabalhando de forma desgastante, sobre o embalo dos cantos, os "blues".

Há várias versões sobre aquela que é a primeira composição típica de blues, assim como seu primeiro idealizador. Diz a lenda que o autoproclamado "Pai do Blues" W.C Handy ouviu este tipo de música pela primeira vez em 1903, quando viajava clandestinamente em um vagão de trem e observava um homem que tocava violão com um canivete. Daí teria surgido aquele que é dito como o primeiro blues da história, St. Louis Blues. Porém o mais correto a afirmar, é que o blues surgiu de uma forma mais ambiental e progressiva do que uma única canção. De fato, a instrumentalização das work songs (canções de trabalho) foi o marco inicial para o surgimento do blues como estilo de música.

O primeiro nome popular a surgir como músico específico de blues foi o de Charley Patton, em meados da década de 20. Posteriormente, na mesma época, surgiram nomes como de Son House, Willie Brown, Leroy Carr, Bo Carter,Silvester Weaver, Blind Willie Johnson, Tommy Johnson entre outros. A princípio, a maioria das canções interpretadas eram cantos tradicionais como Catfish Blues e John the revelator, canções essas que tiveram vários intérpretes e versões variadas no decorrer da história. Na década de 1930 foi que surgiu aquele que é talvez o nome mais influente e idolatrado do blues: Robert Johnson. Influenciado sobretudo por Son House e Willie Brown, Johnson viveu pouco tempo, cerca de 27 anos, sendo que a sua data de nascimento não é totalmente precisa. Vitimado, segundo a lenda, por um whisky envenenado pelo marido de uma de suas amantes.Gravou 29 canções apenas, entre 1936 e 1937, porém são considerados os maiores clássicos de blues de todos os tempos. Diz ainda a lenda que o estrelato de Robert Johnson veio após um trato feito com o diabo numa encruzilhada. Johnson teria entregado sua alma ao diabo, e em troca ele se tornaria o maior cantor de blues de todos os tempos. Coincidências à parte, de fato a curta vida de Robert Johnson é repleta de mistérios, sobretudo a sua controvertida morte.

No final dos anos 1930 e inícios dos 40 surgiram as primeiras grandes bandas de blues, de Sonny Boy WWilliamson e Big Bill Broonzy. E a partir de 1942 o blues sofre sua primeira grande "revolução" interna com o soar das primeiras notas eletrificadas do legendário guitarrista T- Bone Walker. Certamente é deste nome que remonta as origens do formato consagrado do blues moderno, baseado na repetição 12 compassos da melodia base e com o solo totalmente livre do acompanhamento, (ou seja, o puro improviso) o que não ocorria até então já que o solista era na maioria dos casos também o responsável pelo parte rítmica instrumental. O que certamente tornou possível a T-Bone Walker ser o precursor do estilo clássico moderno do blues foram suas raízes no Jazz, que posteriormente imortalizariam a marca de seu Blues. Com a explosão do blues em Chicago e o advento da eletricidade na música, o blues atingiu um patamar novo, deixando de ser restrito a um pequeno grupo, para se tornar cultura popular no sul dos Estados Unidos.

Em meados dos anos 40, começa um período intenso de migração do delta do Mississippi para Chicago, que já ocorria há alguns anos, porém de forma mais escassa. A população negra do sul dos Estados Unidos, procurando fugir da repressão e das condições precárias de vida que lá encontravam, viram em Chicago um lugar para novas oportunidades. Os músicos de Blues que, por essa época, chegavam em grande número a Chicago, encontraram a eletricidade na música, o que possibilitou uma gama enorme de novas possibilidades e os permitiu alçarem vôos mais altos com sua música. Talvez o grande nome dessa nova fase tenha sido o de Muddy Waters, o primeiro a eletrificar todos os instrumentos de sua banda. Com seu blues carregado, poderoso e intenso, Muddy Waters é talvez, junto com Robert Johnson, a figura mais influente e popular do blues americano, sendo o primeiro bluesman a ter seu nome reconhecido fora dos Estados Unidos, sobretudo na Inglaterra, onde influenciaria posteriormente o surgimento de diversas bandas importantes como The Beatles, YardBirds e The Rolling Stones. Essa última inclusive teve seu nome baseado em uma música de Muddy Waters, Rollin' Stone. Waters compôs e interpretou inúmeros clássicos máximos do blues como Baby Please Don't Go, I Can't Be Satisfied, Honey Bee e Hoochie Coochie Man, entre muitas outras.

Outro grandioso nome do blues surgido nesse período foi o de Willie Dixon. Um dos poucos baixistas líder de banda do Blues, Dixon é considerado o "poeta do blues", já que suas letras se tornaram hinos da cultura bluesística. Sem dúvida é o mais importante compositor da segunda geração do blues. É dele a composição de um dos maiores clássicos, Hoochie Coochie Man, que se tornou famosa na versão de Muddy Waters. Entre outros clássicos estão You Shock Me, I Can't Quit You Baby, Little Red Hooster (composição em parceria com Howlin' Wolf), Spoonful e Back Door Man.

Não menos importante foi o nome de Howlin´Wolf. Guitarrista e gaitista de origem, ficou famoso por sua voz rouca e de um blues bastante Swingado. Definiu um estilo impossível de não ser reconhecido, que influenciaria de forma marcante posteriormente músicos como Eric Clapton, Jeff Beck e Stevie Ray Vaughan. Suas parcerias com Willie Dixon renderam verdadeiras obras primas, além de composições conjuntas. Destaques para The Little Red Rooster e Howlin' For My Baby.

A guitarra elétrica se tornou unanimidade absoluta no blues, nesse período, porém nenhum outro nome consagrou tanto a guitarra solo como elemento central do blues quanto B.B King. Influenciado diretamente por T- Bone Walker, outro virtuose da guitarra solo, B.B King criou um estilo único e quase inigualável de frasear o instrumento, de forma pura e melódica como poucos conseguem. O seu vibrato tornou-se marca registrada, dando aos solos de guitarra uma forma quase verbal. Sem falar de seu vocal-tenor que muitas vezes se destacava mais que o próprio instrumento. Influenciando praticamente todos os guitarristas que vieram posteriormente, é classificado, merecidamente, como o "rei do blues". De fato, blues e B.B. King hoje são termos quase inseparáveis.

Inevitável não citar a figura de John Lee Hooker, que se identificaria posteriormente pelo seu Booggie, e seu estilo falado de cantar, que se tornaria sua marca registrada. Porém sua importância no blues vai muito mais além do que apenas uma vertente adjunta. Além de ter sido um dos primeiros a eletrificar a guitarra no blues, John Lee Hooker foi o percursor do Blues de Chicago, antes mesmo de Muddy Waters ganhar renome.

Um dos momentos mais marcantes do blues foi a apresentação de Muddy Waters em Londres no início dos anos 50. Foi um marco, pois dali em diante o blues ganharia renome internacional e influenciaria o surgimento de novas vertentes musicais, especialmente o rock n' roll. Logicamente Chuck Berry é indiscutível como iniciador do modelo rock, porém sua origem é absoluta no blues, ainda mais na música de Waters. Mas foi o reconhecimento do blues na Inglaterra nos anos 50 que alavancaria o nascimento de uma revolução na história da música ocidental. E foi da fusão do blues, com essa nova vertente, o rock, que nasceria o gênero que marcaria em essência toda a nova geração de músicos que surgia no cenário mundial. Era o blues-rock. Bandas como Beatles, Rolling Stones, Yardbirds e mais posteriormente Cream Fleetwood Mac Jeff Beck e Led Zeppelin teriam suas raízes totalmente fundadas no blues elétrico de Chicago.

Talvez o grupo de maior importância no recém surgido cenário blues britânico tenha sido John Mayall and the Bluesbreakers, que além de ter grande influência no crescimento do blues dentro do país, foi a banda-alçapão de músicos que viriam a se tornar importantíssimos nesse cenário musical em ascensão, como Eric Clapton, que posteriormente viria a formar o Cream, Peter Green que sairia do grupo para ser líder e compositor do Fleetwood Mac, e Mick Taylor, que seria requisitado como guitarrista dos Rolling Stones. E, com o reconhecimento mundial desses músicos, os nomes clássicos do folk-blues americano como Robert Johnson, Son House, Muddy Waters, Howlin' Wolf e B.B. King passaram a ser referências diretas. Foi no Newport Folk festival de 1963 que o blues teve seu auge, com a apresentação de diversas figuras consagradas do estilo. Daí em diante praticamente todos os músicos dos mais diversos estilos provenientes do rock e blues regravaram clássicos antigos. O Led Zeppelin, em seu primeiro álbum gravou uma série de composições de Willie Dixon, porém incluindo como autoria própria, o que resultaria em uma batalha judicial, que obrigaria a banda a identificar Dixon como autor original.

Na América, os efeitos foram diretos, e músicos como Creedence Clearwater Revival, The Doors, Bob Dylan e Jimi Hendrix desenvolveram seus estilos próprios fundamentados nas raízes do blues. Internamente, nomes como Albert King, Freddie King e Buddy Guy, iniciaram uma mudança na sonoridade do blues, juntando elementos típicos do rock, a guitarra distorcida e pesada, com o som tradicional, o que levaria alguns puristas a rejeitarem essa nova "moda" que contrariava o purismo tradicional da música.

Durante o anos 70, o blues, como forma predominante de influência musical, que havia influenciado o surgimento de diversas outras tendências, ia perdendo espaço cada vez mais para os elementos eletrônicos e especialmente da era disco. Até meados dos anos 80 o blues quase inexistia como estilo musical. As aparições dos músicos clássicos de Chicago eram cada vez mais esporádicas, e a própria nova moda rejeitava a sua tendência não comercial contrastante com a fase "Dancing" dos anos 80. Porém foi com o guitarrista texano Stevie Ray Vaughan, que o blues ganhou novas forças. Virtuoso e intenso ao tocar, Vaughan trouxe à tona um estilo até então adormecido, regravando clássicos e criando uma marca própria, unindo elementos típicos do blues de Chicago de Albert King, B.B. King e Howlin' Wolf, com o virtuosismo de Jimi Hendrix. Medalhões apagados como B.B. King, Eric Clapton e outros voltavam a ser referências, e Vaughan foi o responsável por essa nova fase. Vaughan gravou quatro álbuns de estúdio, e neles estão composições que se tornaram referências ao blues e suas vertentes. Suas interpretações variavam do blues tradicional (Pride and Joy, Texas Flood), ao cool jazz (Stang's Swang, Riviera Paradise), passando por soul music (Life Without You), funk rock (Could't Stand't The Weather) e shuffle (Rude Mood). Após a sua morte prematura em 1990, o blues nunca mais teve a mesma força e influênca que teve em tempos passados, e por isso seu nome é lembrado como um verdadeiro herói na história do blues. Coincidentemente ou não, o desaparecimento gradativo do blues no cenário mundial nos anos 90, coincidiu com a queda de praticamente todas a vertentes musicais expressivas, que foram cedendo espaços a estilos comerciais voltados para a mídia e para o marketing, pouco preocupados com uma expressão artística e cultural, da música como forma de transmissão de idéias e emoções, o que levou a uma queda acentuada na qualidade artística das composições musicais nesse final de milênio. Porém numa proporção mais restrita, novos músicos de blues surgem no cenário musical americano como Keb' Mo' e Corey Harris, mas ainda longe de ser expressivo e significativo como outrora fora.